Objetivo: Birmania (Objective, Burma!)

Objetivo Birmania (1945)

La acción nos traslada a 1944. Partiendo desde la frontera Indo-Birmana los aliados se preparan para reconquistar el territorio pérdido ante los japoneses en 1941. Como operación previa a la invasión, un grupo paracaidista bajo el mando del enérgico Mayor Nelson, es lanzado en paracaídas sobre la jungla birmana, con la misión de destruir una importante estación de radar japonesa. Pese al éxito de la misión, la operación de rescate de la fuerza paracaidista se ve frustrada, por lo que Nelson deberá dirigir a sus hombres en una peligrosa expedición a través de la jungla y los pantanos para escapar de los japoneses.

Como llego al comentario nº 100 del blog, me parece oportuno dedicárselo a este auténtico clásico del cine bélico. Dentro del cine propagandístico producido por Hollywood mientras la guerra aun no había concluido, “Objetivo Birmania” es junto con “Sahara” la mejor película del cine bélico que se produjo durante la contienda.

Dejando de lado la inevitable demonización del enemigo (japonés en este caso) la película tiene varios méritos que la hacen merecedora del calificativo de clásico. En primer lugar, ofrece una visión de la guerra tremendamente realista, sin omitir el sufrimiento de los soldados, las privaciones que pasan y sobre todo el miedo a la muerte. Los soldados son héroes, sí, pero heroes humanos que luchan por sobrevivir a la guerra. Y luego tenemos a un Errol Flynn enorme en su papel de Capitán Nelson, dando perfectamente el tipo de duro oficial y hombre de acción, en un papel que se le ajusta como un guante. El arranque de la película es especialmente bueno, (y ha sido imitado infinidad de veces en películas posteriores). En el se nos presentan los personajes, y se muestra al espectador los objetivos de la misión, a través de los mapas que aparecen en la reunión preparatoria de la operación. Aunque ciertamente puede encontrarse algún que otro bajón de ritmo a mediados del metraje, lo cierto es que la película mantiene el interés del espectador gracias a una bien dosificada acción.

Finalmente me gustaría destacar una escena del final, cuando Nelson es felicitado por su coronel por el buen trabajo realizado, y Nelson responde, mientras le entrega las placas de identificación de los soldados caidos “El precio ha sido barato, solo un puñado de americanos”. Una escena sorprendente sí tenemos en cuenta la época. Por todo ello, considero que “Objetivo: Birmania” es una película altamente recomendable para todo buen aficionado al cine en general.

Calificación 7,5/10

En la linea de ataque (A Midnight Clear)

En la linea de ataque (1992).

Diciembre de 1944. Un pelotón de reconocimiento integrado por jóvenes reclutas norteamericanos, inteligentes pero inexpertos, es enviado al bosque de Las Ardenas con la misión de observar las posiciones alemanas e informar por radio de cualquier movimiento enemigo. Pronto descubren que están siendo observados a su vez por un grupo de alemanes, quienes, en vez de atacarlos, se ofrecen a rendirse simulando combatir para salvar las apariencias. Sin embargo, las intenciones amistosas de ambos grupos de hombres se verán malogradas por un trágico incidente y por el inicio de la ofensiva alemana, que deja aislado al grupo de exploración tras las lineas alemanas.

La Batalla de las Ardenas parece campo abonado para que los cineastas independientes de EEUU rueden películas de bajo presupuesto con mensaje antibelicista. Sí en “Saints and Soldiers” asistíamos a una discreta revisión de la batalla, “En la linea de ataque” no pasa de ser una floja recreación de la famosa “Tregua de Navidad” de 1914 (sobre la que existe una película titulada “Feliz Navidad”) cuando las tropas de ambos bandos confraternizaron por las fiestas navideñas y acordaron un alto el fuego espontáneo en muchos puntos del frente. Cambiando las trincheras por los nevados pasajes de las Ardenas y 1914 por 1944, esta película no va mucho más allá del típico mensaje antibélico y sobre los horrores de la guerra. De hecho, hay una escena en la que los soldados de uno y otro bando cantan villancicos mientras decoran un arbol de navidad, que recuerda mucho a los hechos de 1914.

A pesar de contar con un grupo de actores jóvenes (algunos de los cuales han despuntado posteriormente, como Gary Sinise y Ethan Hawke), sus papeles quedan deslucidos por un guión bastante plano, un ritmo narrativo bastante lento, y una casi total ausencia de acción. Como suele ocurrir en este tipo de films, lo que más se puede salvar es una ambientación decente y algún momento aislado de la trama. Pero para hacernos una idea, la calidad de esta película puede equipararse a la de la mencionada “Saints and Soldiers” aunque con menos acción que esta. Solo recomendable para los muy incondicionales del género bélico.

Calificación: 4/10

Sahara

Sahara (1943)

Junio de 1942. La tripulación del sargento Joe Gunn y su tanque M3 Grant, llamado “Lulu Belle” son los únicos supervivientes de un pequeño destacamento blindado norteamericano enviado al desierto a combatir en ayuda de los británicos, el cual resulta destruido por una ofensiva alemana. Tras quedar aislados, el sargento Gunn y su tropa se retiran a través del desierto para volver a establecer contacto con las lineas aliadas. Por el camino se encuentran a varios soldados aliados que han quedado regazados en un hospital de campaña y a Tambul, un soldado sudanés que trae consigo un prisionero italiano. Poco después son atacados por un avión alemán, al que consiguen derribar capturando igualmente al piloto. Ante la escasez de agua de que dispone el grupo, Tambul conducirá al grupo a las ruinas de una antigua fortaleza donde se encuentra el unico pozo de agua de la zona. Mientras tanto, un batallon mecanizado del Afrika Korps que se dirige a Egipto también planea abastecerse del mismo pozo, lo que convertirá la antigua fortaleza en el centro de una dura lucha por el control del agua.

