Roma, Ciudad Abierta (Roma Città Aperta)

Roma, Ciudad abierta (1945)
La acción se situa en Roma a comienzos de 1944. La GESTAPO busca acabar con uno de los jefes del Comité de Liberación Nacional, el ingeniero Manfredi, quien logra escapar por poco a la captura. Huyendo de sus perseguidores, Manfredi se refugia en casa de la viuda Pina, novia de otro de los miembros de la resistencia, el tipógrafo Francesco. Con la ayuda del Padre Pietro, un cura que colabora con la resistencia, Manfredi intenta continuar sus actividades, pero resultará localizado por los alemanes y detenido, muriendo en el curso del arresto la viuda Pina. Aunque Francesco y Manfredi son liberados por la resistencia cuando los trasladan, Marina, antigua novia de Manfredi, delatará a este, dando lugar a una serie de trágicos acontecimientos.

En plena época de posguerra, con las heridas morales de la contienda aun sangrantes y los destrozos físicos aun presentes, el director italiano Roberto Rosselini marcó un hito en la historia del cine con este título, considerado justamente como el que sentó las bases del Neorrealismo (el precursor del moderno “Movimiento Dogma” que propugna un acercamiento del cine a la realidad huyendo de todo artificio técnico y argumental). Partiendo de un hecho real acaecido en los últimos meses de ocupación alemana, en concreto el fusilamiento de un cura por colaborar con la resistencia, Rosselini construyó una historia sencilla y sin alardes, con un estilo que muchas veces parece semidocumental por el realismo que rezuma cada plano. Especialmente destacable -y memorable, por ser un autentico icono del septimo arte- es la secuencia de la detención de Francesco y la muerte de Pina. Unas escenas magistralmente construidas, que impactan por su sobrio verismo y que ponen un nudo en la garganta por el intenso dramatismo que transmiten al espectador en cada fotograma. Puede decirse sin temor a exagerar que los gritos de Pina llamando a Francesco mientras corre tras el camión que se lleva a los detenidos saltan del celuloide y se atraviesan en el alma.

Otro aspecto destacable del film es como va mostrando el entramado de relaciones y actividades que se tejen entre los protagonistas y como se van desenvolviendo estas hacia el trágico final. A ello contribuyen unas actuaciones sobresalientes de la mayor parte del elenco de actores, que logran expresar una naturalidad pocas veces vista en pantalla, lo cual contribuye a reforzar el aspecto semidocumental del film.

En cuanto a los aspectos negativos, hay que reseñar las bastante evidentes limitaciones técnicas de que adolece el film, especialmente las deficiencias en cuanto a iluminación y fotografia, impuestas tanto por las circunstancias (prácticamente todos los estudios de Roma habían quedado destruidos, por lo que había que filmar en exteriores con luz natural) como por las limitaciones presupuestarias. Sin embargo, estos defectos, lejos de restarle calidad al film, redundan en una mayor coherencia con estilo que Rosselini imprime a su obra.

En pocas palabras, “Roma, Ciudad Abierta” constituye un título fundamental para entender una época y la misma esencia del cine. Con esta película se abrieron nuevas vías narrativas y se creó un lenguaje cinematográfico propio que inauguró una corriente cinematográfica que influyó notablemente al cine posterior, además de dejar para la posteridad algunas de las secuencias más memorables del Séptimo Arte. Un clásico imprescindible para todo buen aficionado al Cine.

La Crítica de Steiner

Calificación: 8/10

Muerte en Roma (Rappresaglia)

Muerte en Roma (1973)

Roma, marzo de 1944. Mientras los ocupantes alemanes ven con inquietud los avances aliados, la resistencia italiana prepara un atentado contra una compañía alemana que patrulla las calles romanas. Cuando la bomba estalla, matando a 33 alemanes e hiriendo a mas de sesenta, el general Kurt Malzer clama venganza y ordena duras represalias contra la población italiana. Pese a que el jefe de la GESTAPO en Roma, el coronel Herbert Kappler (Richard Burton) en principio desea mantener una política moderada y recibe el apoyo Kesselring; Malzer apela directamente a Hitler y obtiene permiso para fusilar a 10 italianos por cada alemán muerto, dando comienzo a una infame represalia contra personas sin ninguna relación con el atentado. Mientras tanto un modesto cura italiano, el padre Antonelli (Marcello Mastroianni) hará lo posible por evitar la masacre de sus compatriotas.

Basándose en los hechos reales que rodearon la matanza de las Fosas Ardeatinas, una de los más infames crímenes de guerra perpetrados por tropas alemanas en suelo italiano, el director George Cosmatos abordó la reconstrucción de los hechos relativos a dicha salvaje masacre. En lineas generales, la película resulta correcta tanto en tocante a la ambientación (ya que se filmó en los escenarios reales de Roma) como en el desarrollo de los sucesos históricos. Un aspecto que me gustó es que no solo se limita a exponer los hechos sino que también plantea los puntos de vista de sus protagonistas: el Coronel Kappler, un hombre de cierta sensibilidad e inteligente, enfrentado a la brutalidad de las órdenes que recibe de sus superiores; las motivaciones de los miembros de la resistencia, la angustia del padre Antonelli ante la barbarie que presencia…etc.

Otro aspecto muy bueno de este film reside en los actores principales, un muy solvente Marcelo Mastroianni en su papel de cura, y un enorme Richard Burton como Kappler, dan mucha credibilidad a sus respectivos personajes. De toda la película me gustó especialmente la escena del atentado, muy bien construida, y como va creando tensión antes de que se produzca la explosión (la pelota que rueda calle abajo, el ruido de las botas alemanas acercándose…) de manera muy realista. En el aspecto negativo, lo que se le puede achacar a este film es que resulta algo típico, con un planteamiento muy lineal y escasa capacidad de sorprender, por mucho que el final (por cierto un tanto brusco) pretenda dar un giro emotivo a la historia.

En definitiva, “Muerte en Roma” es una película correcta y de buena factura, que suple su ausencia de pretensiones con el buen hacer interpretativo del dúo protagonista, y sobre todo, de un excelente Richard Burton en el papel de Kappler. Recomendable.

Calificación: 6/10

Charlotte Gray

Charlotte Gray (2001)

La acción comienza a finales de 1942. Charlotte Gray (Cate Blanchett) es una joven inglesa cuyos conocimientos del idioma francés hacen que sea reclutada por el servicio secreto británico. Tras recibir entrenamiento, se le encarga la misión de lanzarse en paracaídas sobre la zona de la Francia Libre para colaborar como correo con la resistencia comunista de la zona. Cuando Charlotte se entera de que su novio, piloto de la RAF, ha sido derribado en Francia, hará lo posible por averiguar su paradero a la vez que se involucra cada vez mas en la lucha del grupo local de la resistencia liderado por Julian Levade, cuyo padre esconde a una pareja de niños judios en su casa.

