Por el Valle de las Sombras (The Story of Dr. Wassel)

Isla de Java, 1942. El Doctor Corydon Wassell (Gary Cooper), un antiguo médico rural y misionero en China, es uno de los abnegados médicos de la marina norteamericana. Mientras se produce la invasión de Java por las tropas japonesas, el doctor Wassel se ocupa de aliviarles los sufrimientos a las decenas de heridos norteamericanos que esperan la evacuación. Cuando finalmente llega la orden evacuación, esta solo abarca a los heridos que pueden andar, por lo que Wassel decide quedarse junto con los heridos inmovilizados, aun a riesgo de su propia vida, para evitar que caigan en manos de los japoneses.

El famoso realizador Cecil B. DeMille no pudo sustraerse a los esfuerzos propagándísticos de Hollywood en apoyo de la causa aliada, y puso su granito de arena rodando esta película basada en la historia real del heroico médico Corydon M. Wassel, cuya actuación salvó las vidas de decenas de heridos que fueron dejados atrás durante la evacuación de Java por los aliados en 1942. La acción de Wassel le valió una condecoración y la pública gratitud del presidente Roosevelt en unos de sus discursos radiados.

Como todo el cine de DeMille, el film destaca por una cuidada ambientación y algunas escenas multitudinarias que eran muy del gusto del director. Lo cierto es que el film, hoy dia, ha perdido gran parte de su vigencia, aunque hay que un par de aspectos que lo sacan de la mediocridad. El primero de ellos es la siempre imponente presencia escénica del gran Gary Cooper, encarnando uno de esos papeles de heroe sencillo y abnegado que tan bien se le daban. El segundo, radica en unas escenas de acción, pocas, pero extraordinariamente bien filmadas para la época: tanto las secuencias de la huida de la columna motorizada transportando los heridos atravesando la barrera de artilleria; como el ataque de los aviones japoneses contra el buque norteamericano son bastante buenas y muy realistas tratándose de los años 40.

Por lo demás, el film paga los peajes propios de los filmes de la época, lo que hace que haya resistido mal el paso del tiempo. El ritmo es demasiado lento en la primera hora y media del metraje, la cual está plagada de los típicos interludios románticos tontorrones que se estilaban en esa época. Y por supuesto, el desenlace consiste en el típico “happy end” coronado por el reconocimiento del heroico protagonista.

En definitiva, “Por el Valle de las Sombras” es un título menor dentro de la filmografía de DeMille. Solo memorable por la presencia de Gary Cooper y por sus secuencias de acción, escasas pero muy logradas para la época.

Calificación: 5,5/10

El Regreso del Rio Kwai (Return from the River Kwai)

El Regreso del Rio Kwai (1988)

Tailandia, Febrero de 1945. El avión del teniente de aviación americano Lee Crawford es derribado por los japoneses tras bombardear y destruir el puente sobre el río Kwai. Crawford es rescatado por miembros de la resistencia tailandesa y se une al grupo dirigido por un oficial británico el Coronel Grayson. Mientras tanto al campo de prisioneros llega un nuevo comandante, el mayor Harada, quien pretende evacuar a parte de los prisioneros aliados a Japón para que trabajen para el ejército nipón. Sin embargo, Grayson, enterado de los planes japoneses, planea junto con su grupo volar la via ferrea por la que habrá de pasar el tren japonés con el fin de impedirlo.

Tras demostrar su talento para destrozar clásicos del cine bélico con la infame “Cerco Roto” (horrosa secuela de la magistral “La Cruz de Hierro”) el director británico Andrew Maclagen volvió a la carga con una segunda parte de un film clásico, esta vez, la continuación de la aclamada “El Puente sobre el Rio Kwai” de David Lean. La verdad es que lo mejor que se puede decir de este film es que al menos tiene un argumento menos incosistente que el de “Cerco Roto”. Por lo demás, la película está a años luz de su ilustre precedesora. El reparto, la realización, la ambientación… aunque son mas o menos correctas, tienen aspecto de una producción menor, no de Serie B, pero rozándola.