Si tenemos en cuenta el año de producción (1943), está claro que “Sahara” se enmarca dentro de las películas propagandísticas producidas por Hollywood como apoyo al esfuerzo bélico aliado. Pese a ello, y a las evidentes intenciones del film, que nos presenta a un conglomerado internacional de soldados luchando unidos por la causa antinazi, la película tiene varios méritos que la elevan por encima de la categoría del típico film de propaganda. Entre ellos cabe destacar un ritmo trepidante, con una acción perfectamente dosificada, y una línea argumental sencilla pero desarrollada de manera muy efectiva y que sabe captar el interés del espectador.

Por otra parte, la ambientación del desierto, con una excelente fotografía en B/N, transmite a la perfección la sensación de calor, sed y suciedad que viven los personajes. Los actores están bastante bien en sus papeles, en especial un enorme Humphrey Bogart, que logra uno de sus más convincentes papeles en una de sus escasas incursiones en el género bélico.

En resumen, prescindiendo de los peajes propagandísticos, y las típicas muertes “no sangrientas” de la época, lo cierto es que “Sahara” es un notable film bélico, de buena factura y, sobre todo, tremendamente entretenido. Como curiosidad, apuntar que en 1995 se hizo un “remake” de esta película para TV, con James Belushi en el papel de Bogart, pero este no aporta nada nuevo a la versión original, se limita a copiar esta casi plano por plano.

Siete hombres al Amanecer (Operation Daybreak)

Siete hombres al amanecer (1975)

 Año 1942. El servicio secreto británico planea eliminar al despiadado jefe del SD y gobernador de Bohemia y Moravia (Checoslovaquia), Reinhard Heydrich, apodado “el carnicero de Praga” Con esta finalidad, los soldados checos enrolados en el servicio secreto británico Jan Kubis, Karel Curda, y Jozef Gabcík, son lanzados en paracaídas para preparar el atentado contra el lider nazi, una acción denominada en clave “Operación Amanecer”.

Siete hombres al amanecer supuso la adaptación al cine de los hechos que rodearon al asesinato del cruel Reichsprotektor de Bohemia-Moravia, Reinhard Heydrich, mediante una operación orquestada por los servicios secretos británicos, y que recibió el nombre en clave de “Operación Antropoide”. La historia del asesinato de Heydrich fue relatada en una novela del escritor Alan Burgess titulada “Operación Amanecer”, la cual sirvió de base para elaborar el guión del film, cuyo rodaje se financió con capital estadounidense y checoslovaco. La filmación de los exteriores tuvo lugar en los escenarios reales de Praga donde ocurrieron los acontecimientos, de modo que la ambientación de la historia está bastante lograda y es uno de los aspectos más destacables del film.

Por otra parte, la película nos describe meticulosamente la acción del comando que eliminó al brutal Heydrich, atacando el coche en que este viajaba mientras se dirigía a la sede del gobierno en Praga. En ese sentido, la película muestra con bastante detenimiento la gestación del atentado, su ejecución y la posterior suerte del comando, así como las brutales represalias alemanas contra la aldea de Lidice, que fue literalmente arrasada por unidades de la SS en represalia por el atentado.

El rigor histórico de la película es casi absoluto, aunque, como suele ocurrir con este tipo de producciones, se toma algunas libertades a la hora de relatar la muerte de los miembros del comando acorralados en la cripta de la iglesia de San Cirilo. Por otra parte, quizás el ritmo de la narración queda algo mermado y diluido dentro de la corrección académica formal que reviste el film (por cierto, un defecto muy propio del cine bélico europeo en general). Pese a ello, hay que reconocer que las partes de acción del film, en especial la secuencia que reconstruye el atentado, están resueltas de forma bastante competente, pero a la narración le falta chispa y capacidad de sorprender al espectador. Esa falta de dramatismo y de intensidad es el mayor lastre del film.

En cualquier caso, también cabe destacar la buena ambientación en cuanto a uniformes, vehículos y de los escenarios exteriores; así como la convincente caracterización del actor que interpreta a Heydrich. En resumen, “Siete hombres al amanecer” es una película bélica correcta y de buena factura, aunque algo insípida en su desarrollo en determinados momentos.

Calificación: 6/10

Critica de Reisman

La Piel (La Pelle)

La Piel (1981)

La acción nos sitúa en Italia a comienzos de 1944. Los aliados se encuentran en el sur de la peninsula para proseguir su avance hacia el norte. El Capitán Malaparte (Marcelo Mastroiani), oficial italiano de enlace con los aliados, es destinado al Cuartel General del V ejército américano en Nápoles para colaborar directamente con el general Mark Clark. Este le encarga a Malaparte que haga de guia de la esposa de un senador americano, una mujer oficial de las fuerzas aereas, que se ha desplazado a Italia en misión humanitaria con fines propagandístiscos. Ambos personajes bucearan en las miserias de la guerra, viviendo situaciones en las que comprueban hasta donde puede llegar la brutalidad humana.

Si “Mediterraneo” era una visión extremadamente amable e idealizada de la guerra, “La Piel” se encuentra en el extremo opuesto. La directora italiana Liliana Cavani (“El portero de noche”) basándose en el relato autobiográfico del escritor y periodista italiano Curzio Malaparte, ofreció un retrato absolutamente desgarrador de la liberación de Italia durante la II GM. Las escenas de brutal realismo abundan: vemos mujeres que ofrecen a sus hijos pequeños a los soldados africanos, un brazo humano en un plato de comida, un hombre aplastado por un tanque… escenas absolutamente descarnadas pero que encajan bien en el marco de la historia. No obstante, el tono tremendista de la narración se ve afortunadamente aligerado por algunas notas de humor (el robo pieza a pieza de un tanque, o cuando el jefe mafioso negocia la venta a los aliados de prisioneros alemanes “al peso”) que dotan a la historia de una mayor profundidad.