La realizadora australiana Gillian Armstrong, abordó con este film la adaptación cinematográfica de la novela original de Sebastian Faulks. El argumento supone una nueva vuelta de tuerca a los filmes sobre la resistencia francesa y la ocupación nazi de Francia, además de contener la típica subtrama romántica, con la previsible historia de amor en tiempos de guerra. A la hora de valorar el film, enumerando los aspectos positivos, hay que reconocer en primer lugar la esmerada ambientación y recreación de los escenarios del sur de Francia donde transcurre la historia. Especialmente lograda es la escena de una columna alemana ocupando el pequeño pueblo francés después de la invasión de la zona libre (entre otros vehiculos reales, se aprecian dos cañones de asalto Sturmgetchuz III auténticos). Además, a la cuidada ambientación se une un innegable virtuosismo en en plano técnico, sobre todo en lo tocante a la fotografía. En cuanto a los actores, hay que decir que las interpretaciones también rayan a un buen nivel, especialmente por parte de Cate Blanchett, que logra una sobria y creíble interpretación de Charlotte Gray.

Hasta ahí lo positivo. En cuanto a lo negativo, hay que señalar que la historia en su conjunto resulta demasiado deslavazada e inconexa. La variedad de distintas subtramas que se superponen (la relación de Charlotte con Julian, las actividades de la resistencia, el cuidado de los dos niños judios que esconde el padre de Julian... etc.) hace que la trama no tenga un hilo conductor claro y que el guión transmita la sensanción de ir un poco a la deriva. El mayor problema es que la historia pretende contar muchas cosas a la vez pero no termina de concretar ninguna. De este modo la historia avanza dando tumbos, hacia un final bastante convencional que tampoco consigue emocionar.

Recapitulando, podemos concluir que "Charlotte Gray" es una película hecha con oficio sobre todo en el aspecto técnico, pero demasiado pretenciosa en cuanto a la variedad de temas que quiere abarcar. En conjunto resulta una película irregular, y falta de pulso narrativo, aunque tenga algún momento salvable. En mi opinión un film fallido que no consigue conectar con el espectador.

Calificación: 4,5/10

Expiación más allá de la pasión (Atonement)

Expiación, mas alla de la pasión (2007)

La historia comienza en el verano de 1935, en la casa de campo de una adinerada familia. Briony Tallis es una joven aspirante a escritora, que al descubrir el romance que mantiene su hermana mayor Cecilia (Keira Knightley) con uno de los sirvientes de la casa, Robby Turner (James McAvoy) acusa falsamente a este último de haber cometido un crimen. Años mas tarde, ya en plena guerra mundial, Cecilia y Robby se reencontrarán tratando de retomar su amor, pero Robby ha de partir para combatir en Francia, aunque promete volver a encontrarse con Cecilia.

Basandose en el Best Seller de Ian McEwan el director Joe Wright (“Orgullo y Prejuicio”) ha abordado otra historia dramatica de amor en tiempos de guerra al estilo de “El Paciente Ingles”. La película tiene un arranque sobresaliente con una sugerente introducción y presentación de los personajes, usando la alternacia de puntos de vista subjetivos para describir la misma situación, lo cual nos permite tener una visión completa de como los hechos que van desarrollándose hacia la tragedia de los protagonistas. El principal problema que lastra el conjunto del film se da en la segunda mitad de la película, que claramente no mantiene el nivel de la primera. En esta segunda parte argumental se nos muestran las peripecias que vive Robby en Francia, quien, tras quedar aislado, recorre un largo camino en compañia de otros dos soldados, en busca reunirse de nuevo con su unidad. En ese tramo, el ritmo de la película decae hasta hacerse tremendamente lento, cosa que queda compensada en parte gracias a un logradísimo e impactante plano secuencia de la playa de Dunkerke genialmente recreada, en la que se retrata a la perfección el caos y desesperación de la retirada británica.

En cualquier caso, la película resulta triplemente destacable en el plano artístico por su fotografia, banda sonora y actores. La fotografía, muy bien acompasada con la historia, va variando de matices cromáticos en función de los diversos ambientes que nos muestra, a los que se ajusta como un guante. En cuanto a la banda sonora, resulta un elemento más de la historia y se integra perfectamente en ella (como el recurrente ruido de la máquina de escribir). Por último, los actores rayan todos a un gran nivel, especialmente McAvoy como Robby y la joven Saorise Ronan, que interpreta a la Briony adolescente.

En resument, aunque en conjunto no es una película redonda, y resulta algo lenta en mas de una parte del metraje ciertamente “Expiación” es cine de alta factura, cuidado en todos sus elementos, y con interesantes aportaciones visuales. Y para los aficionados al cine bélico, quedará siempre en la retina las magistrales secuencias de Dunkerke. Una película de Notable alto.

Ver la Crítica de Reisman

Calificación: 7,5/10

Un Paseo Bajo el Sol (A walk in the sun)

Un paseo bajo el Sol (1945)

La accion nos sitúa en el frente italiano, en 1943. Tras desembarcar en Salerno una sección de infantería norteamericana se dirige al interior con la misión de volar un pequeño puente y tomar una granja ocupada por tropas alemanas. Sin embargo, el teniente que debía dirigir la misión cae herido antes de desembarcar por lo que el mando de la sección recae sobre un veterano sargento que, pese a su experiencia, sufre una profunda crisis nerviosa que le hace delegar nuevamente el mando en otro de los sargentos de la unidad. Mientras avanzan hacia su objetivo sin encontrar apenas resistencia, los soldados expresarán sus inquietudes, miedos y dudas existenciales.

El periodo inmediatamente posterior a la finalización de la II GM (1945-1949) coincidió con una cierta corriente antibelicista en los estudios de Hollywood, que se plasmó en los filmes bélicos de la época. Dentro de esta corriente de míradas críticas hacia la guerra, el director Lewis Milestone, quien ya había mostrado su antimilitarismo con la adaptación cinematográfica de “Sin novedad en el frente” (1930) dirigió esta adaptación de la novela homónima escrita por un autor norteamericano llamado Harry Brown.

La película tiene un arranque prometedor, con la presentación de los principales personajes, los soldados, que en medio de la oscuridad de la noche y apiñados en la lancha de desembarco que los lleva a la playa expresan su nerviosismo y miedo ante lo que les espera. También es notable la secuencia en que, sin verlo, imaginamos como ha quedado el teniente herido (“La bala le ha destrozado la cara, no lo veo pero lo noto” dice uno de sus hombres). Sin embargo, pasado este alentador inicio, la película va cayendo en la nada mas absoluta. No hay acción por ninguna parte, los diálogos entre los soldados, la mayoria de ellos insustanciales, no tienen demasiado sentido, e incluso hay que algún que otro monólogo pretendidamente trascendente que resulta absolutamente ridículo. El predominio de la parte discursiva es tan abrumador, que el espectador solo desea que lleguen de una vez a la granja para ver algo de acción, cuya ausencia casi absoluta resulta desesperante.

Hay algún que otro plano bien rodado (especialmente el travelling lateral del ataque al blindado alemán, el cual por cierto, es un Semioruga White americano) pero en general la película se pierde en un conjunto de diálogos fragmentarios e inconexos que no aportan nada a la historia. De los actores, debido a que es una pelicula "coral" no podemos decir que sobresalga ninguno especialmente, aunque en general están correctos en sus interpretaciones.

En resumen si tenemos en cuenta que la película es bastante floja en su parte dramática (exceptuando algúna que otra escena ademas de las mencionadas) y como film bélico es absolutamente infumable, podemos concluir que “Un Paseo bajo el sol” no es precisamente el título más selecto en la filmografia de Milestone. Muy irregular y floja en su conjunto.

