Los chicos de San Petri (Drengene fra Sankt Petri)

Los Chicos de San Petri (1991)

La historia comienza en Dinamarca, en el verano de 1942. Los hermanos Lars y Gunnar Baltrup, son dos jóvenes de familia acomodada que, junto a otros compañeros de estudios de la escuela de San Petri, forman un grupo de resistencia juvenil que realiza actos contra las tropas de ocupación, que en principio solo llegan a la categoría de gamberradas. Sin embargo, las cosas se complican cuando Lars conoce a Otto Hvidmann, un jóven de origen humilde que se une al grupo, proporcionándoles armas robadas a los alemanes. Esto hará que a partir de ese momento, el grupo emprenda auténticas misiones de sabotaje, aumentando considerablemente el peligro de sus actividades.

Con Los chicos de San Petri, el realizador danes Søren Kragh-Jacobsen adaptó para la gran pantalla la historia real de un pequeño grupo juvenil de resistencia formado por estudiantes de la escuela de San Petri, cuyas actividades de sabotaje en el verano de 1942 y posterior encarcelamiento en la prisión de Aalborg, despertaron la conciencia de la sociedad danesa, que hasta ese momento había aceptado sin discusión la ocupación alemana. Sobre esta base, Kragh-Jacobsen construye un interesante relato sobre unos chicos inconformistas e idealistas, que hicieron acopio de un enorme valor para rebelarse, no solo frente a la ocupación, y la humillación de su patria, sino también frente a la desidia de sus mayores, que aceptaron sin protestas el nuevo status quo. En ese sentido, la historia combina los elementos típicos del cine sobre la resistencia, con otros propios del cine sobre la rebeldía juvenil, y en ese aspecto se aprecia claramente la influencia de un título anterior como El Club de los Poetas Muertos, especialmente patente en la parte dedicada al emotivo desenlace de la historia.

Aparte de lo anterior, la película tiene varios aspectos bastante estimables, empezando por las buenas interpretaciones del joven elenco de actores protagonistas, que saben dotar de gran naturalidad a sus respectivos papeles. Tambien me gustó la agilidad de la narración, y el esmerado aspecto visual del film, que incluye una notable labor de ambientación y una elegante fotografía que logra trasladar al espectado a la época que se retrata en la pantalla. Entre los aspectos menos brillantes, principalmente hay que señalar que la película no llega a profundizar en el aspecto personal de los protagonistas, ni en las motivaciones que les impulsan a actuar como lo hacen. En vez de ello, la historia prefiere centrarse en describir las acciones de sabotaje que realizan los chicos, pero sin darle un mayor trasfondo humano a las mismas. Por esta razón, el desarrollo de los personajes resulta demasiado esquemático e insuficiente. Una pena, porque de haberse cuidado más ese aspecto del guión, habríamos estado ante una gran película.

Pese a ello, hay que reconocer que Los Chicos de San Petri es una más que digna producción escandinava sobre el tema de la resistencia, y ofrece un relato bastante ameno de seguir para el espectador. Un film no del todo redondo, pero sí que bastante estimable y de buena factura tanto formal como visual. Recomendable.

Calificación: 6/10

Resplandor en la Oscuridad (Shining Through)

Resplandor en la oscuridad (1992)

Linda Voss (Melanie Griffith), una norteamericana de origen judio alemán, es contratada para trabajar en una oficina gubernamental al comienzo de la Segunda Guerra Mundial. Tras iniciar un romance con su jefe, Ed Leland (Michael Douglas) descubre que este es en realidad un agente del OSS. Cuando Leland desaparece en el curso de una misión secreta en Alemania, Linda convence a sus superiores para viajar alli y realizar una peligrosa misión de espionaje en Berlín haciéndose pasar por empleada doméstica de un alto jerarca del partido nazi. Pero el verdadero motivo del viaje Linda será el intento de reencontrarse con su amado.

Resplandor en la Oscuridad es una de esas peliculas que se notan hechas con las mejores intenciones, pero que, a la postre, se quedan en un producto absolutamente mediocre. Se aprecia de forma bastante clara que la película, dirigida por David Seltzer, con guión basado en una novela Susan Isaacs, se hizo con la intención de fundir los elementos clásicos del cine de espionaje, con la típica trama romántica de “amor en tiempos de guerra” que tanto gustan en Hollywood. En ese sentido se aprecian claras reminiscencias que van desde clásicos como “Casablanca” a otros films más recientes como “La calle del adiós”.

Sin embargo, en este caso el resultado final quedó bastante desdibujado, principalmente porque la película flojea en demasiados aspectos. El primero, y más importante reside en lo absolutamente inverosímil de la trama. La protagonista es una simple secretaria, que sin recibir entrenamiento alguno como agente secreto (más allá de ser aficionada a ¡las películas de espías!), es enviada en una misión ultrasecreta nada menos que a Alemania. Por otra parte, Leland, el agente del OSS es enviado allí sin saber hablar alemán… eso sin contar la carambola por la que Linda es despedida de casa del jerarca nazi, e inmediatamente contratada para ser la cuidadora de los hijos de un general alemán. En definitiva, una serie de dislates argumentales forzados hasta el máximo.

Pero aparte de eso, lo peor es que la película resulta infumable debido en gran medida a lo inadecuado de su reparto. Melanie Griffith está absolutamente cargante y fuera de sitio en su papel de intrépida enamorada metida a espía, realizando una de las peores actuaciones de su carrera. Y a Michael Douglas, por aquel entonces un actor en alza, se le nota a la legua que no termina de encontrarse a gusto interpretando al duro agente del OSS. Se salva un poco de la quema Liam Neeson, en el papel secundario de general alemán, aunque su personaje no de demasiado juego, al menos cumple.

Finalmente, si a las deficiencias en lo tocante a verosimilitud y reparto, añadimos una trama desarrollada de forma absolutamente plana y sin gracia, amén de un desenlace de lo más pasteloso que uno pueda imaginarse, se explica mejor el hecho de que este film se hicera acreedor en su día de 5 “Razzies” o antioscars, incluyendo el de peor película y peor actriz principal. Por rescatar algo de la quema, quizás puedan salvarse los decorados y la ambientación, pero el resto de este film, desde luego, no pasará precisamente a la historia del cine. Un título absolutamente prescindible y que, (si me permite el juego de palabras) en absoluto resplandece.

La Crítica de Reisman

Calificación: 3/10

El Ogro (Der Unhold)

El ogro (1996)

Abel Tiffauges (John Malkovich) es un niño huerfano introvertido y apocado que pierde a su único ámigo debido a un incendio en el hospicio. Años después, ya de adulto, Abel vive trabajando como mecánico en las afueras de París, relacionándose casi únicamente con niños y animales. La vida de Abel se ve truncada cuando es acusado de agredir sexualmente a una niña, pero la invasión alemana hace que sea enviado al frente en vez de ir a la cárcel. Sin embargo pronto es capturado y enviado como prisionero de guerra a realizar trabajos forzados en Prusia Oriental. Alli, de manera casual trabará conocimiento con el jefe de guardabosques del Reich, y a través de este, acabará siendo miembro del pabellón de caza del mariscal del aire Herman Goering. Finalmente, tras una serie de peripecias, Abel terminará por actuar como reclutador en la Napola del Castillo de Kaltenborn, donde cientos de jovenes alemanes reciben formación para ser la futura élite del III Reich.