El guión y los personajes tampoco son un dechado de originalidad, más bien una colección de clichés y lugares comunes que aportan poco o nada a otras películas bélicas anteriores. Al menos se agradece lo ajustado del metraje (90 minutos) y que en general el film mantega un aire de corrección formal, dentro de sus acusadas limitaciones artísticas y técnicas. En cualquier caso, una secuela que muy bien podría haberse ahorrado, solo apta para los muy incondicionales del género bélico.

Calificación: 3/10

Llanura Roja (The Purple Plain)

Llanura Roja (1954)

Birmania, 1945. El jefe de escuadrilla de la RAF Bill Forrester (Gregory Peck) es un piloto de cazabombarderos “Mosquito” que vive atormentado por el recuerdo de la pérdida de su esposa durante un bombardeo aéreo en Londres. A causa de esto, Forrester combate prácticamente buscando la muerte, hasta que conoce gracias a la mediación de su oficial médico, el Doctor Harris, a Anna, una joven birmana de la que se enamora y le devuelve las ganas de vivir. Sin embargo, cuando el avión de Forrester se estrella durante una misión de reconocimiento, este tendrá que emprender un peligroso camino de regreso transportando junto con otro superviviente a su copiloto herido a través de la jungla birmana.

Basándose en una novela H. E. Bates, “Llanura Roja” ofrece el típico relato descriptivo de la odisea del heróe perdido tras las lineas enemigas afrontando toda clase de dificultades para sobrevivir. El film tiene un arranque bastante bueno, mostrando la zozobra interior del personaje de Peck (especialista en este tipo de papeles, como había mostrado, por ejemplo, en “Almas en la hoguera”), quien prácticamente busca su autodestrucción para liberarse de su amargura interna. Sin embargo, la historia va perdiendo intensidad en cuanto evoluciona hacia la típica trama melodramática, parte en la que se vuelve bastante más convencional y predecible, y tampoco es que la parte de la trama después del accidente aéreo de Forrester y sus compañeros ofrezca nada especialmente estimulante u original. Por lo que respecta a las (escasas) escenas aereas, no son nada del otro mundo, y además los efectos visuales son discretos, pues se basan en transparencias y fondos superpuestos que se notan bastante anticuados hoy dia.

Con todo, la película tiene algunas virtudes visuales, especialmente la esplendida fotografía en color que capta muy bien la luminosidad y colorido de los escenarios naturales, asi como algunas secuencias rodadas al estilo “cámara al hombro” lo que era toda una novedad en los 50. Todo ello con el interés adicional de contemplar la interpretación del gran Gregory Peck, muy sobrio y convincente en su papel de Forrester.

En definitiva, aunque “Llanura Roja” ha quedado algo desfasada por el paso del tiempo no está del todo mal, especialmente en su primera media hora. No está de más darle un visionado.

Calificación: 5,5/10

Invasión en Birmania (Merril´s Marauders)

Invasión en Birmania (1962)

Birmania, año 1942. La Brigada de Infantería mixta 5307, mandada por el general de Brigada Frank D. Merrill y compuesta por tres mil soldados voluntarios de distinta procedencia, recibe la misión de destruir una base avanzada japonesa. Tras cumplir con éxito su misión, los hombres de Merril esperan recibir el relevo y un permiso. Sin embargo, en vez de ello, reciben un nuevo y peligroso encargo por parte del comandante aliado, el general Stilwell: adentrarse cientos de kilómetros en la jungla para cortar una via ferrea japonesa y marchar sobre una posición que es de vital importancia para expulsar a los japoneses de Birmania.

Birmania, en la frontera oriental de la India, fue uno de los teatros secundarios, pero a la vez más cruentos de la II GM. En un terreno bastante inhóspito e insalubre, los aliados rechazaron durante dos años a las tropas niponas, evitando que estas invadieran La India, hasta la expulsión de las fuerzas japonesas a finales de 1944. La Brigada del general Merril (que recibieron el apodo de los “Merodeadores de Merril”) fue una de las fuerzas aliadas que combatieron en la campaña birmana, distinguiendose por su habilidad para infiltrarse en la jungla y dar golpes de mano contra las posiciones enemigas.