Calificación: 3,5/10

Operación Pacífico (Operation Petticoat)

Operación Pacífico (1959)

Después del ataque japonés contra Pearl Harbor, el submarino norteamericano Sea Tiger, mandado por el Capitán Matt Sherman (Cary Grant) se ve obligado a recoger a un grupo de cinco mujeres auxiliares del ejército, supervivientes de un accidente aéreo en una isla. El embarque de las atractivas mujeres en el submarino revolucionará la vida de la tripulación del Sea Tiger, especialmente al mujeriego e indisciplinado segundo de a bordo, Teniente Holden (Tony Curtis). Tras un fracasado intento de desembarcar a las mujeres, y reaprovisionarse en la isla de Cebú, una serie de desafortunadas peripecias harán que el submarino tenga que volver a Pearl Harbor… pintado de color rosa.

“Operación Pacífico” (cuyo título original traducido literalmente sería “Operación Enaguas”) es la típica comedia romántica producida en los años 50, con la peculiaridad de estar ambientada a bordo de un submarino de la US Navy durante la II GM. La comicidad del film se basa principalmente en la contraposición de los caracteres del serio y metódico capitán Sherman con el pícaro teniente Holden, asi como en el uso de distintos recursos humorísticos, que van desde las situaciones embarazosas causadas por la convivencia de ambos sexos en el limitado espacio interior del submarino, pasando por el humor físico (el robo del cerdo) hasta las situaciones disparatadas (“Avistado petrolero, hundido camión”).

El guión mantiene en todo momento una comicidad en todo momento amable y "blanca", con algún que otro momento bastante hilarante. También se explota bastante la excelente vis cómica de Cary Grant, muy en su línea, y sobre todo de un inspiradísimo Tony Curtis que compone con mucho desparpajo y talento el personaje sinvergüenza de Holden. Gracias a ello la película, que está narrada mediante flashbacks, mantiene un ritmo sostenido que la hace muy entretenida para el espectador.

En resumen, aunque “Operación Pacífico” está lejos de ser una de las grandes comedias de la historia del cine, y pese a que su humor haya quedado un poco desfasado hoy día, lo cierto es que aun puede verse con una sonrisa en los labios. Una película que recuerda los tiempos en los que aun quedaba cierto lugar para la inocencia en el cine.

PD. Como curiosidad, añadir que parece ser que la anécdota del submarino pintado de rosa es REAL, y se dio por el mismo motivo que aparece en la película.

Calificación: 6/10

Torpedo (Run Silent, Run Deep)

Torpedo (1958)

Después de ver como su submarino resulta hundido por un destructor japonés de la clase Akikaze, el Capitan Richardson (Clark Gable) vive obsesionado por la idea de encontrar y hundir al buque japonés. Finalmente Richardson consigue el mando de un nuevo submarino, si bien lo hace pasando por encima de las aspiraciones del Teniente Jim Bledsoe (Burt Lancaster). Ya en el mar, Richardson entrena concienzudamente a su tripulación para efectuar lanzamientos de proa con rápidez, y decide poner rumbo a la zona donde patrullan los destructores japoneses, el Estrecho de Bongo, para encontrar y destruir al Akikaze, lo cual llevará a que se produzca un tenso enfrentamiento entre el capitán y su segundo de a bordo.

El subgénero submarino, tras vivir una época de esplendor durante los años postreros de la contienda mundial (Con títulos como “Destino Tokio”o “Tiburones de Acero), experimentó cierto revival en los 50, época en la que se encuadra esta película. Con un planteamiento argumental que recuerda mucho al de la novela Moby Dick (con Richardson como Achab y el Akikaze haciendo las veces de ballena blanca), “Torpedo” ofrece todos los elementos de una película de submarinos que se precie. El principal, como no, es el consabido choque de personalidades entre el capitán y el segundo de a bordo; las cargas de profundidad que amenazan con destruir el submarino o el seguimiento de los torpedos hacia el blanco. Aunque hoy en dia todos estos elementos nos parezcan tópicos, es de suponer que en la fecha de su estreno eran todavía relativamente novedosos y por tanto “Torpedo” puede considerarse una precursora del subgénero submarino.

En cuanto a los aspectos negativos del film, hay que decir que las escenas de acción resultan un tanto inverosímiles, sobre todo cuando el submarino ataca un convoy japonés ¡en superficie! mientras es atacado por la aviación, y aun teniendo en cuenta que eran los años 50 creo que hubiera sido de rigor un mayor grado de realismo en las secuencias de combate. Tampoco puede esperarse mucho de los efectos visuales, basados en maquetas y transparencias, propias de la época. En lo tocante a los intérpretes, el duelo Clark Gable y Burt Lancaster es lo mejor de la película, ya que ambos actores demuestran su talento interpretativo en sus respectivos papeles (a los que tampoco podía sacarse demasiado partido), especialmente en la intensa escena de insubordinación de Gledsoe ante el capitán Richardson.

En definitiva, “Torpedo” es una correcta película de aventuras bélicas que sentó algunas bases para las posteriores películas de submarinos. Pero es muy inferior a otros títulos del género como “Duelo en el Atlántico”.

Calificación: 5,5/10

Mac Arthur, el General Rebelde (Mac Arthur)

Mac Arthur, el General Rebelde (1977)

A través de los recuerdos que evoca durante una conferencia en la academia militar de West Point, el célebre general Douglas Mac Arthur, (Gregory Peck), asistimos a los momentos clave de la guerra en el Pacífico Sur, desde que MacArthur se ve obligado a abandonar la fortaleza de Corregidor en 1942, su promesa de volver victorioso a Filipinas, su mando en Australia, hasta su destitución por parte del Presidente Truman después de cuestionar la conducción de las operaciones militares en Corea. Todo ello sin pasar por alto el difícil y díscolo carácter del que fue uno de los grandes heroes militares de la II GM.

Siguiendo la estela del éxito del biopic sobre Patton estrenado a comienzos de la década de los 70, “Mac Arthur” trató de repetir los mismos esquemas de aquella película para ofrecer un retrato cinematográfico de una de las figuras militares más célebres de la II GM. En lineas generales, la película resulta bastante fiel a la historia y no elude abordar los aspectos menos atractivos de la personalidad de Mac Arthur: su inflexibilidad, su impaciencia, las ansias de gloria… etc. Otro de los grandes atractivos de la película es la excelente ambientación de los distintos escenarios en que transcurre la historia: Corregidor, Nueva Guinea, Luzón…etc. El otro gran mérito de la película es contar con un enorme Gregory Peck que se mete perfectamente en la piel del personaje, tanto física como sicológicamente.