Los actores principales están muy bien: Burt Lancaster en el papel del tosco y superficial general Clark, Claudia Cardinale como princesa Caracciolo, y sobre todo, Marcello Mastroiani como el culto playboy Malaparte, un papel que borda a la perfección. Quizás el mayor pero de esta película sea su tendencia a dejarse llevar por el efectismo y el morbo fácil en varias de sus escenas. Pero no puede negarse que “La Piel” ofrece un relato lleno de amargo realismo acerca de los desastres de la guerra. Una película no carente de interés y perturbadora, aunque con un punto de excesivo efectismo.

Calificación: 6/10

Mediterraneo

Mediterraneo (1991)

Junio de 1941. Un variopinto grupo de 8 soldados italianos es desembarcado en una pequeña y remota isla griega del Egeo para actuar como observadores navales. Sin embargo, pronto pierden la comunicación con el mando al quedar destrozada su radio de forma accidental. Este hecho, y el descubrimiento de la hospitalidad de la amigable población local hará que los soldados se olviden de sus deberes militares y se entreguen plenamente al disfrute de la dolce vita que les ofrece la isla, aislados de la tragedia que se desarrolla en el mundo.

El hecho de que esta comedia ganara el Oscar a la mejor película extranjera de 1991 da una idea de la baja calidad de las películas que compitieron ese año por el preciado galardón. Para mi gusto, “Mediterráneo” no pasa de ser una comedia discreta con algún que otro toque sensiblero. Supongo que el hecho de que muestre como un grupo de soldados se olvida de la guerra y se ponen a filosofar sobre la vida se ganó la buena voluntad de una parte importante del público y crítica, así como la belleza visual de una brillante fotografia de exteriores, aspecto que es, sin duda el más destacado de la película.

Pero por lo demás, “Mediterraneo” se queda en una película a medias. Trivializa demasiado la guerra para ser tomada en serio en su parte dramática, y como comedia, si bien algunas situaciones que viven los personajes pueden resultar simpáticas, tampoco termina de cuajar. Un retrato demasiado amable de la tragedia bélica, y un poco tendente a caer en la nostalgia sensiblera (especialmente en su deselance), quedándose a medio camino en casi todos los aspectos. El guión me pareció aun peor que el de la mediocre “La Mandolina del Capitán Corelli” que tiene un argumento similar, aunque tratado de forma más realista.

Para mi, resulta inexplicable el Oscar que recibió esta pelicula (supongo que las demás competidoras serían peores) y, sobre todo, exagerado si tenemos en cuenta los méritos de este film.

Calificación: 5/10

Eric, Oficial de la Reina (Soldaat Van Oranje)

Eric Oficial de la Reina (1977)

El comienzo de la historia nos sitúa en el año 1938, cuando en una fiesta universitaria plagada de novatadas a los alumnos de primer año empieza a forjarse una muy buena amistad entre 6 jóvenes universitarios holandeses. Al año siguiente, durante una fiesta de celebración por la graduación de uno de los amigos, estos posan juntos para una foto de grupo, poco antes de que la vida de todos ellos se vea truncada por el estallido de la II GM y la posterior invasión alemana de Holanda. A través de la historia de dos de los amigos, Eric Lanshoff y Guus Lejeune, quienes se unen rápidamente a la Resistencia para combatir la ocupación alemana, la película va desgranando las visicitudes de la ocupación y el destino de cada uno de los integrantes del grupo que se hizo la foto.

Basandose en el relato autobiográfico de Erik Hazelhoff Roelfzema, uno de los creadores de la Resistencia holandesa, el por aquél entonces joven y prometedor director holandés Paul Verhoeven rodó este destacado título dentro de la etapa holandesa de su filmografía. Lo primero que llama la atención de este film es la honestidad y sinceridad del relato, alejado de todo heroismo; así como el veraz retrato que hace de la sociedad holandesa de la época. Como en todos los paises ocupados, en Holanda hubo diferentes actitudes de sus ciudadanos ante la ocupación nazi: resistentes (Eric y Guus), traidores, colaboradores (uno de los amigos, de madre alemana, se alista en la SS) e indiferentes. La película nos muestra la realidad tal cual, sin idealizar a la resistencia ni demonizar especialmente a los alemanes. Solo por el grado de veracidad y profundidad que alcanza la historia, muy alejada de los tópicos al uso, la película ya merece un aplauso. Pero es que además el film logra entretener generosamente al espectador, presentando los hechos de una forma sugerente e interesante, con unos toques añadidos de cine negro y “thriller” de espionaje que dotan a la película un buen grado de amenidad. Todo ello regado con algunas notas de humor (ojo a la escena de Eric tratando de "tapar" las prácticas amatorias de sus lascivos amigos mientras charla con la Reina en el jardín) y un final redondo, que hacen que el conjunto del film resulte de una notable factura.

A destacar también, la esmeradísima ambientación de la Holanda de la época (1938-1945) así como una excelente fotografia y unas muy buenas interpretaciones, destacando especialmente el sobrio actor Rutger Hauer (posteriormente célebre gracias a su memorable papel de "Replicante" en la mítica "Blade Runner"), en el papel protagonista de Eric. Curiosamente, el director, Paul Verhoeven ha vuelto a abordar muy recientemente el tema de la ocupación de holanda y la resistencia antinazi en su última película “El Libro Negro”, cuya temática es bastante similar a esta obra de sus comienzos cinematográficos. Personalmente, tuve ocasión de ver la película mas reciente primero, pero (aunque se nota que “El libro Negro” contó con medios superiores) al visionar “Eric, oficial de la Reina”, me quedo con esta última, por su muy elaborado y convincente guión, su humanidad y su amenidad. Una película, si no imprescindible, muy digna de verse.

Calificación: 7,5/10

Ver la Crítica de Reisman sobre esta película.

Napola

Napola (2004)

La historia nos sitúa en Alemania, en los meses inmediatamente anteriores al estallido de la II GM. El joven Friedrich, boxeador aficionado de talento, recibe el ofrecimiento de ingresar en una Napola, (escuela nacional socialista) donde los jóvenes reciben una formación basada en los valores del nacional socialismo. Pese a la oposición de su padre, Friedrich decide aceptar la oferta e ingresa en el centro. Allí despuntará gracias a sus cualidades para el boxeo, y entablará una profunda amistad con Albrecht, un jovén sensible aficionado a la poesía, hijo de un alto cargo del partido nazi, quien no simpatiza con la ideología de su padre. Mientras la guerra avanza, Albrecht, que se siente pérdido en la Napola, irá poniendo de manifiesto su repulsa ante el nazismo, lo cual le acarreará graves consecuencias.