El realizador norteamericano Samuel Fuller, veterano de la II GM y que ya había dirigido varios filmes bélicos ambientados en la Guerra de Corea, fue el encargado de dirigir esta película, partiendo de una estructura argumental bastante parecida al clásico de Raoul Walsh “Objetivo: Birmania”. El film ofrece una visión bastante sobria y realista de la campaña birmana, (precedida por una esclarecedora introducción que, mediante el uso de imágenes documentales y mapas animados, resume la situación inicial de la campaña) mostrando las insalubres condiciones del terreno, las penalidades de los soldados expuestos a toda clase de enfermedades, y las agotadoras marchas a través de la jungla. También se intercalan escenas de acción que, pese a contener algunas secuencias destacables (por ejemplo el plano general mostrando los muertos tras la batalla en los bloques de cemento de la estación ferroviaria), en general no son nada del otro mundo. Hay que decir que las escenas de combates resultan algo desfasadas, como por ejemplo, en el aspecto de las muertes “no sangrientas” de los soldados, algo más propio del cine bélico de los años 40 y 50 que de las producciones posteriores.

Un aspecto que si trata bien la película es el de la desmoralización de los soldados en una campaña larga, que se describe a la perfección a través de la historia del Teniente Stockton, uno de los oficiales de confianza de Merrill, y como las enfermedades y el agotamiento van mermando su voluntad de seguir combatiendo. También es destcabale la buena fotografía del film, y las creíbles interpretaciones de los actores principales, poco conocidos pero que cumplen bien en sus papeles.

Los puntos débiles del film, aparte del poco realismo de las escenas de acción, son un tono marcadamente épico-patriotero y un tanto hagiográfico del personaje de Merrill, que le resta eficacia a la parte que describe las penalidades de la guerra. El hecho de que Fuller contara en la producción con la ayuda del ejército norteamericano probablemente tuvo algo que ver en este punto.

En resumen, “Invasión en Birmania” ofrece una visión aceptablemente realista de uno de los frentes más desconocidos de la II GM. Un film entretenido y correcto en lineas generales, aunque sin demasiados alardes que lo hagan sobresalir.

Calificación: 6/10

Dias de Gloria (Days of Glory)

Dias de Gloria (1944)

Finales de 1941. Mientras las tropas alemanas marchan hacia Moscú, en la zona de Tula un grupo de partisanos rusos, dirigido por Vladimir (Gregory Peck) se dedica a realizar actos de sabotaje en la retaguardia de los ejércitos alemanes teniendo como base un antiguo monasterio. La llegada al escondite del grupo de Nina Ivanova, una artista de Ballet refugiada, creará cierto resquemor entre los guerrilleros, mientras estos se preparan para una importante misión contra los invasores en visperas de la contraofensiva rusa de invierno.

En los años 40, dentro de la intensa campaña de propaganda llevada a cabo por los estudios hollywoodienses en apoyo del esfuerzo bélico aliado, el director Jacques Tourneur dirigió esta producción en homenaje al movimiento partisano de la URSS en su lucha contra el invasor alemán.

La verdad es que, para tratarse de un filme de propaganda, “Dias de Gloria” ofrece una calidad superior a la media. La película empieza con un tono ligero, casi de comedia (con número musical incluido), pero a medida que avanza la historia, esta va evolucionando hacia un intenso drama bélico. A la hora de describir la guerra, Tourneur logra crear una atmósfera poética pero realista a la vez, intercalando diálogos bastante notables (como cuando Vladimir le explica a Nina que en la guerra “Adquieres cierta tendencia a destruir”). Otro aspecto que me gustó del film es la más que correcta ambientación de los pantanos, aldeas, y bosques rusos, así como la buena factura de los efectos visuales y de las secuencias de combates en particular, sobre todo teniendo en cuenta la época. Incluso los tanques alemanes que aparecen tienen todas las trazas de ser Panzer IV reales, detalle que en producciones bélicas mucho más modernas suele descuidarse.