Realizada en forma de coproducción europea entre Alemania, Francia y Gan Bretaña, “El ogro” supuso la adaptación para la gran pantalla de una novela del escritor francés Michel Tournier titulada “El rey de los alisios”, bajo la direccion del realizador alemán Volker Schlöndorff. Lo primero que llama la atención de “El ogro” es que se trata de un film un tanto atípico, quizás por el tono marcadamente poético que adopta la historia, y porque supone un viaje a las entrañas de Alemania durante la II GM, además de constituir una ácida reflexión sobre la naturaleza humana en general y el nazismo en particular. Toda la historia gira en torno al personaje central, Abel, muy bien interpretado por John Malkovich, dando vida al “ogro”, que es también narrador en primera persona, a la vez que eje fundamental de la historia.

En cuanto a la valoración del film, he de decir que este me ha parecido un tanto irregular. No cabe duda que el marco histórico que abarca y la perspectiva usada para narrar la II GM y la caida de la Alemania nazi desde dentro es bastante interesante a la vez que relativamente novedosa. Sin embargo, en mi opinión, la película no termina de hilvanar bien los distintos temas que apunta, ni tampoco sabe encontrar el tono adecuado de la narración, que se queda a medio camino entre la fábula poética y lo realista sin terminar de decantarse por ninguno de los dos estilos. Asimismo, el personaje de Abel da la impresión de resultar un tanto plano, algunos matices más a la hora de describir su personalidad habrían sido de agradecer. A esto se le añade que –como suele ser habitual en el cine alemán- el ritmo de la narración no es demasiado vivo, y aunque sus dos horas de duración no llegan a hacerse pesadas, si que acusa algún que otro bajón, aunque en el ultimo tercio de metraje vuelve a levantar el vuelo.

No obstante, hay que reconocer que la película tiene una ambientación sobresaliente, y algunas escenas logradas como por ejemplo las de la fiesta de caza en el pabellón de Goering o el desfile nocturno de antorchas en Kaltenborn y el subsiguiente diálogo del Conde con Abel acerca del nazismo. También es destacable el poético monólogo final que sirve de epílogo a la historia, posiblemente lo mejor de la misma:

Había una vez un marinero que en medio de una tormenta marina, teniendo miedo de morir en pecado, cargó sobre sus hombros a un niño, esperando que al salvar al muchacho se salvaría a sí mismo, pues la inocencia del niño le ayudaría a obtener la misericordia de Dios. Recordad siempre que estáis bajo el signo de san Cristobal: sois portadores de niños. Recordad que mientras llevéis a un niño, podréis eludir el mal refugiándoos bajo el manto de la inocencia, atravesaréis ríos, tempestades, podréis atravesar incluso las llamas del pecado.

En resumen, “El Ogro” es una típica producción europea que se sigue con interés, aunque no con apasionamiento. Un film quizás un tanto fallido en cuanto a sus planteamientos, pero de más que correcta factura y con una temática bastante atractiva. Por ello, aunque no termine de desarrollar plenamente todo lo que apunta, merece la pena verse.

Calificación: 6,5/10

Europa (Zentropa)

Europa (1991)

Año 1945. El joven norteamericano de origen alemán Leo Kessler (Jean-Marc Barr) llega a Alemania para trabajar, por mediación de su tio, como revisor en uno de los trenes de la empresa de ferrocarriles Zentropa. A través de sus viajes a lo ancho de un país devastado por la guerra, Leo pronto comprobará la fractura moral que ha producido la contienda entre la población alemana, que conocerá de primera mano gracias a su relacion sentimental con Katharina Hartmann, hija del poderoso magnate del ferrocarril Max Hartmann. Pese a que Leo procura no involucrarse políticamente, la implicación de Katharina con la “Werewolf” o movimiento de resistencia nazi frente a la ocupación aliada lo conducirá a un trágico final.

Antes de que la carrera del famoso realizador danés Lars Von Trier (auténtico enfant terrible del cine europeo reciente) evolucionara definitivamente hacia la búsqueda de la libertad absoluta creativa encarnada por el movimiento cinematográfico de vanguardia llamado “Dogma”, este nos dejó algunos títulos de una factura más convencional. En ese sentido, Europa (la tercera película de una trilogía dedicada a reflexionar sobre la historia de este continente) supone una de las obras cumbres del cine Europeo reciente, a la vez que una de los títulos más accesibles de Von Trier. Entre otros premios, la película se llevó el del jurado del festival de Cannes, consagrando a su director como uno de los grandes realizadores Europeos de las últimas décadas.

La verdad es que personalmente he de decir que la película me atrapó casi desde el primer momento, una vez superada la confusión inicial que supone la introducción de la historia mediante una serie de imágenes de tipo onírico y la voz en off (que en VO era la del actor Max Von Sydow) que dicta órdenes hipnóticas para el espectador. A partir de ese momento, la película envuelve al espectador mediante el desarrollo de la aparentemente simple historia del inocente personaje de Leo Kessler, la película desgrana todo un conjunto de complejas realidades y sensaciones a los que se enfrenta el protagonista. Así asistimos a situaciones que denuncian la dobleza moral de la población alemana y sus ocupantes, el drama de las víctimas del nazismo o el fanatismo que es capaz de mostrar el ser humano.

Todo ello se ve realzado de una manera más que estudiada, mediante el uso de una fotografía predominantemente en B/N que combina el uso del color en determinadas situaciones importantes para el personaje. De este modo, el dirctor construye un universo visual propio, cargado de imágenes sugerentes y simbólicas a la vez. Pero lo más importante, como señalaba antes, es que el aspecto formalmente innovador del film no se usa en tono de pedantería, sino que por el contrario, se pone al servicio de una historia muy bien contada y de la que pueden extraerse múltiples lecturas para el espectador.

No es exagerado afirmar que, con su película, Trier hace un auténtico viaje al corazon de Europa, personificada en la ruinosa Alemania de 1945, logrando mostrar con toda su crudeza las miserias de una sociedad cínica y moralmente destruida por la guerra mundial. Ahora bien, también es de recibo señalar algunas deficiencias que –para mi gusto- empañan los méritos innegables del film. Y es la deriva un tanto semionírica que adquiere la historia conforme se va acercando el desenlace, algo que, a mi modo de ver, viene a romper de alguna mantera el tono adecuadamente equilibrado entre realista y subjetivo que mantiene el film a lo largo de casi todo su metraje. Aparte de esto es inevitable que algunos espectadores encuentren dificilmente accesible el universo visual y narrativo que plantea Von Trier, pese a lo cual hay que insistir en que “Europa” no es especialmente complicada de entender, y, al menos en sus aspectos más convencionales puede ser apreciada por el espectador medio.