Hasta ahí los méritos del film. Sin embargo, la película se cojea en varios aspectos. En primer lugar, la cuidada reconstrucción de los hechos históricos no termina de cuajar porque hay algunos saltos temporales demasiado bruscos que no están nada bien explicados (por ejemplo, de la retirada de Corregidor se pasa en unos pocos minutos, a los combates en Nueva Guinea). Las escenas de acción son realistas, pero no secuenciales, lo cual hace que el hilo argumental deje la sensación de ver una sucesión de hechos inconexos. Además, pese a que el film aborda, como comentaba, los aspectos menos positivos de la personalidad de Mac Arthur, lo hace solo tangencialmente, para dedicarse a resaltar el lado heroico y carismático del personaje, con lo que el retrato final del mismo resulta bastante descompensado. Muy lejos, por ejemplo, de la muy realista visión del personaje biografiado que nos ofrece “Patton”. Pero por encima de todo, creo que el principal problema de la película es que no consigue emocionar al espectador con la empatía del personaje, cosa que si conseguía “Patton”. La interpretación de Peck, excelente, no logra compensar la falta de emotividad de un guión algo encorsetado. El hecho de querer condensar un periodo de casi 10 años en dos horas de metraje hace que los distintos episodios se vean demasiado inconexos y que el film resulte frio en su conjunto.

Muy probablemente, de haberse dejado de lado la heroicidad del personaje para centrarse más en su controvertida y problemática personalidad, con sus luces y sombras, el resultado habría sido más memorable. Sin ello, “Mac Arthur” se queda en un correcto, aunque algo irregular, film biográfico del que podemos recordar la actuación del gran Gregory Peck, pero poco más.

Calificación: 5,5/10

Kokoda

Kokoda (2006)

Año 1942, los japoneses se encuentran en el norte Nueva guinea y amenazan con invadir Australia. Para capturar la vital base Naval de Port Moresby las tropas niponas deben cruzar la isla por la única ruta terrestre prácticable: la Senda de Kokoda, una inhospita senda en medio de la jungla que será objeto de duros combates entre japoneses y australianos. Los hermanos Jack y Max Sholt son dos de los componentes de un pelotón australiano destinado en Kokoda, que resulta diezmado en su primer encuentro con los japoneses, obligando a los supervivientes a emprender una peligrosa huida a lo largo de la inhospita jungla.

Este filme australiano, con claras reminiscencias de películas como “Gallipoli” u “Objetivo: Birmania”, tiene la clara intención de rendir un homenaje dedicado a los abnegados soldados australianos que lucharon de una de las batallas mas duras y a la vez desconocidas de la II GM. Hay que reconocer que en el plano visual, la película está muy bien. La colorista fotografía capta a la perfección los matices de los escenarios selváticos y las escenas de acción están rodadas con el frenético ritmo de camara hiperrealista de “Salvar al Soldado Ryan”. La ambientación, asi mismo resulta bastante ajustada a las condiciones reales de la batalla, mostrando las armas reales (como los fusiles Lee Enfield o los subfusiles M3 "Grease Gun") y reflejando a la perfección las duras condiciones imperantes en la selva de Kokoda.

El principal problema que le encontré es que la película, (supongo que por limitaciones presupuestarias) apenas muestra escenas de combates y cuando las vemos, no pasan de pequeños enfrentamientos entre pelotones, cuando en realidad la batalla de Kokoda fue a una escala bastante mayor. Por otro lado, la parte central del film, que nos muestra la huida de los supervivientes hacia la aldea del interior, se hace bastante tediosa, aunque el director intente mantener la tensión con la amenazante presencia de las patrullas japonesas. El final, que resulta bastante convencional (con discurso emotivo incluido) tampoco hace que la película remonte excesivamente el vuelo. Por lo que respecta a los actores, todos desconocidos (al menos para mi) están correctos en sus papeles sin que destaque ninguno especialmente.

En cualquier caso, hay que agradecer que se haga esta aproximación cinemtagrófica a este episodio semidesconocido de la II GM, aunque “Kokoda” no pase de discreta.

Calificación: 5/10

Ataque (Attack!)

Ataque (1956)

La acción nos situa en Bélgica, en Diciembre de 1944 . El veterano Teniente Joe Costa (Jack Palance), tras asistir al aniquilamiento de un pelotón por culpa de la cobardia del jefe de compañía Capitan Cooney (Eddie Albert) decide enfrentarse a su superior cuestionando su mando, que le está causando muchas bajas a la Compañía. Costa, junto con su amigo el Teniente Woodruff (William Smithers) intentan convencer al Teniente Coronel Bartlett (Lee Marvin), jefe del Batallón, para que releve a Cooney del mando, pero Bartlett se niega ya que teme las represalias por parte de la influyente familia de Cooney. En plena ofensiva alemana, Cooney envía a la sección de Costa como avanzadilla con el objetivo de tomar una casa ocupada por los alemanes, pero antes de partir Costa le jura a Cooney que le hará pagar su cobardia si esta le cuesta nuevas bajas a sus hombres.

El director Robert Aldrich (“Doce del Patíbulo”, “Comando en el Mar de la China”) dio una muestra temprana de su talento para dirigir películas de acción con este intenso drama bélico ambientado en la II GM. Lo que mas sorprende de este film es que en plena época de patriotismo cinematográfico, como fueron los años 50, se haga un retrato bastante autocrítico y realista del ejército de EEUU. Por otro lado la película resulta entretenida si bien la narración sufre un cierto bajón de ritmo a mediados del metraje, en el último tercio del mismo levanta el vuelo hasta llegar a un bien resuelto climax final.

En el aspecto negativo, hay que reseñar que el atrezzo militar la pelicula falla en mas de un aspecto, especialmente en lo tocante el bando alemán: las armas, los uniformes y sobre todo los tanques (que son Shermans ligeramente retocados) duelen un poco a la vista del aficionado a la historia militar minimamente avezado. Las escenas de acción, (en especial el asalto a la casa y el duelo con el francotirador) están bien rodadas y resultan bastante realistas para la época, aunque no son especialmente espectaculares. En cuanto a las interpretaciones, hay que resaltar el convincente papel de Jack Palance, en una sobria interpretación y de los secundarios, todos muy eficaces en sus respectivos personajes, incluyendo al gran Lee Marvin, siempre efectivo en sus papeles de militar.

En definitiva “Ataque” es una película interesante que aun hoy dia se deja ver bastante bien, quizás de haber cuidado un poco más la ambientación, el resultado habria sido mas redondo, pero aun asi es un buen film bélico.

Calificación: 6/10

Traidor en el Infierno (Stalag 17)

Traidor en el infierno (1953)

La acción nos sitúa en un campo de concentración alemán para prisioneros de guerra en el Stalag 17, en Diciembre de 1944, un campo donde se hallan presos numerosos sargentos del ejército norteamericano. Dentro del mismo, en el barracon número 4, un intento de fuga de dos prisioneros es abortado por los alemanes, resultando muertos ambos prisioneros en la fuga. Todo indica que en el Barracón 4 hay un espía que le está pasando información al comandante del campo Von Serbach (Otto Preminger) y su subordinado el sargento Schultz (Sig Ruman) sobre las actividades de los presos. Las sospechas recaen sobre el cínico sargento Sefton (William Holden), que no duda en comerciar con los alemanes para obtener privilegios. La tensión va subiendo de tono cuando los alemanes descubren una radio clandestina, por lo que Sefton resulta agredido por sus compañeros. Sin embargo, este insiste en su inocencia y tratará de descubrir al verdadero traidor del barracón 4.

El maestro de la comedia, Billy Wilder, se apartó de su género habitual para hacer una interesante incursión en el cine de prisioneros de guerra. Lo mejor de la película, es sin duda, como mantiene la tensión a medida que se van acrecentando las sospechas en torno al ambiguo personaje de Sefton (enorme interpretación de William Holden), así como una más que convincente puesta en escena y ambientación del Stalag 17.