En el apartado interpretativo cabe destacar la actuación de un jovencísimo Gregory Peck en su debut en un papel protagonista, logrando componer un sólido personaje como el comandante guerrillero Vladimir. Entre los puntos débiles del film, podría citarse la ingenuidad de algunas escenas (como la no ejecución del soldado alemán capturado) y cierto tono pasteloso en las secuencias de Vladimir con Nina, pero que en cualquier caso son comprensibles dada la época de su rodaje.

En resumen “Dias de Gloria” es algo más que un simple vehículo de propaganda bélica y desde luego, trasciende esta motivación propagandística logrando dibujar momentos de buen cine. Un film intenso y de buena factura que merece ser rescatado del olvido.

Calificación: 6,5/10

La Crítica de Reisman

Emboscada (Rukajärven tie)

Emboscada (1999)

Verano de 1941. El romance del jóven teniente finlandés Eero Perkola con la enfermera Kaarina Vainikainen se ve interrumpido por la entrada de Finlandia en guerra con la URSS en aras de recuperar los territorios perdidos en la Guerra de Invierno. Ya en el frente Eero se reecuentra con su amada, destinada a los servicios auxiliares. Tras solicitar de su oficial la retirada de las auxiliares la compañía del teniente Perkola es enviada a una peligrosa misión de reconocimiento tras las lineas rusas, con el objetivo de identificar las unidades enemigas situadas en retaguardia antes de la ofensiva finesa. Ya en camino, Perkola recibe la noticia de que el convoy que transportaba a las auxiliares a retaguardia ha sido emboscado por los rusos y todos sus miembros asesinados, incluyendo a Kaarina.

Siguiendo la estela de “Talvisota” (que supuso un gran éxito de taquilla en Finlandia), esta producción finlandesa retomó el tema de la participación finesa en la II GM, con esta historia ambientada en la llamada “Guerra de Continuación”, que comenzó cuando el ejército finés secundó la invasión alemana de la URSS en junio de 1941, con el fin de recuperar el territorio perdido en el invierno anterior ante el Ejército Rojo. Emboscada es la típica historia de una pequeña unidad infiltrada tras las líneas enemigas, y con el no menos típico drama romántico de fondo. La verdad es que tras ver el asombroso realismo de “Talvisota” la historia que cuenta este film se me antoja demasiado tópica y previsible. Hay varios elementos que se notan puestos como concesiones para agradar al gran público (la típica historia de amor en tiempos de guerra, secuencias lentas pretendidamente poéticas…etc) y la historia destila por momentos un tono meláncolico que, sinceramente, exaspera. Además la acción es demasiado escasa, solo hay secuencias de combates al final, y la verdad es que estas no resultan demasiado realistas, aunque no están mal filmadas. Si a eso añadimos que el ritmo es excesivamente lento en más de un momento, y que la película apenas tiene escenas de acción, el conjunto que resulta no es excesivamente brillante.

Aunque la película trata de ahondar algo en las distintas motivaciones personales de los soldados y sus miedos ante el incierto destino que ofrece la guerra, nada de lo que se muestra es especialmente original, más bien suena a ya visto. Al final, lo único que queda claro es que los finlandeses lucharon por una causa justa y de manera heroica, pero poco más. Lo que más me gustó fue la ambientación y la fotografía, bastante buenas. Por lo demás “Emboscada” no pasa de un título discreto, de correcta factura, parecido a las producciones “palomiteras” de Hollywood, aunque con una temática finlandesa. Me resultó bastante inferior a la magnífica “Talvisota”, que sí es cine bélico en estado puro.