“Napola” es una muestra más del reciente cine alemán, que comienza atreverse a volver la vista atrás y hurgar en las entrañas del régimen nazi. Naturalmente, la visión de la época es necesariamente crítica, y en ese sentido “Nápola” muestra sus cartas desde el principio. El nazismo pretendía crear una sociedad de seres robotizados, deshumanizados y faltos de sentimientos, basada primordialmente en la fuerza física. En ese aspecto, la película es bastante convincente a la hora de describir el trasfondo ideológico del nazismo, mostrando el tipo de educación que se daba a la juventud alemana.

Sin embargo, pese al evidente valor documental de lo que se nos cuenta, el principal defecto de la película estriba en su previsibilidad. Como suele ocurrirme al ver producciones alemanas, me queda la sensación de que todo es muy correcto y académico, pero que a la historia le falta “gancho” para llegar al espectador. El desarrollo del argumento y los personajes resultan demasiado lineales y carentes de matices que les doten de una mayor profundidad, lo que hace que el conjunto resulte algo frio.

En cualquier caso, hay que reconocer que la película es de buena factura, que cuenta con buenas interpretaciones, especialmente del dúo protagonista, y que el tema que trata es de interés. Por ello, si bien “Napola” no llega a la categoría de gran película sí que resulta un film entretenido y que vale la pena ver.

El Alamein: La Linea de Fuoco

El Alamein la Linea de Fuoco (2002)

Norte de Africa, 1942. El soldado Serra, estudiante universitario alistado voluntario para combatir en África es destinado a la división Pavía, una de las formaciones italianas que guarnece la linea de El Alamein. Una vez enfrentado a la realidad de la guerra, y guiado por las vivencias de sus camaradas, Serra ira viendo como su idealismo y espíritu patriotico se va viendo trastocado por la realidad de la dura supervivencia, las largas jornadas de tedio y el escaso suministro de agua y otras provisiones.

Esta producción es una de las más recientes visiones del cine italiano acerca de la II GM. Como no podía ser de otro modo, el film aborda la batalla del Alamein desde el punto de vista del drama personal de los soldados implicados, y con un claro alegato antimilitarista (en una de las escenas el personaje de Serra dice “La guerra solo es bella en los libros del colegio”). Apenas hay escenas de acción y prácticamente ninguna de combates, solo una escaramuza con un francotirador y algún bombardeo de artilleria. En vez de eso, la película se centra en describir las privaciones y abnegación de los soldados italianos, amargados sobre todo por la escasez de agua potable.

A la hora de abordar el relato, la película adopta un pretendido tono intimista que intenta involucrar al espectador con las vivencias de los soldados. Y digo “intenta” porque en mi opinión en eso la película es demasiado pretenciosa, pues para llegar a despertar la emotividad, el guionista debió haber recurrido a recursos menos vistos que los de mostrar cierta crudeza (aunque, todo hay que decirlo, no mucha) al describir la muerte en el frente y las privaciones de los soldados. A estas alturas, se necesita algo más para llegar a la fibra sensible de los espectadores, sobresaturados de imágenes cruentas. En ese sentido este film resulta claramente fallido. Y si como drama la película no convence, ni que decir tiene que la parte bélica resulta prácticamente insustancial, pues apenas se muestra nada del desarrollo de la batalla de El Alamein más allá de la retirada germano-italiana tras la exitosa ofensiva británica.

En resumen, “La linea de Fuoco” presenta un perfil de producto mal concebido y mal planteado. Puede decirse que este film presenta un único aliciente, como es el de mostrar la visión italiana del conflicto mundial. Por lo demás, resulta un título claramente prescindible que no aporta nada nuevo al género.

Calificación: 3/10

Fuego en la nieve (Battleground)

Fuego en la nieve (1949)

La acción nos sitúa en Diciembre de 1944. Desde la comodidad de un campamento de retaguardia, los miembros de una compañía de la 101ª división aerotransportada se disponen a disfrutar de sus permisos navideños en París. Sin embargo, sus expectativas se ven frustradas cuando la división es enviada urgentemente hacia Bastogne, con la misión de taponar una brecha abierta por una fuerte contraofensiva alemana en Las Ardenas. Ya en Bastogne, los miembros de la compañía se verán envueltos en duros combates por su supervivencia cuando la ciudad queda rodeada por tropas alemanas.

Desde el principio mismo de “Fuego en la nieve” cuando los títulos de crédito introductorios nos informan, sin ambages, de que la película “Está dedicada a los bastardos apaleados de Bastogne”. Con ello, podemos apreciar que se trata de una película con grandes dosis de realismo y con pocas concesiones a la épica. En ese sentido, este film es una “rara avis” sobre todo teniendo en cuenta la fecha de su estreno (1949) cuando las películas bélicas de Hollywood aun destilaban patrioterismo y heroísmo por los cuatro costados. No es ese el caso de esta película, en la que desde un principio se nos ofrece la realidad de la guerra en toda su crudeza. Los soldados están mal alimentados, tienen un aspecto desaliñado, pasan hambre y muchos de ellos no desean combatir y solo piensan en volver a su hogar.

Los combates, igualmente, son tratados de forma muy veraz. Los enfrentamientos directos son escasos, y la mayor parte del tiempo los soldados tienen que cavar trincheras, desplazarse a otra posición y evitar el fuego de artilleria. En la película solo se muestra un enfrentamiento relativamente numeroso, cuando el pelotón de los protagonistas se salva de ser aniquilado gracias a un ataque de medio pánico de su sargento, que acaba conduciendo a una maniobra de flanqueo eliminando o capturando a varios soldados alemanes.