El principal problema que encuentro es que la película no acaba de encontrar un adecuado tono narrativo. Wilder introduce a lo largo del (supongo que por “tic” profesional) frecuentes escenas de comedia que no acaban de cuajar con el ambiente evidentemente dramático de la historia que se cuenta, y que hacen que el conjunto del film de la impresión de estar un tanto desacompasado. Por ejemplo, el suceso trágico de la muerte de los dos prisioneros fugados no casa con las payasadas varias que realizan muchos de los prisioneros ante los alemanes, que aparecen retratados de una manera contradictoria, entre cruel y tontorrona. Quizás algunos toques de ironía menos burlesca habrían evitado la excesiva dramatización, pero a la vez, respetando el trasfondo dramático del filme.

En cualquier caso, la película está hecha con oficio y se deja ver bastante bien, aunque en mi opinión está lejos de ser uno de los mejores trabajos del maestro Wilder.

Calificación: 6/10

Trampa 22 (Catch 22)

Trampa 22

El Capitán Yossarian es uno de los aviadores de una escuadrilla de bombarderos B-25 de la USAAF que combate desde su base en una isla italiana del Mediterraneo. Yossarian intenta por todos los medios escapar de la guerra solicitando su baja por enfermedad, pero el médico de su escuadrilla le informa de que hay una norma que lo impide, la regla 22, según la cual alguien que se declara loco realmente está cuerdo y debe seguir combatiendo. Atrapado en este circulo vicioso burocrático, Yossarian no tendrá mas remedio que seguir volando hasta cumplir su cupo de misiones.

Los años 70 fueron una época especialmente prodiga en alegatos antibelicistas y desmitificadores de la guerra. Las secuelas morales que la terrible Guerra de Vietnam estaba provocando en la sociedad norteamericana hicieron que vieran la luz bastantes libros y películas de marcado tono antibélico (“Matadero Cinco”, “M.A.S.H”….). En este contexto, es facil entender que se llevara al cine la adaptación de la novela satírica “Catch 22” del escritor norteamericano Joseph Heller (que pilotó bombarderos B-25 durante la II GM) sobre las vivencias del malhadado capitán Yossarian, que había tenido gran éxito desde su publiación en 1961. “Trampa 22” es pues una adaptación del texto literario de Heller, que contó con toda una Pléyada de actores conocidos en su reparto: Orson Welles, Anthony Perkins, Martín Sheen, John Voigt… etc.

El tono de la película es deliberadamente kafkiano y pretendidamente ácido, mostrando un rosario de situaciones absurdas que ponen de relieve los aspectos mas irracionales de la guerra. Desde la misma trampa burocrática que impide que Yossarian escape al servicio, pasando por un Capitán del servicio de lavanderías ascendido a jefe de escuadrilla por llamarse “mayor”, el otorgamiento de medallas a las tripulaciones por soltar bombas en medio del mar, un general que quiere fusilar a sus subordinados… etc. Entrando a valorar la pelicula, he de decir que no me pareció gran cosa en su conjunto. El problema principal del film es que su sátira resulta en demasiados momentos forzada y, por lo tanto, previsible. Las situaciones absurdas se quieren remarcar con diálogos igualmente absurdos que no terminan de funcionar, bien porque no resultan demasiado ingeniosos (o al menos a mi no me lo parecieron) o bien porque redundan demasiado en su intención satírica. Personalmente encontré el guión un poco pasado de acidez, y simultáneamente, falto de algo más de ironía.

Pese a ello, la película tiene varios aspectos bastantes buenos en el plano visual, especialmente una colorista y magnífica fotografia que recrea a la perfección el ambiente Mediterraneo en que se desarrolla la acción. Otro aspecto que me gustó fue el uso de los aviones auténticos de la II GM, y las escenas de vuelo, bastante bien conseguidas aunque breves. De entre el magnífico elenco de actores del reparto, me quedo con un magnífico Orson Welles, que en mi opinión borda el papel de general sádico asediado por su yerno corto de luces. Por lo demás, la película tiene algún que otro momento inspirado, pero en lineas generales se hace algo pesada, aunque se deja ver.

Por ello opino que “Trampa 22” se queda una fallida sátira antibelicista, bastante lejos de ese verdadero clásico del genero, M.A.S.H.

Calificación: 5/10

Rebeldes del Swing (Swing Kids)

Rebeldes del Swing (1993)

La acción se situa en Alemania en los meses inmediatamente anteriores al estallido de la II GM. Peter Müller (Robert Sean Leonard), es un adolescente, hijo de un opositor al régimen ejecutado por los nazis, que junto con sus amigos Thomas (Christian Bale), Arvid (Frank Whaley) y Otto (Jayce Bartok) forman un grupo de “Chicos Swing” aficionados al baile, a la musica jazz y al desenfadado estilo de vida anglosajón. El grupo de Peter trata de mantener su estilo de vida en medio de la asfixiante presión del nazismo, que cada vez se muestra menos tolerante con las expresiones culturales de los Chicos Swing. Para evitar problemas con las autoridades, Peter y Thomas se alistan en las juventudes hitlerianas, tratando de conservar sus principios libertarios y su afición por el Swing en secreto, a pesar de lo cual,  los “Chicos Swing” se verán progresivamente arrastrados por los aspectos más oscuros del régimen nazi.

Mezclando elementos de Drama y Musical, “Rebeldes del Swing”, puede enmarcarse dentro del cine juvenil, de “rebeldía” un poco al estilo de “El Club de los Poetas Muertos” pero trasladado al marco de la Alemania nazi. Ciertamente no se trata de una historia excesivamente original ni en lo tocante al desarrollo de su argumento ni en cuanto a los personajes, que resultan un poco tópicos. Tampoco la denuncia del nazismo -que es otro de los ejes arguméntales del film- resulta demasiado original o contundente.

Lo mejor de la película radica en la ágil realización que ofrece el director Thomas Carter, y en unos buenos números musicales muy bien resueltos y con una espectacular puesta en escena. Asimismo, la interpretación de los jóvenes actores protagonistas también raya a un buen nivel, destacando el prometedor Christian Bale (el nuevo “Batman”) y Robert Leonard en sus respectivos papeles, junto con Frank Whaley que interpreta al atormentado personaje de Arvid. También hay que recocer una más que lograda ambientación de los ambientes berlineses, pues los exteriores de la película se filmaron en gran parte en Praga, y de la época de los años 40.

En resumen, podemos decir que “Rebeldes del Swing” es una película de aseada factura, aunque un punto previsible y quizás algo pretenciosa. Bajo mi punto de vista no logra transmitir al espectador todo lo que se propone. Pese a ello hay que reconocer que el relato está llevado con un notable pulso narrativo y que la historia resulta bastante entretenida. No es una gran película pero no carece de interés.

Calificación: 6/10

Adios Muchachos (Au Revoir, Les Enfants)

Adios Muchachos (1987)

A finales de 1943, el Colegio católico de los Padres Carmelitas en Fontainebleau será el escenario del nacimiento de una estrecha amistad entre dos niños de 13 años de edad, Julien Quentin (Gerard Manesse), un muchacho católico, hijo de una rica familia parisina, y el recien llegado Jean Bonnet, (Raphael Fejtö), un chico judio que en realidad se apellida Kippenstein y que se oculta en el colegio de la persecución nazi. Con trasfondo del ambiente desolador de la guerra que se libra lejos del colegio, Julián y Jean vivirán el paso de la infancia a la adolescencia así como el descubrimiento de los sentimientos adultos y de la verdadera amistad.