En definitiva, considero que “Europa” es uno de esos títulos imprescindibles dentro del cine Europeo, a la vez que constituye una de las reflexiones más descarnadas, pero a la par interesantes y reveladoras, sobre la posguerra Europea y las consecuencias de la II GM. Un título imprescindible para cualquier amante del buen cine.

Calificacion: 8/10

El Tren de la Vida (Train de Vie)

El tren de la vida (1998)

La acción nos sitúa en 1941, en una pequeña aldea judia de Europa central, cuyos habitantes comienzan a sentirse inquietos ante las noticias que les llegan acerca de las deportaciones masivas de judios que están llevando a cabo los nazis. Para escapar de ellas, Shlomo, el loco del pueblo, propone huir a Palestina con todos los habitantes usando un tren falso de deportación como tapadera para encubrir su huida. Tras ser aceptada la idea de Shlomo por parte del Rabino de la aldea, todos los habitantes del pueblo se pondrán manos a la obra para conseguir engañar a los alemanes y llegar a Palestina en tren para comenzar una nueva vida alli.

Pocos meses antes de que Roberto Begnini comenzara a rodar su brillante “La vida es bella” fue tentado por el director de origen franco-rumano Radu Mihaileanu para participar en su proyecto que iba a ser precisamente una aproximación al tema del holocausto en tono de comedia. La negativa del italiano a participar en el proyecto no sentó nada bien al Mihaileanu quien no dudó en alegar que Begnini se había inspirado en la idea de su film para escribir la historia de “La vida es bella”.

Sea como fuere, lo cierto es que ambas películas tienen ciertas similitudes, pero en esencia son dos films bastante distintos. La película de Mihaileanu adopta un tono narrativo próximo al “realismo mágico” del cine de Kusturica, manteniendo en todo momento un tono cómico pero con un trasfondo poblado de matices dramáticos acordes con la transcedencia del tema que se retrata. Lo mejor del film es, en mi opinión, la idea que sirve de punto partida al argumento y la delicadeza del humor del que hace gala, al tratar un tema de enorme sensibilidad como el del Holocausto. Sin embargo, a la película le falta algo más de gancho a la hora de contar la historia de la huida del tren y, en especial, le falta inspiración para crear unos gags más originales u ocurrentes. Aunque las situaciones estrambóticas se hilvanan con agilidad, en el mejor de los casos resultan más simpáticas que graciosas. Las reiteradas bromas a costa de la facción del grupo de judios comunistas, por poner un ejemplo, no resultan especialmente cómicas, sino más bien pueriles. Y aunque hay momentos en los que los diálogos destilan chispazos de fina ironía, en general la parte cómica del film resulta bastante convencional y previsible.

Pese a ello, hay que reconocer que la película está contada con cierta imaginación y ritmo, y que se apoya en unas buenas interpretaciones de su elenco de actores, lo cual hace que se vea sin especial emoción aunque con agrado. En resumidas cuentas, “El Tren de la Vida” es una comedia agradable, narrada con tacto y que se deja ver bastante bien, pero está muy lejos de la genial inspiración –tanto cómica como narrativa- de la que hizo gala Begnigni con “La Vida es Bella”. Pese a ello, es un film estimable y merece la pena verse.

Calificación: 5,5/10

La Delgada Linea Roja (The Thin Red Line)

La Delgada Linea Roja (1998)

Frente del Pacífico, año 1942. La compañía de infanteria “C” de Charlie es desembarcada junto con miles de hombres más en Guadalcanal para tomar parte en los combates por la conquista de la isla. A través de los ojos de varios de los integrantes de dicha compañia, la historia nos cuenta las distintas actitudes de los hombres enfrentados a la realidad de la guerra. El soldado Witt (Jim Caviezel) enviado a una unidad disciplinaria por desertar, es un pacifista que destesta la guerra y solo desea volver junto a su esposa; el Coronel Tall (Nick Nolte) un oficial sediento de gloria personal, el Capitan Stavros (Elias Koteas) jefe de la compañía, preocupado ante todo por la vida de sus hombres; y el Sargento Welsh (Sean Penn) un soldado profesional que desprecia a los oficiales. Todos ellos se verán envueltos en los durísimos y sangrientos combates por Guadalcanal.

Veinte años después de dirigir su última película, el director Terrence Malick afrontó con este film la segunda adaptación cinematográfica (la primera, databa de 1964 y se tituló en España “El ataque duró siete dias”) de la novela homónima de James Jones, una de las grandes novelas bélicas del S. XX. He de admitir que la primera que vez que visioné esta película, poco después de su estreno, me pareció tremendamente plomiza y en más de una ocasión perdí el hilo de la historia al no entender muy bien lo que contaba. Así que me prometí leerme la novela en la que se basa y volverla a ver, para juzgar mejor la calidad del film. Hecho esto, he de decir que mi primera impresión se ha visto confirmada, aunque quizás con más matices que aportan el haber leído el original literario en el que se inspira la película.

Lo primero que llama la atención es que Malick hace una adaptación bastante libre del texto de Jones en más de un aspecto. No solo cambia la personalidad de algunos personajes importantes (por ejemplo, Witt, que es uno de los protagonistas en el film, es un personaje secundario en la novela y aparece mezclado con otro personaje central, el soldado Bell; o como el judio capitán Stein, se transmuta en el griego Stavros), sino que también acorta partes importantes de la novela y alarga excesivamente otras que no lo eran tanto. Por ejemplo, la parte previa al asalto de la colina, bastante extensa en la novela, y que en esta sirve para presentar a los personajes principales del relato, queda excesivamente reducida en el film. Esto hace que escenas que son bastante relevantes en la novela queden reducidas a rápidos planos y diálogos que no se entienden muy bien si no se ha leído el libro. En cualquier caso, todo esto sería secundario si la película, a cambio de las mutilaciones argumentales, ofreciera algo de mayor interés, pero desafortunadamente no es así. Hay que reconocer que la parte bélica sí que es bastante fiel a como se relatan en la novela los combates, pero la adulteración de las otras partes esenciales del relato literario hace que el resultado en pantalla no sea del todo acorde con la calidad de la novela original y que –para el espectador que no haya leido el libro- demasiadas partes resultan escasamente inteligibles.

En vez de profundizar en las extremas sensaciones emocionales de los soldados, como hace Jones, Malick se saca de la manga unos reiterativos monólogos interiores de tintes filosóficos que en general resultan más cargantes que otra cosa. Por otro lado, la historia se diluye en demasiadas digresiones filosóficas, sin profundizar en la descripción de cada uno de los personajes (otro aspecto importante de la novela) lo que hace que el hilo conductor del argumento resulte algo más que difuso. Además, tratandose de un film tan reciente no se entiende que Malick haya suprimido en su película gran parte del contenido más políticamente incorrecto de la novela, como el tema de la homosexualidad en el ejército o la ya mencionada eliminación del personaje del Capitán Stein, el jefe de compañía judio que aparece en la novela. De esta manera el mensaje de la novela, profunda y visceralmente antibelicista, queda demasiado difuminado y en más de un aspecto, desdibujado.