Ese aspecto de genuina veracidad de las situaciones que se retratan, dota a muchas de las secuencias de esta película de un tono casi documental, es lo más loable del film. A la hora de destacar una escena, me quedaría con la del párroco militar dando un sencillo pero emotivo sermón a los soldados acerca de "por qué combatimos", mediante un discurso sencillo, pero tremendamente emotivo a la vez. En cuanto a los puntos flojos, se puede mencionar que los personajes principales resultan un tanto esquemáticos en su caracterización sicológica; que el uso de imágenes de relleno de escenas reales no es del todo convincente (en una de ellas vemos a los aviones aliados pintados con las “bandas de invasión” propias del Dia D); y que en varios tramos la historia se hace un poco lenta. En cualquier caso, como digo, un film muy digno de verse por su cuidada recreación de las duras condiciones de la Batalla de Bastogne en particular y de la guerra en general.

Para ver otra reseña podeis consultar la Crítica de Reisman sobre la película.

Windtalkers

Windtalkers (2002)

Tras ver como su unidad resulta totalmente masacrada en combate, y ser el único superviviente de la misma, el sargento de Marines Joe Enders (Nicolas Cage) se convierte en el típico veterano aquejado de “síndrome de estrés postraumático”. Dos años mas tarde, en 1944, Enders recibe una misión peculiar: debe proteger al soldado Yahzee, uno de los indios navajos que la marina ha adiestrado para emplearlo como operador de radio, cifrando los mensajes en su idioma natal. Dado el carácter secreto del nuevo código, Enders recibe el encargo de evitar a toda costa que Yahzee caiga en manos del enemigo si resulta capturado, con órdenes de eliminarlo antes que pueda ser hecho prisionero. Enders y Yahzee se verán puestos a prueba poco después, cuando los marines desembarcan en Saipán para conquistar la isla.

Windltalkers supuso el sexto largometraje realizado en EEUU por el director chino John Woo, quien tras conseguir fama internacional rodando en Hong Kong películas de acción, dio a finales de la década de los 90 el salto a Hollywood, donde se encargó de dirigir una serie de películas comerciales como “Cara a cara” o “Mision Imposible II”. Este director se distingue por su gusto por las películas con abundantes escenas de acción, y por sus coreografías violentas, de ahí que no resultara extraño que decidiera hacer una incursión en el cine bélico, un género que en principio se adaptaba bastante bien a las preferencias del director.

En este caso, Windtalkers, partiendo de una premisa argumental ciertamente original, pronto se pierde en una serie de clichés y lugares comunes del cine bélico que la hacen patinar a los pocos minutos de haber comenzado su visionado. Todo en esta historia resulta demasiado trillado: desde los personajes (vemos al típico soldado “quemado”, frente al idealista de buen corazón), pasando por los manidos diálogos, hasta las situaciones que se plantean; lo que en conjunto deja una importante sensación de deja vú, de ya visto con anterioridad.

En cuanto a las secuencias de acción, que en teoría son el punto fuerte de Woo, hay que decir que si bien las escenas de combates no están mal en cuanto a la recreación y atrezzo, dichas escenas resultan muchas veces inverosímiles (vemos a Enders entablar combates en los que acaba él solo con decenas de japoneses, al mejor estilo “Rambo”) y el gusto del director por la explosiones en plan “fuegos artificiales”, convierten las escenas de combates en una reiteración bastante pasada de rosca de detonaciones y disparos, muy lejos del hiperrealismo y sobriedad de los combates de “Salvar al Soldado Ryan”. En la trama, por supuesto, no faltan los elementos étnicos con varias alusiones a la cultura india, algo necesario para redondear la corrección política del cine actual con las minorias raciales.

En el apartado de las interpretaciones, decir que Cage (que a mi me parece un actor por lo general, bastante inexpresivo) está más o menos correcto en su papel, aunque para mi gusto no acaba de dotar al personaje de la profundidad sicológica necesaria en este tipo de papeles. Mucho mejor está el actor que interpreta al soldado Yahzee (Adam Beach) con una interpretación sobria y bastante creible que supera a la de su compañero de reparto.

En definitiva Windtalkers se queda en un film bastante tópico, superficial en sus planteamientos, y que deja en el espectador una acentuada sensación de Deja Vú, de ya visto con anterioridad en decenas de títulos anteriores. Solo recomendable para los más fanáticos del cine de acción.

Calificación: 3,5/10

El cine que viene: Valkyrie

Valkyrie

Los aficionados al cine de la II GM estamos de enhorabuena. "Valkyrie", el nuevo proyecto de Tom Cruise que ya está rodando en Alemania, va a llevar a la gran pantalla la historia del famoso atentado del 20 de Julio de 1944 contra Hitler, en la “Guarida del Lobo” a manos del aristocrático coronel Klaus Von Stauffemberg. La presencia de Cruise, que se ha reservado el papel del mismo Stauffemberg (pese a que el parecido no me acaba de resultar demasiado convincente), no solo como actor sino también como productor, augura que el filme contara con una gran riqueza de medios y una espectacular puesta en escena, aunque esperemos que el resultado final sea algo superior a la saga M:I en lo que a calidad cinematográfica se refiere.

El director será Bryan Singer (“Sospechosos habituales”, “X-men I y II”),y el reparto contará con Kenneth Branagh (no me acaba de convencer), y la holandesa Carice van Houten, una actriz que me encandiló con su sentida actuación en otra película sobre la II GM “El Libro Negro”.

Hasta ahora, que yo sepa, el tema del complot contra Hitler solo se había tratado en una reciente producción alemana para TV "Sttaufemberg" (Operación Valkyria), por lo que es de agradecer que vaya a hacer una gran producción sobre este episodio de la II GM. Aunque el gobierno alemán se negó en principio a apoyar el proyecto de Cruise por su vinculación a la cienciología, parece ser que finalmente va a colaborar el rodaje y hasta contribuirá con cerca de 5 millones de Euros de subvención para esta producción. No hay que olvidar que Stauffemberg es todo un símbolo de la resistencia antinazi dentro de la sociedad alemana así que no es de extrañar que el gobierno haya querido prestar su colaboración al filme.