Calificación: 4,5/10

La infancia de Iván (Ivanovo detstvo)

La infancia de Ivan (1962)

En vísperas de una ofensiva rusa a través de un rio, el niño Iván Burliaiev vuelve de una misión de reconocimiento tras las líneas alemanas con importantes datos sobre el enemigo. Iván, un huerfano de guerra, está obsesionado por seguir en frente para cobrarse venganza contra los alemanes y pese a los deseos de su protector, el capitán Kholin, y otros oficiales de su unidad militar de enviarlo a una academia militar para apartarlo de la guerra, Iván se mostrará implacable en su decisión de seguir en el frente a cualquier precio.

En gran medida gracias al aire aperturista que en los 60 supuso el proceso de denuncia del régimen Stalinista por parte de Nikita Kruschev, las artes rusas vivieron una época de libertad expresiva y renovación formal, contexto dentro del cual se enmarca “La infancia de Ivan”.Esta película, la primera del director ruso Andrei Tarkovski logró hacerse con el León de Oro del Festival de Venecia, un mérito enorme tratándose de un director novel y una Opera Prima. Pese a haber llegado con el rodaje empezado, (Tarkovski sustituyó al anterior director, que fue despedido), el realizador ruso compuso una notable película que trascendió a su motivación primigenia, la exaltación patriótica, para crear un contundente alegato antibelicista a través de los ojos de un niño sumergido en una cruenta guerra.

El film tiene varias virtudes destacables, sobre todo visuales. El aspecto moral del protagonista, se explica mostrando la amargura interior de Iván, a través de sus recurrentes sueños de situaciones felices enturbiadas por la irrupción de la violencia, es brillantemente descrito a través de sugerentes imágenes oníricas. Asimismo, el elemento paisajístico, perfectamente integrado en la historia, juega un importante papel a la hora de resaltar la desolación y devastación –tanto física como moral- que produce la guerra. Estos aspectos y el uso de unas impactantes metáforas visuales (por ejemplo, el plano de la cruz de la iglesia doblada ante el bombardeo de la artillería) es sin lugar a dudas lo mejor del film. Tarkovsky logra crear un universo visual propio y atrayente, que capta la atención del espectador. Merece también una mención especial la sentida interpretación del niño Nikolai Burliaiev (Iván), con un papel totalmente interiorizado y lleno de matices, logrando estremecer con su gesto de niño endurecido por la guerra, el odio, y la sed de venganza.

Es una pena que la brillantez de la película en el aspecto visual no se vea acompañada por una mayor viveza del ritmo narrativo. Con las películas rusas en general, uno siempre tiene la sensación de que el pulso de la historia siempre es pausado, pero en este caso hay muchas situaciones se resuelven de una manera demasiado plomiza, lo que le resta fuerza al conjunto. Otro aspecto que no me terminó de gustar fue el la historia paralela de la enfermera Masha, un personaje que no aporta nada a la trama principal y que no transmite gran cosa, aparte de añadir un elemento pasteloso totalmente prescindible.

En resumen, La infacia de Ivan es un film visual y esteticamente muy logrado, que evita cualquier maniqueísmo político para centrarse en una de las principales víctimas de toda guerra: la inocencia de la niñez. La infancia truncada de Iván es todo un símbolo universal y perturbador. Uno de esos títulos que será apreciado por cualquier amante del cine.

Calificación: 7,5/10

Talvisota (AKA Winter War)

Talvisota (1989)

Finlandia, Octubre de 1939. La crisis diplomática abierta entre el país finés y la URSS a causa de las exigencias territoriales de Stalin hace que el ejército fines se movilice. A través de la historia de los hermanos Martti y Paavo Hakala, enviados a combatir junto con su compañía al frente, asistiremos a las visicitudes de la cruenta guerra de invierno que Finlandia libró contra el ejército Rojo en unas durísimas condiciones climáticas y en franca inferioridad material frente al poderoso ejército sovietico.