En definitiva, “La Delgada Linea Roja” es un film con algunas luces, pero también con muchas sombras. Pese a lograr algunas buenas imágenes, y plasmar fielmente determinadas partes de la novela, la historia se pierde en excesivas digresiones filosóficas que le restan coherencia al conjunto. Esto, unido a la gran cantidad de personajes que entran y salen, sin un adecuado desarrollo, y a la escasa acción que contiene en la segunda mitad del metraje, hace que la parte final del film resulte por momentos, soporífera. Personalmente opino que Malick, pese a mostrar oficio en la realización, no logra firmar una adaptación especialmente buena del magnífico texto de James Jones que inspira la historia, el cual merecía algo más que algunas buenas escenas de combate. En definitiva, “La Delgada Linea Roja” pese a ser un título estimable, se queda a medias en más de un aspecto.

Calificación: 6,5/10

La Crítica de Reisman

Das Boot 2: La Última Misión (Das Letzte U-Boot)

Das Boot 2: La Última Misión (1990)

Abril de 1945. Del puerto noruego de Kristiansand zarpa el U-234, uno de los nuevos submarinos Tipo XXI transoceanicos, con destino a Japón. A bordo del U-234 viajan dos ingenieros navales japoneses, con una importante carga ultrasecreta, concretamente planos técnicos de armamento y óxido de uranio, esencial para que los físicos japoneses desarrollen sus investigaciones sobre la bomba atómica. El Alto Mando naval aliado, informado por el espionaje de la carga y el destino final del submarino alemán hará todo lo posible por interceptarlo y hundirlo antes de que llegue a Japón.

Lo primero que hay que comentar de este film es que –pese al título- no es para nada una secuela de “Das Boot”. El título original es "Das Letzte U-Boot", (El último submarino) pero se vé que para atraer al público con el reclamo de hacer referencia a la película de “El Submarino” se tradujo como si fuera una segunda parte de esta. En cualquier caso, esta película no tiene nada que ver con la de Wolfgang Petersen, y de hecho se trata de una producción mucho más modesta que se hizo para la TV. En lineas generales el film es correcto y se ajusta a la verdadera historia de la misión del U-234, aunque se toma algunas licencias (por ejemplo, el hundimiento del destructor inglés) a la hora de describir las vicisitudes de su singladura. En general la película mantiene un tono de pulcra corrección formal, así como una realización aseada, si bien mas propia de un docudrama que de un film comercial. Las escenas de acción son escasas y mas bien insulsas, como era de esperar dada la limitación de medios de este telefilm, aunque las tomas exteriores del submarino en superficie no están mal.

El mayor problema, aparte de lo modesto de la producción, es que el punto de partida del argumento, no carente de interés, es desarrollado con poca o ninguna imaginación, de manera que la historia real del misterio que rodeó a la rendición del U-234 queda un tanto desdibujada. En la realidad, después de la capitulación de Alemania, este submarino estuvo varios dias dando posiciones falsas a los buques aliados antes de rendirse al destructor de la US Navy “Sutton”, por motivos que aun hoy no han quedado del todo esclarecidos. Quizás con un desarrollo menos plano y lineal la historia habría tenido un mayor interés, pero lo cierto es que se ve con más pena que gloria. Pasable, en el mejor de los casos.

Calificación: 3,5/10

Emboscada (Rukajärven tie)

Emboscada (1999)

Verano de 1941. El romance del jóven teniente finlandés Eero Perkola con la enfermera Kaarina Vainikainen se ve interrumpido por la entrada de Finlandia en guerra con la URSS en aras de recuperar los territorios perdidos en la Guerra de Invierno. Ya en el frente Eero se reecuentra con su amada, destinada a los servicios auxiliares. Tras solicitar de su oficial la retirada de las auxiliares la compañía del teniente Perkola es enviada a una peligrosa misión de reconocimiento tras las lineas rusas, con el objetivo de identificar las unidades enemigas situadas en retaguardia antes de la ofensiva finesa. Ya en camino, Perkola recibe la noticia de que el convoy que transportaba a las auxiliares a retaguardia ha sido emboscado por los rusos y todos sus miembros asesinados, incluyendo a Kaarina.

Siguiendo la estela de “Talvisota” (que supuso un gran éxito de taquilla en Finlandia), esta producción finlandesa retomó el tema de la participación finesa en la II GM, con esta historia ambientada en la llamada “Guerra de Continuación”, que comenzó cuando el ejército finés secundó la invasión alemana de la URSS en junio de 1941, con el fin de recuperar el territorio perdido en el invierno anterior ante el Ejército Rojo. Emboscada es la típica historia de una pequeña unidad infiltrada tras las líneas enemigas, y con el no menos típico drama romántico de fondo. La verdad es que tras ver el asombroso realismo de “Talvisota” la historia que cuenta este film se me antoja demasiado tópica y previsible. Hay varios elementos que se notan puestos como concesiones para agradar al gran público (la típica historia de amor en tiempos de guerra, secuencias lentas pretendidamente poéticas…etc) y la historia destila por momentos un tono meláncolico que, sinceramente, exaspera. Además la acción es demasiado escasa, solo hay secuencias de combates al final, y la verdad es que estas no resultan demasiado realistas, aunque no están mal filmadas. Si a eso añadimos que el ritmo es excesivamente lento en más de un momento, y que la película apenas tiene escenas de acción, el conjunto que resulta no es excesivamente brillante.

Aunque la película trata de ahondar algo en las distintas motivaciones personales de los soldados y sus miedos ante el incierto destino que ofrece la guerra, nada de lo que se muestra es especialmente original, más bien suena a ya visto. Al final, lo único que queda claro es que los finlandeses lucharon por una causa justa y de manera heroica, pero poco más. Lo que más me gustó fue la ambientación y la fotografía, bastante buenas. Por lo demás “Emboscada” no pasa de un título discreto, de correcta factura, parecido a las producciones “palomiteras” de Hollywood, aunque con una temática finlandesa. Me resultó bastante inferior a la magnífica “Talvisota”, que sí es cine bélico en estado puro.

Calificación: 4,5/10

Escuadron 332 (Tuskegee Airmen)

Escuadron 332 (1995)

La acción comienza en 1942. A título experimental, las Fuerzas Aereas de los EEUU han decidido crear un escuadrón de caza integrado exclusivamente por pilotos negros, entrenandolos en la base de Tuskegee, Alabama. A la llamada acudirán un grupo de hombres de elevada formación académica que formarán la primera unidad aerea pilotada exclusivamente por hombres de color, la 99ª escuadrilla. Tras combatir en el norte de Africa, con el tiempo los conocidos como “Aviadores de Tuskegee” formaran el 332º escuadrón de combate, que realizara misiones de escolta de bombaderos en Italia. Pero en este proceso no solo habrán de luchar contra el enemigo, sino también contra el racismo y los prejuicios dentro del propio ejército norteamericano.