Más de una década después de sacudir conciencias tratando el tema del colaboracionismo en “Lacombe Lucien”, Malle volvió a tocar nuevamente el tema del comportamiento de la sociedad francesa durante la época de la ocupación alemana. También en este caso el ritmo de la narración es pausado, y se presentan los hechos de una forma bastante aséptica, pero, a diferencia de lo que ocurría en “Lacombe…”, la carga emocional que transmite el film es bastante mayor, así como el ritmo narrativo es mucho más vigoroso que en aquel film. Con “Adios muchachos” Malle ofrece una lección magistral de cómo hacer cine con aparente sencillez, pero rico en matices; contando una historia interesante con un ritmo pausado, y sobre todo, de cómo ser sensible sin caer en la sensiblería. Como el mismo Malle comentó: “A través de este muchacho que se me parece, he intentado reencontrar aquella primera amistad –la más fuerte- bruscamente destrozada, y representar mi descubrimiento del mundo absurdo de los adultos, con su violencia y sus prejuicios”.

Si “Lacombe Lucien” era una visión descarnada acerca de la realidad del colaboracionismo, “Adios Muchachos” es todo un canto a la amistad y, simultáneamente, una denuncia de las enormes cotas de maldad que es capaz de alcanzar el ser humano. La película tiene varias escenas magistrales (desde la inicial despedida de la madre de Julien en la estación, o la lectura de “Las mil y una noches”, cuando Julien descubre el secreto de Bonnet, y por encima de todas las sobrecogedoras escenas finales). Otro aspecto que me gustó mucho es el tratamiento que se ofrece de los alemanes, mostrando que no todos eran “nazis malos”. Asi la película nos muestra a dos soldados bávaros que rescatan a los niños en el bosque o a un oficial alemán que expulsa a la policía francesa de un restaurante donde estaban acosando a un cliente judío; pero naturalmente sin ocultar la crueldad de la GESTAPO. Esa honestidad de Malle al retratar a los “amigos” y “enemigos” con justicia es algo inusual en el cine.

Por lo demás, aparte de una sólida dirección y guión, la película se apoya en unas magníficas interpretaciones del dúo de niños protagonistas, que rezuman naturalidad y espontaneidad ante las cámaras, logrando que sus interpretaciones resulten absolutamente creibles. Y es precisamente la humanidad que transmiten todos los personajes la que hace de esta película tenga una profundidad desascostumbrada.

En definitiva, “Adios Muchachos” es un directo a la mandibula de la emotividad, además de un sentido y bonito homenaje a la inocencia juvenil, a la tolerancia y a la amistad verdadera, así como una contundente denuncia de la injusticia que es capaz de perpetrar el ser humano. En mi opinión, una pequeña Obra Maestra. Imprescindible.

Calificación: 8,5/10

Lacombe Lucien

Lacombe Lucien (1974)

La historia nos sitúa en un pequeño pueblo del suroeste francés, en Junio de 1944. Mientras la liberación de Francia comienza a vislumbrarse, el joven Lucien Lacombe (Pierre Blaise), de 18 años, hijo de un miembro de la Resistencia detenido por los alemanes, malvive con su madre trabajando como limpiador y cazando animales campestres. Pero Lucien, deseoso de escapar de su mísera situación, y tras ser rechazado su ingreso en la Resistencia, se unirá al grupo local de colaboracionistas franceses que trabajan para la policía alemana, lo que le permitirá situarse en una posición de poder casi ilimitado respecto a sus vecinos, posición de la Lacombe no dudará en hacer uso abusivo repetidamente. Sin embargo, su situación se complica cuando conoce a Alberto Horn, un sastre judío que vive recluido en una casa ocultándose de los alemanes junto a su hija Frances, de la que Lucien se enamora perdidamente, iniciando con ella un peligroso romance.

Con “Lacombe Lucien” el realizador francés Louis Malle hizo una valiente aproximación a un tema de lo más espinoso en el pais galo: la toma de posición de la sociedad civil francesa ante la ocupación alemana. El personaje de Lacombe Lucien, (el cual, según nos aclara el filme al final, es verídico) es retratado como el paradigma de la actitud que tomaron muchos franceses frente a la ocupación, decantándose por el pragmatismo antes que por el idealismo patriótico. En ese sentido, no puede negarse que el film logra pintar un complejo fresco de las relaciones que se establecieron en los dramáticos dias de la ocupación nazi, unas relaciones entrelazadas y a menudo contradictorias (por ejemplo, respecto a los judios a los que no pocos franceses despreciaban tanto como los alemanes). A lo largo de sus mas de dos horas de metraje, el film nos va desgranando un denso compuesto de acciones y reacciones en las que el personaje central (Lucien) viene a ser una especie de catalizador, lo que deja al final del visionado cierta sensación de asepsia ideológica por parte de Malle. Esto resulta bastante valiente desde el punto de vista ético, aunque quizás deja a la película en un cierto “limbo” de indefinición moral, dejando que sea el espectador el que saque sus propias conclusiones.

Personalmente opino que “Lacombe Lucien” es el típico caso de película que no termina de funcionar pese a sus loables intenciones artísticas. El ritmo, más que pausado, resulta lento, hasta el punto de que la historia transmite por momentos la sensación de arrastrarse más que de avanzar, y ciertamente a mi se me hizo aburrida a ratos. La preponderancia del aspecto discursivo sobre la acción (prácticamente nula) es tan abrumadora que algunas partes del film resultan inevitablemente farragosas y me produjeron sensación de hartazgo en más de una ocasión.

Por lo demás hay que reconocer que la parte plástica del film está muy lograda, tanto por la música de fondo, que muy apropiadamente incluye melodías fancesas de la época, acordes de piano, canciones de jazz…etc, como por la excelente fotografía de exteriores. Asimismo, el elenco de actores, en su mayor parte desconocidos, logra unas buenas interpretaciones, llenas de naturalidad, destacando especialmente Pierre Blasie en su papel protagonista de Lucien Lacombe.

En definitiva “Lucien Lacombe” puede considerarse una película notable desde el punto de vista sociológico, por abordar sin maniqueísmos de ninguna clase una etapa bastante controvertida de la historia reciente europea y francesa en particular. Sin embargo cinematográficamente hablando, creo que está lejos de los mejores dramas sobre la II GM.

Calificación: 6/10

La patrulla del coronel Jackson (Back To Bataan)

La patrulla del coronel Jackson (1945)

Poco antes de la caida de Filipinas, a finales de 1941, el Coronel Madden Jackson (John Wayne) recibe el encargo de organizar una fuerza de guerrilleros filipinos para hostigar a las tropas de ocupación japonesas en las islas. Con la ayuda de un oficial filipino, el capitán Andrés Bonifacio (Anthony Quinn) un hombre atormentado porque su antigua novia se dedica a hablar por la radio como propagandista de los japoneses, (pero que en realidad colabora con los americanos), Jackson organizará un eficiente grupo de guerrillas cuyos golpes de mano lograrán crearles muchas dificultades a las fuerzas japonesas.