La fecha del estreno prevista es el 8 de agosto del 2008. Aun falta un año, pero ya estoy deseando ir al cine a verla aun con mis prudentes y convenientes reservas dada la intervención de Cruise, buena desde el lado lúdico, pero dudosa desde el punto de vista cinéfilo.

Arriba, Una imagen de Cruise caracterizado para la película, para ir abriendo boca.

El Coronel Von Ryan (Von Ryan´s Express)

El Coronel Von Ryan (1965)

El protagonista de esta película es un oficial norteamericano, el coronel de aviación Joseph Ryan, (interpretado por Frank Sinatra) quien tras ser derribado su avión es destinado a un campo de prisioneros aliados en Italia, donde los soldados viven en condiciones de hacinamiento e insalubres y a la merced del corrupto comandante italiano que gobierna el campo. Como el coronel Ryan desea ante todo mejorar las condiciones de vida del campo y se opone a los planes de fuga mediante un tunel que están realizando los prisioneros bajo el mando del oficial británico de mayor rango del campo, pronto recibe el irónico mote de Von Ryan. Pocas semanas después se produce la rendición italiana y los prisioneros aprovechan la confusión para huir del campo, si bien vuelven a ser capturados, cayendo en manos alemanas. Entonces, durante el traslado en tren de los prisioneros Ryan comienza a planear un arriesgado plan de fuga que consiste en secuestrar el tren y escapar en el hacia la frontera suiza, suplantando a los captores alemanes.

A la hora de comentar "El Coronel Von Ryan" lo primero que llama la atención es la evidencia de que esta película resulta notablemente deudora de la exitosa “La Gran Evasión” (estrenada solo dos años antes), respecto a la cual se aprecian notables paralelismos. Aunque, a diferencia de aquella, este film presenta un mayor realismo a la hora de reflejar las deficientes condiciones de reclusión en el campo de prisioneros (nada que ver con el “semiparaiso” del Stalag de LGE) y tratar el tema de la rivalidad anglo-norteamericana, algo poco apuntado hasta entonces en el cine bélico. La historia de la fuga resulta bastante espectacular pero poco creible, y naturalmente tiene un final bastante acorde con el tono “peliculero” de la escapada del tren de prisioneros.

Por lo demás esta película no ofrece aspectos demasiado memorables. La interpretación estelar de Sinatra como el Coronel Ryan no pasa de discreta, y en vista de papeles como este no es de extrañar que el cantante pasara buena parte de la década de los 60 tratando de relanzar su decaida carrera cinematográfica.

En resumen, “El Coronel Von Ryan” resulta un titulo medianamente entretenido pero pertenece a la categoría de películas fácilmente olvidables.

Calificación: 4/10

De Aquí a la Eternidad (From Here to Eternity)

De Aquí a la Eternidad

La acción nos sitúa en una base del ejército americano en Hawaii en los meses previos al ataque contra Pearl Harbor. El soldado Prewitt es trasladado del cuerpo de cornetas a infantería por negarse a boxear tras dejar ciego a un contrincante. Sin embargo su nuevo oficial, el Capitán Holmes, sabe que es un buen boxeador y quiere obligarlo a combatir. Pese a ello, Prewitt se niega, por lo que comienza a recibir el “tratamiento”, es decir, una serie de medidas de presión para amedrentarlo. Simultáneamente, el suboficial a cargo de la compañía, el sargento Milt Warden (Burt Lancaster) comienza un romance con Karen Holmes, la atormentada esposa del capitán Holmes (Deborah Kerr), que vive muy infeliz debido a la inmoralidad de su esposo; mientras Prewitt se enamora perdidamente de una prostituta, Alma. Las historias de estos cuatro personajes se entrelazaran justo en el crítico momento en el que los japoneses lanzan su ataque sorpresa contra Hawai.

A la hora de alabar la calidad cinematográfica de “De aquí a la eternidad” hay que comenzar diciendo que gran parte del mérito es del texto original de la novela del mismo título que la inspira, una de las mejores novelas ambientadas en el ejército que se haya escrito. El libro, del escritor norteamericano James Jones (quien se inspiró en su experiencia personal como soldado para escribir la novela, y autor de la también llevada al cine "La Delgada Linea Roja") es para mi gusto uno de los mejores del S. XX. La compleja estructura de la novela, la profundidad sicológica de sus personajes y su riqueza en detalles fue sintetizada a la perfección en un magnífico guión que supo condensar el argumento sin que se perdiera el espíritu del texto literario.

Aparte de lo dicho, el otro gran activo de esta película es la efectividad de un reparto en estado de gracia. Nadie mejor que Burt Lancaster para interpretar al duro sargento Warden, y es difícil imaginar a alguien distinto de Montgomery Cliff interpretando al atormentado Prewitt. También están magníficos el elenco de secundarios, especialmente Deborah Kerr como la desdichada mujer de Holmes, e incluso Frank Sinatra (seguramente en su papel cinematográfico más logrado) como Maggio, el mejor amigo de Prewitt.

El que la película conserve hoy gran parte de su frescura, se debe, precisamente a que respetó en gran medida el trasfondo de la obra de Jones, una historia sincera, directa, y absolutamente creíble. Ahora bien, no debe olvidarse que la época en la que se rodó el film (principios de los 50) no permitía según que cosas. Una de las partes mas esenciales de la novela, los maltratos que sufre Prewitt en la prisión militar, no aparece en la película, y sobre todo, el final que en el libro es absolutamente desolador, es un poco cambiado en el filme para no resulte tan truculento como en la novela.

En cualquier caso, “De aquí a la eternidad” es uno de esas películas atemporales, y uno de los clásicos del Séptimo Arte.