Esta producción, realizada para la televisión por la productora especializada en temas históricos HBO, rinde un sincero homenaje a los primeros pilotos de color de la USAAF, que combatieron con extraordinario valor pese a los prejuicios existentes en su contra en el seno de su propio país. El argumento puede encuadrarse dentro de las típicas historias de integración y superación personal que tan del agrado son del público estadounidense. En este caso, la película nos muestra los logros de estos hombres que lucharon por un país que aun los discriminaba en muchos sentidos y que lograron acallar las críticas con sus logros en el campo de batalla.

Con un estilo bastante cercano al docudrama, Escuadron 332 nos va mostrando sin demasiada originalidad, aunque con corrección formal, las peripecias del grupo de pilotos que abrieron el camino para el final de la segregación racial dentro del ejército de EEUU. Como suele ser habitual en las producciones HBO, la ambientación está bastante cuidada y la historia resulta entretenida de ver. El mayor aspecto negativo es que todo discurre por los cauces previsibles y que la mayor parte de las escenas resultan bastante tópicas y suenan a ya vistas con anterioridad. En el desarrollo de la historia y de los personajes, el guión resulta bastante plano y desde luego le falta capacidad para transmitir emotividad al espectador.

Además la película contiene un par de fallos de contexto bastante chirriantes. Por ejemplo, cuando los hombres de Tuskegee son enviados al norte de África (es decir, a principios de 1943), los modelos que pilotan son P-51 Mustang, aviones que entraron en servicio en 1944 (más adecuado habría sido que pilotaran el P-47 Thunderbolt). Por otro lado, en las filmaciones de época que muestran las misiones de ataque al suelo realizadas supuestamente en el Norte de Africa, se nota por el paisaje que se trata de misiones sobre Normandia. En esta linea, se echa en falta alguna escena de acción aérea más elaborada, ya que salvo alguna que otra secuencia realmente filmada, los combates aéreos están extraídos de documentales de la época.

El reparto cuenta con algunos de los actores afroamericanos mas conocidos, caso de Lawrence Fishburne (que interpreta al protagonista, teniente Lee) o Cuba Gooding Jr., pero los personajes no dan demasiado juego ni están demasiado desarrollados, así que ninguno brilla especialmente, aunque cumplen con dignidad en sus papeles.

En resumen, Escuadron 332 es una película correcta y que se deja ver con cierto interés, pero tampoco puede sacarse demasiado jugo de ella. Medianamente entretenida y poco más.

Calificación: 5/10

Rebeldes del Swing (Swing Kids)

Rebeldes del Swing (1993)

La acción se situa en Alemania en los meses inmediatamente anteriores al estallido de la II GM. Peter Müller (Robert Sean Leonard), es un adolescente, hijo de un opositor al régimen ejecutado por los nazis, que junto con sus amigos Thomas (Christian Bale), Arvid (Frank Whaley) y Otto (Jayce Bartok) forman un grupo de “Chicos Swing” aficionados al baile, a la musica jazz y al desenfadado estilo de vida anglosajón. El grupo de Peter trata de mantener su estilo de vida en medio de la asfixiante presión del nazismo, que cada vez se muestra menos tolerante con las expresiones culturales de los Chicos Swing. Para evitar problemas con las autoridades, Peter y Thomas se alistan en las juventudes hitlerianas, tratando de conservar sus principios libertarios y su afición por el Swing en secreto, a pesar de lo cual,  los “Chicos Swing” se verán progresivamente arrastrados por los aspectos más oscuros del régimen nazi.

Mezclando elementos de Drama y Musical, “Rebeldes del Swing”, puede enmarcarse dentro del cine juvenil, de “rebeldía” un poco al estilo de “El Club de los Poetas Muertos” pero trasladado al marco de la Alemania nazi. Ciertamente no se trata de una historia excesivamente original ni en lo tocante al desarrollo de su argumento ni en cuanto a los personajes, que resultan un poco tópicos. Tampoco la denuncia del nazismo -que es otro de los ejes arguméntales del film- resulta demasiado original o contundente.

Lo mejor de la película radica en la ágil realización que ofrece el director Thomas Carter, y en unos buenos números musicales muy bien resueltos y con una espectacular puesta en escena. Asimismo, la interpretación de los jóvenes actores protagonistas también raya a un buen nivel, destacando el prometedor Christian Bale (el nuevo “Batman”) y Robert Leonard en sus respectivos papeles, junto con Frank Whaley que interpreta al atormentado personaje de Arvid. También hay que recocer una más que lograda ambientación de los ambientes berlineses, pues los exteriores de la película se filmaron en gran parte en Praga, y de la época de los años 40.

En resumen, podemos decir que “Rebeldes del Swing” es una película de aseada factura, aunque un punto previsible y quizás algo pretenciosa. Bajo mi punto de vista no logra transmitir al espectador todo lo que se propone. Pese a ello hay que reconocer que el relato está llevado con un notable pulso narrativo y que la historia resulta bastante entretenida. No es una gran película pero no carece de interés.

Calificación: 6/10

En la linea de ataque (A Midnight Clear)

En la linea de ataque (1992).

Diciembre de 1944. Un pelotón de reconocimiento integrado por jóvenes reclutas norteamericanos, inteligentes pero inexpertos, es enviado al bosque de Las Ardenas con la misión de observar las posiciones alemanas e informar por radio de cualquier movimiento enemigo. Pronto descubren que están siendo observados a su vez por un grupo de alemanes, quienes, en vez de atacarlos, se ofrecen a rendirse simulando combatir para salvar las apariencias. Sin embargo, las intenciones amistosas de ambos grupos de hombres se verán malogradas por un trágico incidente y por el inicio de la ofensiva alemana, que deja aislado al grupo de exploración tras las lineas alemanas.

La Batalla de las Ardenas parece campo abonado para que los cineastas independientes de EEUU rueden películas de bajo presupuesto con mensaje antibelicista. Sí en “Saints and Soldiers” asistíamos a una discreta revisión de la batalla, “En la linea de ataque” no pasa de ser una floja recreación de la famosa “Tregua de Navidad” de 1914 (sobre la que existe una película titulada “Feliz Navidad”) cuando las tropas de ambos bandos confraternizaron por las fiestas navideñas y acordaron un alto el fuego espontáneo en muchos puntos del frente. Cambiando las trincheras por los nevados pasajes de las Ardenas y 1914 por 1944, esta película no va mucho más allá del típico mensaje antibélico y sobre los horrores de la guerra. De hecho, hay una escena en la que los soldados de uno y otro bando cantan villancicos mientras decoran un arbol de navidad, que recuerda mucho a los hechos de 1914.

A pesar de contar con un grupo de actores jóvenes (algunos de los cuales han despuntado posteriormente, como Gary Sinise y Ethan Hawke), sus papeles quedan deslucidos por un guión bastante plano, un ritmo narrativo bastante lento, y una casi total ausencia de acción. Como suele ocurrir en este tipo de films, lo que más se puede salvar es una ambientación decente y algún momento aislado de la trama. Pero para hacernos una idea, la calidad de esta película puede equipararse a la de la mencionada “Saints and Soldiers” aunque con menos acción que esta. Solo recomendable para los muy incondicionales del género bélico.