La guerra ruso-finesa (o Guerra de Invierno) es uno de los conflictos paralelos a la II GM más desconocidos por el gran público. En el invierno de 1939, la URSS invadió Finlandia pensando que el modesto ejército finlandés sería presa fácil para el poderoso Ejército Rojo, pero sorprendentemente, los finlandeses se mostraron como unos durísimos combatientes. Haciendo uso de su adaptación al terreno, la dureza física de sus soldados y la astucia táctica de sus oficiales, el ejército finlandés se las arregló para mantener en jaque al Ejército Rojo durante más de tres meses, haciendoles pagar a las fuerzas soviéticas un duro precio por cada metro conquistado; hasta que finalmente la superioridad numérica rusa acabó imponiendose y Finlandia tuvo que pedir la paz con la Unión Sovietica. Talvisota rinde un claro homenaje a los heroes fineses de la guerra de invierno, que mostraron un tremendo valor frente al invasor ruso en defensa de su patria.

La película es sobresaliente en varios aspectos, especialmente técnicos. La ambientación en cuanto a escenarios, uniformes y armas es casi perfecta. Me sorprendió mucho ver que los auténticos carros T-26 rusos, por ejemplo, que eran el grueso del arma acorazada sovietica en la época, asi como los cazas Polikarpov I-16. A esto hay que añadir la puesta en escena de las secuencias de combates, que es de lo mejor que he visto en el cine. Prácticamente no hay dos batallas iguales, y aparecen todo tipo de combates: asaltos frontales masivos rusos en oleadas, internadas nocturnas, infiltraciones…etc. La calidad visual de las escenas de acción y efectos especiales solo puede compararse a la de las producciones más recientes. Los actores, por su parte, están muy creibles en sus papeles, haciendo que sus personajes resulten bastante reales. Asimismo, aparte de las escenas bélicas, la película muestra algunos diálogos bastante logrados, como por ejemplo cuando Paavo vuelve de permiso a su casa y su madre le pregunta como es la guerra, a lo que Paavo contesta, sin inmutarse, “No volveremos ninguno vivo de alli”.

Por ponerle algún “pero” se podría decir que el prologo con la típica presentación de los personajes se hace un poco largo y reiterativo, y que dado lo prolongado del metraje (más de tres horas de duración) la historia sufre algún que otro inevitable bajón de ritmo. Pero en cualquier caso no puede negarse que “Talvisota” es un intenso film bélico, con unas evidentes virtudes técnicas, y unas soberbias secuencias de combates que será apreciado por cualquier aficionado al género.

PD. Y con esta, ya son 150 entradas en el Blog.

Calificación: 6,5/10

Cerco Roto (Breakthrough)

Cerco Roto (1979)
La acción comienza en Mayo de 1944. Mientras los ejércitos alemanes se retiran del frente ruso, el pelotón del Sargento Steiner (ahora interpretado por Richard Burton) recibe el encargo de volar un tunel ferroviario para cubrir la retirada de la compañia. Tras fracasar en la misión y protagonizar un nuevo episodio de indisciplina, Steiner es enviado a pasar un permiso a Francia, donde se reencontrará con su antiguo capitán (ahora Mayor) Stransky (Helmut Griem). Después del Dia D, Steiner recibe el encargo del general Hoffman de cruzar las lineas aliadas para concertar una entrevista con el mando norteamericano a fin de informarles del atentado contra Hitler y negociar un alto el fuego en el Frente Occidental.

La primera frase que se me vino a la cabeza tras visionar “Cerco Roto” es aquel refrán de “Nunca segundas partes fueron buenas". Pocas veces un proverbio puede predicarse con tanta razón de una película como en este caso. La verdad es que el film hace aguas por tantos flancos que es difícil enumerarlos todos. Partiendo de lo risible del argumento, pasando por algunas incoherencias argumentales (supuestamente ha pasado poco más de un año desde los hechos relatados en “La Cruz de Hierro”) y terminando en una realización, a cargo de Andrew Mclaghen que en demasiados momentos recuerda a la Serie B más rancia. El hecho de que ahora Steiner, un combatiente de primera, no sea capaz de volar un triste tunel; que se hable con Stransky como si nada hubiera pasado entre ellos; o que los personajes de la primera parte parezcan caricaturas tampoco se puede pasar por alto.