Infierno en el Pacífico (Hell in The Pacific)

Infierno en el Pacífico (1968)

Un soldado japonés que ha naufragado en una isla desierta del Pacífico contempla un dia como llega a la misma otro naufrágo, esta vez un oficial norteamericano. Tras descubrirse mutuamente, ambos hombres comenzaran un arduo enfrentamiento personal tratando de eliminarse el uno al otro, para luego caer prisioneros (de forma sucesiva) del adversario y sufrir el maltrato de este. Sin embargo, la soledad de la isla acaba imponiendo una relación de colaboración entre ambos, con el fin de construir una balsa que les permita volver a la civilización. A partir de ese momento, el antagonismo de los dos hombres se irá convirtiendo en camaradería, y finalmente en amistad.

El director John Boorman abordó con “Infierno en el Pacífico” un arriesgado proyecto, como el que suponía realizar este largometraje con solo dos personajes y sin apenas diálogos. Pese a ello, hay que reconocer que la película consigue mantener el tipo, apoyada en las buenas interpretaciones de los grandes actores Toshiro Mifune y Lee Marvin (dos clásicos de las películas bélicas) así como por la plasticidad de la excelente fotográfia y los escenarios naturales de la isla.

También resulta acertado como la película va mostrando el proceso del progresivo acercamiento del japonés y el americano, que hace que la historia, pese a su poca viveza narrativa, no aburra, lo cual es un gran logro teniendo en cuenta las limitaciones arguméntales de la misma. Quizás lo que no termina de cuadrar en el conjunto del film es el final, que me pareció algo forzado y con un punto efectista.

Por lo demás, “Infierno en el Pacífico” es una película algo lenta pero digna de verse, sobre todo por la reflexión implícita sobre la naturaleza humana que contiene, aunque eso sí, tampoco puede considerarse una de las mejores películas del género.

Calificación: 6/10

La Lista de Schlinder (Schlinder´s List)

La Lista de Schindler (1993)

La película nos narra la historia real de Oskar Schindler, un ambicioso empresario alemán, que se hace miembro del Partido Nazi como medio para conseguir suculentos contratos para su empresa de manufacturas, para la cual consigue hacerse con mano de obra judia gracias a sus influencias. Pese a ser un hombre práctico, Schindler irá pasando de su utilitarismo inicial al horror ante las atrocidades nazis contra los judios, por lo que decide usar su fábrica como via de escape para cientos de judios del infierno del ghetto de Cracovia y del monstruoso comandante nazi Amon Goeth, responsable del campo de concentración de Plaszow.

La Lista de Schlinder es, claramente, otro de los proyectos personales de Spielberg, quien quiso mostrar toda la crudeza del holocausto a la vez que homenajear a una persona supo sacar lo mejor de sí mismo en tiempos de oscuridad. Usando una fotografía en B/N que acentua el tono hiperealista y casi documental de la cinta que nos muestra las dos caras indisolubles del alma humana: la maldad y la bondad, ambas en sus formas más extremas.

La película contiene escenas que estremecen por su impacto visual, como la entrada al campo de concentración, la lluvia de cenizas sobre los hombros de Schindler, o las angustiosas escenas de las duchas de gas, además de la famosa escena del la niña del abrigo rojo, cargada de simbolismo. Respecto a los actores, destaca el trio protagonista Liam Neeson (Schindler) el contable judio (Ben Kingsley) y el sádico comandante Goeth, interpretado por Ralph Fiennes. De los tres, destacararía especialmente a Fiennes, quien logra una interpretación magistral del sanguinario oficial de la SS a cargo del campo. Neeson está bien en su papel de Schindler, aunque quizás no acaba de darle una dimensión más amplia a su personaje.

En definitiva, “La lista de Schindler” es una de esas películas imprescindibles, más por lo que cuenta, por como lo cuenta; y como recordatorio de unos hechos que la humanidad debe tener siempre presentes para evitar que se repitan.

Calificación: 8/10

El Pianista (The Pianist)

El Pianista (2002)

Polonia, año 1939. Wladyslaw Szpilman, un brillante pianista polaco de origen judío, ve como su prometedora carrera musical y su vida resulta truncada por la invasión alemana y el consiguiente confinamiento de los judios en las inhumanas condiciones del Ghetto de Varsovia. Tras ocultarse para escapar a la deportación, tendrá que sobrevivir prácticamente solo entre las ruinas de la capital polaca, hasta que con la ayuda de un oficial alemán que comparte su afición por la música podrá salir adelante.

Roman Polanski, director de origen polaco con una larga carrera en EEUU y algunas películas brillantes en su haber (como “El Baile de los Vampiros” o “Chinatown"), quiso abordar uno de sus dramas personales (sus padres murieron en campos de concentración) acercándose con este relato biográfico al personaje de Szpilman. Quizás por causa de esa implicación emocional del director, la película trata de mostrar de manera objetiva la historia real de los judios polacos y de la población de Varsovia de una manera un tanto fría y desapasionada. La película retrata los hechos tal cual, sin adornos ni juicios de valor, lo cual tiene su parte positiva; por ejemplo al humanizar a los alemanes a través del personaje que ayuda a Szpilman, también redunda en un cierto distanciamiento del espectador respecto a lo que contempla en pantalla. Eso se traduce en una acusada ralentización del ritmo de la película en varias partes del metraje que podrían haberse acortado sin afectar sustancialmente la integridad del film.

Entre los aspectos positivos, cabe destacar la sobria y realista interpretación de Adrian Brody, que encarna a la perfección la soledad y el hastío del Szpilman aislado del mundo y luchando únicamente por sobrevivir. También es digna de reseñar la cuidada ambientación de los escenarios de Varsovia, perfectamente recreados para reflejar las condiciones de la ciudad ocupada por los alemanes.

En conclusión se puede decir que “El Pianista” es una película bien filmada pero a la que le falta “alma” para llegar a conmover, en un tema ya bastante trillado en el cine como es el del holocausto nazi. Personalmente la encontré un punto por debajo de “La Lista de Schindler”.