Calificación: 4/10

Mediterraneo

Mediterraneo (1991)

Junio de 1941. Un variopinto grupo de 8 soldados italianos es desembarcado en una pequeña y remota isla griega del Egeo para actuar como observadores navales. Sin embargo, pronto pierden la comunicación con el mando al quedar destrozada su radio de forma accidental. Este hecho, y el descubrimiento de la hospitalidad de la amigable población local hará que los soldados se olviden de sus deberes militares y se entreguen plenamente al disfrute de la dolce vita que les ofrece la isla, aislados de la tragedia que se desarrolla en el mundo.

El hecho de que esta comedia ganara el Oscar a la mejor película extranjera de 1991 da una idea de la baja calidad de las películas que compitieron ese año por el preciado galardón. Para mi gusto, “Mediterráneo” no pasa de ser una comedia discreta con algún que otro toque sensiblero. Supongo que el hecho de que muestre como un grupo de soldados se olvida de la guerra y se ponen a filosofar sobre la vida se ganó la buena voluntad de una parte importante del público y crítica, así como la belleza visual de una brillante fotografia de exteriores, aspecto que es, sin duda el más destacado de la película.

Pero por lo demás, “Mediterraneo” se queda en una película a medias. Trivializa demasiado la guerra para ser tomada en serio en su parte dramática, y como comedia, si bien algunas situaciones que viven los personajes pueden resultar simpáticas, tampoco termina de cuajar. Un retrato demasiado amable de la tragedia bélica, y un poco tendente a caer en la nostalgia sensiblera (especialmente en su deselance), quedándose a medio camino en casi todos los aspectos. El guión me pareció aun peor que el de la mediocre “La Mandolina del Capitán Corelli” que tiene un argumento similar, aunque tratado de forma más realista.

Para mi, resulta inexplicable el Oscar que recibió esta pelicula (supongo que las demás competidoras serían peores) y, sobre todo, exagerado si tenemos en cuenta los méritos de este film.

Calificación: 5/10

La Lista de Schlinder (Schlinder´s List)

La Lista de Schindler (1993)

La película nos narra la historia real de Oskar Schindler, un ambicioso empresario alemán, que se hace miembro del Partido Nazi como medio para conseguir suculentos contratos para su empresa de manufacturas, para la cual consigue hacerse con mano de obra judia gracias a sus influencias. Pese a ser un hombre práctico, Schindler irá pasando de su utilitarismo inicial al horror ante las atrocidades nazis contra los judios, por lo que decide usar su fábrica como via de escape para cientos de judios del infierno del ghetto de Cracovia y del monstruoso comandante nazi Amon Goeth, responsable del campo de concentración de Plaszow.

La Lista de Schlinder es, claramente, otro de los proyectos personales de Spielberg, quien quiso mostrar toda la crudeza del holocausto a la vez que homenajear a una persona supo sacar lo mejor de sí mismo en tiempos de oscuridad. Usando una fotografía en B/N que acentua el tono hiperealista y casi documental de la cinta que nos muestra las dos caras indisolubles del alma humana: la maldad y la bondad, ambas en sus formas más extremas.

La película contiene escenas que estremecen por su impacto visual, como la entrada al campo de concentración, la lluvia de cenizas sobre los hombros de Schindler, o las angustiosas escenas de las duchas de gas, además de la famosa escena del la niña del abrigo rojo, cargada de simbolismo. Respecto a los actores, destaca el trio protagonista Liam Neeson (Schindler) el contable judio (Ben Kingsley) y el sádico comandante Goeth, interpretado por Ralph Fiennes. De los tres, destacararía especialmente a Fiennes, quien logra una interpretación magistral del sanguinario oficial de la SS a cargo del campo. Neeson está bien en su papel de Schindler, aunque quizás no acaba de darle una dimensión más amplia a su personaje.

En definitiva, “La lista de Schindler” es una de esas películas imprescindibles, más por lo que cuenta, por como lo cuenta; y como recordatorio de unos hechos que la humanidad debe tener siempre presentes para evitar que se repitan.

Calificación: 8/10

La Vida es Bella (La Vita é Bella)

La Vida es Bella (1998)

La acción nos sitúa en Italia, en 1939. Guido Orefice, un joven judío con inclinaciones literarias y su amigo, el poeta Ferrucio, se encuentran de viaje por la Toscana, en el curso del cual Guido se enamorará de Dora, una profesora local que está prometida con un malcarado jefe fascista local. Después de algunas peripecias, Guido se casa con Dora y ambos tienen un hijo, Giosué, pero su feliz existencia se verá truncada cuando padre e hijo son enviados a un campo de concentración alemán, acompañados de Dora, que decide seguirlos voluntariamente. Ya en el campo, Guido hará todo lo posible por ocultarle la crudísima realidad del campo a su hijo, disfrazando los hechos que les ocurren como un juego en el que el vencedor ganará un carro blindado.

Roberto Benigni consiguió con “La vida es bella” algo que parecía imposible. No solo se atrevió a tratar en clave de comedia un tema tan espinoso como el de los campos de concentración y el exterminio judio, sino que además lo hizo con una sensibilidad exquisita, evitando caer tanto en la sensiblería fácil como en el maniqueísmo de la denuncia evidente. Benigni está ademas perfecto en su interpretación llena de matices de Guido, un papel que se le ajusta como un guante, sin olvidar las estupendas actuaciones de Nicoletta Braschi (Dora) y el niño Giorgio Cantarini (Giosué).

La narración que va alternando humor, ternura y amor, evita caer en todo momento en la dulzoneria fácil y creo que precisamente por eso la historia resultan tan profundamente humana y conmovedora, de esas que llegan realmente al interior del alma. La película contiene escenas memorables, como Benigni explicando el por qué de la “raza superior” a los niños en la escuela; o cuando “traduce” las secas explicaciones de un guardia del campo a los prisioneros cambiando por completo el sentido de las mismas. Pero por encima de todo, el mayor mérito de “La vida es bella” es su mensaje de esperanza; mostrando que los seres humanos, por difíciles que sean las circunstancias, pueden sobreponerse y encontrar la felicidad incluso en los lugares más desoladores del mundo.

Para mi, una de las diez mejores películas de todos los tiempos.

Calificación: 9,5/10

El Paciente Inglés (The English Patient)

El Paciente Inglés (1996)

El relato comienza en Egipto, en el año 1938. Un grupo de exploradores y egiptólogos recibe la visita de Geoffrey Clifton (Colin Firth) y su esposa Katharine (Kristin S. Thomas), un matrimonio inglés encargado de elaborar mapas topográficos de Egipto con fines militares. Años mas tarde, en Italia un misterioso paciente gravemente quemado a causa de una accidente aereo y que ha perdido la memoria, es atendido en un monasterio deshabitado por la enfermera Hana (Juliete Binoche). El paciente es el conde Lazlo de Almasy (Ralph Fiennes), que vive en una semiagonia, y no deja de evocar los dramáticos sucesos de su pasado, avivados por la aparición de David Caravaggio (Willem Dafoe), un antiguo espía canadiense que parece conocer la verdadera identidad del conde Stasy.