A la hora de valorar esta película hay que tener muy en cuenta que se enmarca en plena época de actividad propagandística de la insdustria hollywoodiense a favor del esfuerzo de guerra aliado, en este caso contra el enemigo que aun combatía: Japón. Como no podía ser de otra forma, el tratamiento de los personajes japoneses es descaradamente propagandístico, presentadolos como unos seres absolutamente taimados y retorcidos, lo que a veces hace que los personajes japoneses aparezcan como representaciones caricaturescas del “malvado amarillo”. Especialmente delirantes son las escenas en las que las tropas de Jackson desbaratan una ficticia ceremonia de declaración de independencia de Filipinas por parte de los japoneses.

En cualquier caso, mas alla de su contenido propagandístico, la película tiene algún que otro aspecto reseñable. El más evidente es el de contar en su elenco con dos gigantes de la pantalla como Wayne y Quinn, que sí bien no alcanzan en esta película sus mejores cotas interpretaivas, si que demuestran oficio en sus respectivos papeles. Otra de sus virtudes radica en la ambientación de los escenarios de la selva filipina, que está bastante lograda. Finalmente, hay que reconocer que el film, pese a la relativa escasez de escenas de acción, muestra en las secuencias de combate un alto grado de credibilidad, aunque eso sí, con las limitaciones típicas de la época (muertes no sagrientas), y con algún que otro efecto visual poco logrado.

Por lo demás “La Patrulla del Coronel Jackson” no aporta mucho más al género bélico, y además cae en algunos de los clichés típicos del cine de propaganda (sacrificio de los Filipinos por EEUU, el niño que sacrifica su vida por la causa…) que se ven realzados por el típico “Happy Ending” de este tipo de filmes. En resumen, estamos ante un título medianamente correcto y que se deja ver, pero del que no puede extraerse gran cosa.

Y con esta reseña, por cierto, concluyo este mini ciclo dedicado al gran John Wayne y al frente del Pacífico.

Calificación: 4,5/10

Arenas Sangrientas (Sands of Iwo Jima)

Arenas Sangrientas (1949)

La película nos narra la historia de un pelotón de marines norteamericanos mandados por el Sargento John Stryker (John Wayne), un hombre amargado que parece pagar su fracaso matrimonial con el alcohol y descargando su furia contra los hombres que tiene bajo su mando. Tras entrenar concienzudamente a su pelotón de marines, Stryker los liderará en los duros y sangrientos combates por la isla de Tarawa y más tarde, en la encarnizada batalla por Iwo Jima.

Pese a ser una película de tintes claramente propagandísticos, “Arenas sangrientas” supuso un espaldarazo en la carrera de John Wayne, pues la película obtuvo un gran éxito comercial, y gracias a ella, “The Duke” recibió la primera nominación al Oscar de su ya dilatada carrera, en 1949. Por cierto, ese fue un año marcado por las nominaciones a películas Bélicas ambientadas en la II GM, pues “Fuego en la Nieve” y “Almas en la hoguera” acapararon varias nominaciones para los premios de la Academia de Hollywood.

Aunque naturalmente tanto reconocimiento por parte de público y crítica parece (y seguramente es) excesivo dada la calidad cinematográfica del film, hay que reconocer que este tiene varios aspectos meritorios, sobre todo teniendo en cuenta la época en que se rodó. Principalmente la película está bien hecha en su primera parte, donde muestra el entrenamiento de los marines y sobre todo, el asalto a Tarawa. Esta pequeña isla, fue escenario de duros combates entre americanos y japoneses que son muy bien reflejados en la película. Las escenas del desembarco, cuando los marines quedan clavados en la playa debido al fuego procedente de los blocaos japoneses está muy lograda y resulta bastante realista para la época, si bien con la limitación de se muestran las muertes “dulces” o no sangrientas de los soldados que caen en combate. El otro gran acierto de la película es que, gracias al apoyo del ejército a la producción, contó con armamento real de la II GM, por lo que la recreación del material de los marines es perfecta, desde los tanques a las armas portátiles, todo el atrezzo militar es rigurosamente realista.

Pero por lo demás, la película cojea en varios aspectos. El guión es un tanto irregular, mezclando elementos de drama romántico un poco pasteloso, con los típicos enfrentamientos del “padrazo” Stryker con sus subordinados díscolos. A ello se le unen las escenas de acción épico-heroicas, con soldados que mueren exhalando frases pretendidamente emotivas… demasiados tópicos al uso. Y como no podía ser menos, también se recrea el mítico plano de la Bandera de EEUU plantandose en la cima del Monte Suribachi, el icono fotográfico por excelencia de la batalla de Iwo Jima y una de las imágenes mas conocidas de la II GM.

En cuanto a los actores, Wayne muestra oficio en el papel de “American Hero” duro pero sensible a la vez, valiente, pero imperfecto, en el que tan a gusto se sentía, en un personaje muy parecido al que interpretaria en varias películas. Aunque, eso sí, no considero que su interpretación fuera merecedora del Oscar (el cual, por cierto, no ganó). De los secundarios, no hubo ninguno que me llamara especialmente la atención.

En definitiva “Arenas Sangrientas” no es precisamente una joya del Séptimo Arte, y mas allá de su éxito coyuntural, se puede decir que no ha resistido demasiado bien el paso del tiempo, aunque sí hay que reconocerle que el filme debió resultar bastante realista cuando se estrenó. Recomendable como precedente de otros títulos más recientes como “Banderas de nuestros Padres”.

Califiación: 5,5/10

La Crítica de Reisman

Infierno en las Nubes (Flying Leathernecks)

Infierno en las Nubes (1951)

La acción comienza a principios de 1942. Una escuadradilla aérea de los marines, la VMF-247, recibe a su nuevo comandante el mayor Dan Kirby (John Wayne) quien ha sido nombrado en detrimento del segundo oficial de la misma, el Carl Griffin (Robert Ryan). El mayor Kirby es un partidario del apoyo aereo cercano a las tropas de tierra, por lo que la escuadrilla es enviada a combatir a Guadalcanal, donde americanos y japoneses se disputan el control de la isla en encarnizados combates por tierra, mar y aire. Pronto, las duras condiciones de combate en Guadalcanal harán que los caracteres de Kirby y Griffin choquen, ya que la muy estricta disciplina de Kirby no es entendida por su segundo, pese a lo cual, Kirby está decidido a hacer combatir a sus hombres hasta la extenuación.

A principios de los años 50, en plenos albores de la “Guerra Fria” muchos estudios de Hollywood decidieron volver la vista atrás, hacia al reciente conflicto mundial, para ensalzar los valores del ejército norteamericano a través de sus filmes bélicos (seguramente, la escalada bélica en Corea tuvo su parte de culpa en esto). En esta película el actor que más veces encarnó al heroe americano por excelencia, John Wayne, es el típico jefe de unidad aparentemente duro e impertubable ante la muerte de sus subordinados, pero en el fondo de gran corazon y que lamenta cada baja entre sus hombres como algo propio.