Calificación: 6,5/10

La Batalla del Rio de la Plata (The Battle of the River Plate)

La Batalla del Rio de la Plata (1956)

Año 1939, la II GM acaba de estallar y mientras en tierra se desarrollan las primeras batallas, en el mar, el Acorazado de Bolsillo alemán Admiral Graf Von Spee del capitán Langsdorff recorre los oceanos en misión de corsario, hundiendo miles de toneladas de mercantes aliados. Para proteger las rutas navales, el almirantazgo británico destaca a una flotilla de cruceros, el Ajax, el Exeter y el Aquiles, bajo el mando del comodoro Harwood con la misión de localizar y dar caza al Graf Spee.

Como su propio título indica, La Batalla del Rio de la Plata viene a recrear uno de los episodios navales más notables de la II GM, y uno de los escasos enfrentamiento entre buques de superficie alemanes y barcos de la Royal Navy. En este caso, la película recrea la singladura del acorazado de bolsillo alemán Admiral Graf Spee y su posterior hundimiento frente a la costa uruguaya. Tras zarpar de Alemania en Agosto de 1939, el Graf Spee había hundido varios buques mercantes británicos actuando como corsario, de modo que el Almirantazgo decidió darle caza destacando una flotilla de cruceros al efecto, que finalmente, en Diciembre de 1939, lograron hundir el buque alemán.

Esta producción, al viejo estilo de las antiguas películas bélicas, más que un reflejo de los hechos bélicos se centra en el duelo personal entre los protagonistas, el comandante alemán y el británico, que se comportan de una forma elegante y caballerosa, y combaten por sus altos ideales patrióticos, pero con correción y casi deportividad, un poco al estilo de “Duelo en el Atlántico”. No cabe duda que esta película está rodada con una buena factura en cuanto a fotografía y ambientación, aunque la narración resulta algo desapasionada y falta de chispa.

Si bien las limitaciones en cuanto a efectos especiales de la época imponen que los combates navales no resulten especialmente espectaculares, los hechos son presentados con estricto rigor histórico y la figura del capitán Langsdorff (un marino tradicional y caballeroso, que por ejemplo, se negaba a hacer el saludo nazi) es tratada con bastante respeto, sin caer en el maniqueísmo fácil de presentarlo como un fanático. Las interpretaciones de los actores protagonistas resultan igualmente bastante correctas, aunque sin destacar especialmente ninguna de ellas.

En resumen, se trata de una película correcta y entretenida, especialmente recomendada para los aficionados a la historia naval y los barcos.

Calificación: 6/10

Hermanos de Sangre (X): Puntos

Hermanos de Sangre (X): Puntos

La acción nos situa en abril de 1945. La compañía Easy se encuentra en los Alpes con la tarea de capturar el refugio alpino de Hitler, el Nido del Águila, el cual encuentran desocupado y lleno de botín. Poco después la guerra termina en Europa con la rendición alemana y la compañía es acantonada en Austria como tropas de ocupación. La falta de acción dará lugar a algunos altercados y sobre todo al decaimiento de la moral de los soldados, muchos de los cuales no han reunido los suficientes puntos de combate para terminar su servicio en el ejército, pero desean volver a su hogares. Mientras, se rumorea que la Easy puede ser trasladada al Pacífico donde la guerra contra los japoneses aun continúa.

Este décimo episodio pone el broche final a esta magnífica seria de una forma bastante digna. Y lo hace tratando un tema poco visto en el cine bélico, pero realmente interesante: el de la desmovilización del combatiente, y el díficil retorno (sobre todo psicológico) del soldado a los tiempos de paz. Este episodio refleja de manera bastante realista los sentimientos encontrados de los hombres que tras sobrevivir a la guerra se encuentran por un lado deseosos de volver a sus vidas anteriores, pero por otro, desanimados por el anti climax de la vida en tiempos de paz.

El episodio termina con una fugaz aparición, quizás un tanto forzada, del malhadado Capitán Sobel (aun bastante resentido con Winters y su antigua compañia), y con un emotivo discurso de un general alemán despidiendo a sus tropas. Finalmente unos rótulos nos informan acerca del destino de los principales integrantes de la Easy después de la guerra. En definitiva, Puntos, es un más que digno punto y final de esta magnífica serie.

Ser o no Ser (To be or not To be)

Ser o no Ser (1942)

Polonia, año 1939. Una compañía de teatro ensaya para estrenar “GESTAPO” una obra antinazi, pero las presiones políticas para no provocar al gobierno alemán obligarán a suspender la representación a que finalmente se lleve a escena Hamlet. Tras la invasión alemana, el teatro es cerrado por los alemanes, pero los actores principales de la compañía, el matrimonio formado por Joseph y Maria Tura, se verán envueltos en una trama de la resistencia cuando un espía nazi consigue sus nombres a través del amante de Maria Tura, un piloto polaco exiliado en Inglaterra. A partir de ese momento, la compañía deberá montar una nueva función, esta vez para escapar de Polonia haciendose pasar por… miembros del séquito de Hitler.

Esta obra maestra de Ernst Lubitsch (quien se exilió de Alemania huyendo de los nazis) está considerada justamente una de las mejores comedias de la historia del cine. Al trásfondo de corrosiva sátira antinazi, la película ofrece momentos de absoluta inspiración, en forma de brillantes e ingeniosos diálogos y algunos gags muy conseguidos, marca Lubitsch. Especialmente memorables son las escenas del coronel Erhard llamando a su ayudante Schultz para culparlo de todo lo que sale mal; el gag inicial, mostrando el paseo del falso “Hitler” por las calles de Varsovia; y, como no, el brillante final (Primero fue Hess… y ahora él).

También destacan las magistrales interpretaciones del duo protagonistas Jack Benny y Carole Lombard y un elenco de actores entre los que figura un joven y seductor Robert Stack (Stanislav Sobinski). En 1983, Alan Johnson dirigió un remake producido e interpretado por Mel Brooks, que rinde homenaje a esta película, aunque naturalmente el resultado fue bastante inferior al original.

Sin duda, “Ser o no ser” es una de las mejores comedias de la historia del cine.

Calificacion: 9/10