Después de concluir un rodaje, cayó en manos del realizador Anthony Minghella un ejemplar de la novela del escritor Michael Ondaatje The English Patient, cuya lectura fascinó a Minghella, quien inmediatamente decidió que era una historia que había que llevar al cine. La novela construía un relato ficticio de espionaje y amor en tiempos de guerra en torno a la figura del personaje real del conde Laszlo de Almasy. Este era un noble de origén húngaro, además de un famoso explorador y egiptólogo, que durante la guerra trabajó al servicio del Abwerh, y que llegó a colaborar con el servicio de inteligencia de Rommel en el Norte de África, dados sus extensos conocimientos sobre la geografía norteafricana. Aunque, naturalmente, el guión del film siguió la novela en el sentido de introducir varios hechos ficticios, para presentar una visión mucho más romántica del personaje de Almasy, que poco tiene que ver con la biografia del personaje real.

En cuanto a la calidad del film, hay que decir que, pese a ser la auténtica triunfadora en los Oscars de 1996, alzándose nada menos que con 9 estatuillas, “El paciente inglés” es una película bastante irregular. Es innegable que Minghella logró plasmar en la pantalla escenas de una gran plasticidad visual y cierto lirismo, pero también resulta evidente que el realizador se recrea demasiado en determinadas partes de la historia, especialmente en lo tocante al adúltero romance que se establece entre Almasy y la inglesa Katherine. Esto se traduce en que el ritmo de la narración se haga excesivamente lento hacia la mitad del metraje, y que el uso de los reiterados flashbacks no contribuya precisamente a dotar de coherencia y agilidad al relato. Además, las distintas subtramas que se superponen entre el tiempo pasado y el actual, hacen que el papel de algunos de los personajes secundarios, especialmente el del espía Caravaggio, quede muy desdibujado.

A lo anterior se une el hecho de que algunas partes de la narración resultan directamente soporíferas, sobre todo porque redundan demasiado en el tema de los amores imposibles, especialmente en lo tocante a la relación que se establece entre la enfermera Hana y el agonizante Almasy. Da la impresión que la historia, con unas gotas menos de pasteleo romántico y un mayor vigor narrarivo, habría ofrecido mucho más de sí. Y es que a Mighella, al igual que le pasó con Cold Mountain, se le da mejor dotar de belleza visual a sus historias que de pulso narrativo. Sin duda, lo mejor de la película son los veinte minutos finales, donde por fin el argumento logra recuperar el interés, y la historia se cierra de una forma bastante digna. En el plano interpretativo, yo destacaría por encima de todo a Ralph Fiennes, estupendo en el papel de Conde Almasy, a y Juliet Binoche como la enfermera canadiense, pues ambos ofrecen una interpretación bastante sólida en sus respectivos papeles.

En resumen, da la impresión “El paciente inglés” fue una película bastante sobrevalorada en su momento, y más que probablemente laureada en exceso. Un título que no termina de carburar en el plano narrativo, aunque sin duda cuenta también con algunas virtudes en su haber, sobre todo visuales. En cualquier caso, para mi gusto, está lejos de ser uno de los clásicos del cine.

Calificación: 5,5/10

Memphis Belle

Memphis Belle (1990)

Basadandose en uno de los documentales realizados por el director norteamericano William Wyler sobre la intervención norteamericana en la II GM, esta película nos cuenta las peripecias del bombardero de la USAAF "Memphis Belle”, un B-17 que tras realizar 24 misiones de bombardeo sin sufrir daños se prepara para realizar la numero 25, su última misión antes de cumplir su servicio, sobre un objetivo en Alemania fuertemente defendido.

Una película del subgénero aéreo de la que puede decirse que pasó con más pena que gloria. Con un reparto lleno jóvenes actores, una ambientación correcta y un guión quizás demasiado dramatizado en algunas partes (esa escena con la palanquita manual del tren de aterrizaje “chirria” un poco) la película no termina de enganchar. La primera parte de la película, que nos muestra la preparación de la misión y nos va presentado a la tripulación no está mal, pero resulta bastante tópica. Nos presenta al típico grupo de jóvenes embarcado en la guerra con sus miedos, sus inquietudes, la relación de camaradería entre ellos…etc, nada que no se haya visto antes. La parte de la misión sobre Alemania, más de lo mismo, escenas de combate aéreo correctas, sin más. Las interpretaciones de los protagonistas, tienen el mismo tono gris de la película, todos están más o menos bien, pero sin alardes.

En definitiva “Memphis Belle” resulta una película muy académica en sus planteamientos tanto formales como visuales, sin sobresalir en ninguno especialmente, por lo que se queda simplemente en un título mediano dentro de la filmografia bélica.

Cuando callan las trompetas (When trumpets fade)

Cuando callan las trompetas (1999)

La historia nos lleva al bosque Hurtgen, en la frontera germano-belga, en el otoño de 1944. El soldado Manning, tras perder a todo su pelotón en la batalla, es ascendido a sargento y se le encarga que lidere una sección de reclutas novatos enviados a combatir en la zona. Pero Manning es un hombre atormentado y acobardado por el horror que está presenciando, de modo que hará todo lo posible por sobrevivir antes que nada, incluso poniendo en peligro la vida de sus hombres.

Sobre esta pelicula, tengo una opinión muy clara desde que la vi por primera vez: una buena historia que podría haber sido mejor contada, y que podía haber dado más de sí. Esta pelicula es un claro ejemplo de como un buen planteamiento no es bien aprovechado. El dilema inicial que plantea el argumento, sobre si el instinto de supervivencia es cobardía o no, es sumamente interesante, pero la historia no termina de arrancar, en gran parte por un guión un poco flojito, y porque le falta solidez a la hora de expresar todo lo que quiere abarcar. La historia decae demasiado a menudo y se echa de menos algo más de acción. Los actores tampoco es que logren unas interpretaciones especialmente brillantes, de ahi que al resultado final de la pelicula le falte solidez para ser, al menos, un buen título.

A pesar de ello, una buena ambientación de la atmósfera que rodeó a la batalla de Hurtgen, junto con algunas buenas escenas de acción en el bosque la salvan del desastre total. Pero, lo dicho, la historia daba para bastante más. Quizás en manos de un director y guionista con mas brio, habríamos podido ver una obra maestra.

Calificación: 5/10

Europa, Europa (Hitlerjunge Salomon)

Europa, Europa (1990)

El joven judío Salomon Perel (Marco Hofschneider) es el hijo menor de una familia alemana de origen judío que decide exiliarse a Polonia huyendo de la política antisemita de los nazis. Sin embargo, tras la invasión alemana, Salomon emprenderá una nueva huída hacia el Este, refugíandose en un orfanato sovietico, donde se hace miembro de las juventudes comunistas. Pero el inicio de Barbarroja en 1941 hará que Salomon sea capturado por los alemanes, a quienes hará creer que es hijo de un alemán exiliado llamado Josef ("Jupp") Peters. Tras ser enrolado en la Werhmacht, y vivir una serie de asombrosas peripecias, Salomón será enviado a Alemania para pasar a formar parte de una academía de élite de las juventudes hitlerianas.