A partir de ahí, el argumento discurre por los senderos previsibles, con algunas escenas de combates aereos que vienen a recrear las incursiones aereas contra los japoneses en la batalla de Guadalcanal. Lamentablemente, se ve que el presupuesto destinado a los efectos visuales no daba para mucho, por lo que las escenas de combates aereos se reducen a un primer plano de la cabina y piloto, alternándose con multitud de escenas sacadas de documentales reales en color, que se intercalan con algún que otro fallo de continuidad de la acción. Al menos son de agradecer algunas tomas filmadas en las que se aprecian que los aviones usados son auténticos F4 Wildcats y F4U Corsairs (cosa que tampoco era excesivamente difícil, ya que este film se rodó apenas 5 años después del final de la guerra). También se entremeten algunas escenas familiares, afortunadamente breves, que la verdad, no aportan gran cosa.

En el apartado interpretativo, John Wayne está en su linea, con un papel bastante plano al que no le saca demasiado partido y el coprotagonista, Robert Ryan tampoco pasa de discreto. Pero en realidad, tampoco el guión profundiza demasiado en el carácter de los personajes (tenemos al típico mando “duro” frente al buenazo o “flexible” y punto) y en eso la historia resulta tan plana como en todo lo demás.

Desde luego no puede decirse que “Infierno en las nubes” sea una película especialmente memorable y si encima como colofón me ponen el típico plano de la bandera norteamericana izándose en el mástil de turno… me dejan más frio que un iglú. Pasable en el mejor de los casos.

Calificación: 4/10

36 Horas (36 Hours)

36 Horas (1965)

Pocas semanas antes del comienzo de la Operación Overlord, el Mayor Pike (James Garner), un oficial de inteligencia americana, es capturado por miembros del servicio secreto alemán en Portugal. Como la inteligencia alemana sabe que Pike es conocedor de los secretos del Dia D, deciden sacarle información internandolo en un apartado sanatorio de Baviera. Alli, bajo el cuidado del Dr. Gerber (Rod Taylor), un médico alemán de origen norteamericano, y de la dulce enfermera Hedler (Eva Maria Saint), le hacen creer a Pike cuando este despierta que han transcurrido cinco años desde que cayó en coma y que la guerra ha acabado, esperando que de este modo Pike les revele los detalles concretos del Plan de Overlord, especialmente el lugar donde se producirá el inminente desembarco aliado.

“36 Horas” es el típico ejemplo de película interesante relativamente desconocida, y ciertamente es una película mejor de lo que puede esperarse. La película adaptó para la gran pantalla un relato corto titulado Beware of the Dog ("Cuidado con el perro") del escritor Roald Dahl. La direccíón del film recayó sobre George Seaton, quien apenas tres años antes se había encargado de la realización de otro notable film de espionaje ambientado en la II GM, "Espía por mandato".

Entrando a analizar el film hay que decir que 36 horas es una más que interesante historia de espionaje, que mezcla los elementos típicos de dicho tipo cine con el thriller de intriga, lo cual sirve para que la narración mantenga el interés a lo largo de su metraje, gracias a un guión muy bien elaborado, en el cual, no obstante, se aprecian algunos aspectos poco pulidos que, de haberse cuidado más, habrían elevado considerablemente la calidad del film. En cualquier caso, estamos ante un relato que por momentos recuerda al mejor cine de Hitchkock, quien, sin lugar a dudas, habría sabido sacar un excelente provecho de la historia que sirve de punto de partida de la narración. Partiendo de dicha interesante premisa argumental, el desarrollo posterior de la historia logra hacerla creible e interesante a la vez. La trama está llevada con un apreciable vigor y pulso narrativo, mediante un ritmo que va in crescendo de intensidad hasta la resolución final de la misma, que me pareció bastante buena (y que no desvelaré por motivos obvios).

En cuanto a los actores, hay que señalar que tanto James Garner como Eva Marie Saint, y especialmente Rod Taylor, cumplen muy bien en sus respectivos papeles. En definitiva, “36 horas” es un film intenso y de buena factura que deparará una grata sorpresa a quien no haya tenido oportunidad de verla con anterioridad. Una pequeña joya desconocida.

Calificación: 6,5/10

Ike: Desembarco en Normandia (Ike: Countdown to D-Day)

Ike: Desembarco en Normandia (2004)

La acción comienza varios meses antes del comienzo de la Operación OVERLORD cuando el general norteamericano Dwight Eisenhower (apodado abreviadamente “Ike”) es designado por Churchill para desempeñar el mando supremo de las fuerzas terrestres aliadas de cara a la futura invasión del continente Europeo. A partir de su nombramiento, Ike habrá de sortear con grandes dosis de energía y diplomacia los problemas militares y políticos que irán surgiendo en las semanas previas al crucial Dia D, el desembarco en Normandia.

Este telefilme, de producción estadounidense supone una nueva aproximación al tema del desembarco en Normandia, esta a vez a través de los ojos de uno de sus protagonistas, el hombre que dirigió los preparativos de OVERLORD, el general Eisenhower. La película reconstruye con cierta minuciosidad los hechos principales que precedieron al desembarco, mostrando la problemática a la que tuvo que enfrentarse Ike, abarcando factores como las condiciones meteorológicas, la escasez de lanchas de desembarco, las complicadas relaciones estratégicas y políticas con el primer ministro británico, Winston Churchill, y las tensiones provocadas por el excesivo ego del Mariscal Montgomery.

El film compensa su evidente limitación de medios con una producción aseada y correcta, abordando el tema de la preparación de OVERLORD con bastante rigor histórico, en un tono casi documental, desde la perspectiva de los principales dirigentes políticos y militares que dirigieron la campaña. Lo que me gustó de la película fue naturalmente ese rigor a la hora de mostrar los entresijos de una de las campañas mas cruciales de la historia, y como describe las tensiones derivadas de la responsabilidad del mando supremo que debió sufrir el hombre sobre cuyos hombros recayó dicha responsabilidad, a la que se añadían los problemas causados por los celos profesionales de Monty.

Lo que no me terminó de convencer es que a mi modo de ver los personajes son retratados cayendo en el exceso sicológico, que a veces parece caricaturesco. La arrogancia de Montgomery (verdadera) aparece retratada hasta la saciedad; a Patton lo muestran como un botarate pretencioso; De Gaulle es un chauvinista cerrado de mente y Ike, (eso sí) es todo un compendio de magnaminidad, tacto y humanidad. Quizás dotar al retrato sicológico de estos personajes de algún que otro matiz adicional habría dado mas profundidad a la historia.

En el apartado de las interpretaciones, los actores estan correctos en general. Tom Selleck en el papel de Ike no desentona, aunque para mi el mejor caracterizado es el actor que interpreta a Montgomery.

Una escena que me gustó especialmente es la de Ike contemplando pensativo un cuadro de Napoleón en Rusia, comentandole luego a su ayudante “No pienso en Napoleón, pienso en los soldados”, escena que a mi modo de ver refleja bastante bien la presión que debe soportar quien envía a miles de hombres a enfrentarse a la muerte. Lo que menos me gustó es que aborda la historia desde un punto de vista claramente favorable a los estadounidenses, intercalando en algunas escenas los típicos diálogos en los que se habla de la misión de EEUU como baluarte de la libertad del mundo y la democracia.

En resumen, una película entretenida, aunque no aportará gran cosa a los que conozcan la historia de OVERLORD.

Calificación: 5,5/10