Considero que "Europa, Europa" es una pequeña gran obra maestra relativamente desconocida. Dirigida por la realizadora polaca Agnieszka Holland, basándose en hechos reales relatados por el judío Salomón Perel recogidos en su libro autobiográfico titulado “Fui un joven hitleriano, Salomón”, la película realiza un recorrido que abarca desde el inicio de la persecución de los judios en Alemania en la década de los 30 hasta la caida del III Reich en 1945.

Hay que decir que, pese a no ser una película bélica al uso, sí que muestra las miserias de la guerra (atención a la escena en la que el mejor amigo del protagonista muere). Pero lo más acertado de Europa, Europa es la realista descripción de las situaciones que vive el protagonista, junto a una visión crítica del nazismo y comunismo impregnada de fina ironía. El ritmo de la acción es pausado, pero nunca decae, manteniendo el interés del espectador en todo momento. Ello se consigue a través de un guión que dosifica hábilmente drama, acción y toques de comedia, como cuando se determina el grado de pureza aria del protagonista.

Las interpretaciones son todas bastante creibles, especialmente la del joven protagonista Marco Hofschneider, que logra recrear un papel dificil con mucha naturalidad. En resumidas cuentas, "Europa, Europa" es una descarnada visión de una época, de unos totalitarismos, y del alma humana, una película rica en matices que resulta imprescidible para comprender un contexto histórico. Una película que sin ser netamente bélica, resulta imprescindible para comprender la Europa de la II GM.

Calificación: 7,5/10

Stalingrado (Stalingrad)

Stalingrado (1993)

Tras combatir en el norte de Africa, un pelotón alemán, comandado por el jóven teniente Hans Von Witzland, es enviado a combatir en el Frente Oriental, siendo destinados al sector de la ciudad de Stalingrado. Tras sufrir decenas de bajas en los feroces combates librados contra las tropas rusas en el interior de la ciudad, Von Witzland y los escasos supervivientes de su pelotón tratarán de huir del infierno de los combates con la ayuda de una prisionera rusa, mientras los ejércitos sovieticos estrechan el cerco en torno a las fuerzas alemanas.

Coincidiendo con el 50º aniversario del fin de la Batalla de Stalingrado, el director alemán Joseph Vilsmaier quiso acercanos a la visión alemana de la mismo, a través de las vivencias de un grupo de soldados alemanes destinados a combatir en la ciudad del Volga. Vilsmaier pudo contar con un elevado presupuesto para el rodaje, lo que se tradujo en una estimable disponibilidad de medios, incluyendo un excelente atrezzo militar, que permitió realizar una cuidada puesta en escena y una más que notable labor de ambientación de los escenarios tanto exteriores como interiores de Stalingrado. Con estos mimbres, a priori, la película prometía mucho, pero lo cierto es que, en el plano narrativo, considero que el resultado final del film se quedó bastante a medio camino a la hora de explotar la buena materia prima de la historia que desarrolla.

En primer lugar, porque la película de Vismaier ni siquiera resulta original. La historia, de hecho, parece entresacada de un título anterior como Stalingrado, batalla en el infierno, una producción alemana de los años 50 que guarda bastantes similitudes argumentales con Stalingrado. Además, el film cae en el vicio (quizás muy europeo) de profundizar demasiado en la historia humana de los personajes sin combinarla debidamente con la acción. En ese aspecto, Stalingrado podía haber dado para una intensa película bélica, pero se queda en un drama con pinceladas bélicas. El hecho de que se descuide la acción para ahondar en la historia personal de los personajes hace que el ritmo de la narración resulte descafeinado, lento en exceso y la historia farragosa. También hay “saltos” temporales que no se explican muy bien, en mi opinión se podría haber mostrado mejor la evolución de la batalla, desde la victoria inicial alemana hasta su derrota, pero al final todo queda muy desdibujado porque se centra demasiado en los dramas personales de los soldados.

En el plano interpretativo cabe señalar que las actuaciones, sin resultar memorables, son correctas en lineas generales, aunque ninguno de los actores transmite demasiadas emociones al espectador. De las escenas estrictamente bélicasde la pelicula , que tienen un peso quizás demasiado secundario en el conjunto de la narración, destacaría la secuencia del combate de los soldados alemanes contra los T-34 rusos en la nieve, (de lejos, lo más logrado de la película) o la de los fusilamientos de los prisioneros por su intensidad dramática.

Por lo demás, Stalingrado resulta una película correcta, de buena factura formal y visual, pero con un apartado narrativo un tanto deslavazado y que por momentos se hace excesivamente lenta. Muy probablemente, esta historia habría dado mucho más de sí en manos de un director mas imaginativo.

Calificación: 6/10

Salvar al soldado Ryan (Saving Private Ryan)

Salvar al soldado Ryan (1998)

La más reciente película bélica de éxito entre el gran público, que nos cuenta la historia de una patrulla americana en los dias posteriores al Dia D, enviada en misión de rescate de un soldado anónimo, al que el alto mando ha decidido evacuar cuando se comprueba que sus hermanos han muerto en combate casi simultaneamente. Pese a que esta premisa argumental resulta algo rebuscada y un poco insulsa, la pelicula comienza de forma totalmente demoledora, mostrando con toda la crudeza posible las imágenes del desembarco, usando una fotografía y planos hiperrealistas, con una dirección de escena prácticamente perfecta, sin duda, de lo mejor en la historia del cine bélico. Nunca el cine se apróximo tanto a la guerra real como en los primeros veinte minutos de metraje de esta película.

Sin embargo, tras este brillante arranque, el ritmo de la historia decae un poco, aunque se trata de ahondar en el lado humano de los personajes, pienso que esto no se logra de una forma del todo convincente, pese a algunas situaciones bien resueltas (como la de los soldados apiñados escuchando nostálgicos en un gramófono la melódica voz de la cantante francesa Edith Piaf). Pese a ello la historia recupera ritmo en el último tercio del film, que nos lleva al momento álgido final, la batalla en el pueblo donde contraatacan los alemanes que también resulta espectacular, aunque algo inferior a la del comienzo (por cierto, que dicha batalla debe mas de un fotograma a "El Puente", la pelicula alemana del 1959 que comentaba en este blog).

Entre los aspectos positivos, destacar por supuesto la recreación histórica de escenarios, material bélico y batallas; la buena interpretación de Tom Hanks y el "sargento" John Burns; y por supuesto, las escenas del desembarco en Normandia. Una pena que las grandes virtudes de esta pelicula queden un poco empañadas por las dosis de patrioterismo que Spielberg introduce como un guiño al publico estadounidense, y cierto maniqueismo al tratar a los soldados alemanes, quizas un poco más de humanización de estos habría sido de agradecer. En cualquier caso, una película que ya es un clásico del genero y que desde el punto de vista visual, ha abierto nuevos campos a imitar por películas bélicas posteriores. Sin temor a exagerar, puede decirse que Salvar al soldado Ryan ha marcado un antes y después en el género bélico.