Es una pena que, contando con una pléyade de grandes actores veteranos como Robert Mitchum, (en el papel de coronel norteamericano) Curd Jurgens (como general Hoffman) o el mismo Richard Burton, estos fueran desperdiciados para interpretar unos papeles bastante desdibujados respecto a los de la película original y que nada tienen que ver con la fuerza de los personajes que aparecían en aquella. Y además, se nota que los actores no se sentían cómodos en sus papeles porque las actuaciones de todos ellos dejan bastante que desear.

Por lo demás, de las escenas de acción solo rescataría los dos primeros minutos del film, que muestran la retirada alemana y son prácticamente lo único potable que nos ofrece la película. Se podrían enumerar más cosas negativas pero no creo que sea necesario dada la escasa entidad de la película. La verdad es que una obra maestra como “La Cruz de Hierro” no debió tener una segunda parte, pero en todo caso, merecía una continuación más digna que esta. Un título totalmente para olvidar.

Calificación: 2,5/10

Mercenarios sin gloria (Play Dirty)

Mercenarios sin gloria (1968)

En vísperas de la ofensiva británica en El Alamein, el Coronel Masters, al mando de una heterogénea unidad de operaciones especiales en el desierto, recibe, tras una serie de misiones desastrosas, un ultimátum para disolver su grupo. Para evitarlo, Masters ofrece a su unidad para una peligrosa misión: infiltrar una patrulla tras las líneas alemanas con la misión de destruir los depósitos de combustible que los alemanes han instalando en su retaguardia. Para liderar la misión se escoge a un oficial experto en temas de petroleo, el Capitán Douglas (Michael Caine), quien habrá de lidiar con los peligros del viaje y con los sanguinarios mercenarios del Capitán Leech (Nigel Davenport), que los manda.

Con un argumento que parece entresacado de dos títulos anteriores como “Tobruk” y “Doce del Patíbulo”, el argumento de este film nos cuenta la típica historia de comandos infiltrados tras las líneas enemigas con una misión peligrosa. El arranque de la película es bastante bueno, con una larga secuencia inicial, en la que el capitán Leach transporta un cadáver en su jeep avanzando a toda velocidad por el desierto, mientras de fondo, a través del equipo de radio se escuchan los melódicos acordes de la canción “Lili Marleen”. Sin embargo tras este electrizante comienzo, la película baja mucho el ritmo y deviene en una historia bastante más previsible, haciendo que resulte demasiado lenta en la parte central del metraje.

El transcurso de la misión recrea muy bien las dificultades del viaje a través del desierto, pero apenas hay diálogos ni acción, todo queda reducido a una sucesión de episodios un tanto monótonos con el polvo del desierto como telón de fondo. Con todo la película tiene algunas virtudes, especialmente en las cortas pero contundentes escenas de acción (como el encuentro con la patrulla árabe en un oasis) rodadas de manera bastante realista y sin concesiones. Otro de los grandes activos del film es la presencia del siempre eficaz Michael Caine y el enfrentamiento latente entre su personaje y el interpretado por Davenport, que también logra realizar una sólida interpretación como cínico oficial británico.

A mi modo de ver “Mercenarios sin gloria” es un film bastante irregular y desde luego poco original, aunque merece al menos un visionado por los aficionados al género bélico.

Calificación: 5,5/10

La Batalla de El Alamein (La Battaglia di El Alamein)

La Batalla de El Alamein (1968)
Año 1942. Mientras las tropas del Eje toman posiciones en la Línea de El Alamein, tras fracasar la intentona de Rommel de romper el frente enemigo, la divisón paracaidista italiana Folgore es enviada a guarnecer el frente. Uno de sus oficiales, el teniente Giorgio Borri, está dispuesto a hacer combatir a sus hombres a toda costa, para defender el honor del ejército italiano; mientras que su hermano el sargento Claudio Borri no entiende la dureza con la que trata a sus soldados. Mientras, los acontecimientos se preparan para la ofensiva británica, someterá a los hombres de Folgore a una dura prueba.

"La Batalla de El Alamein" es otro típico producto del cine italiano de los años 60, empeñado en seguir la estela de los éxitos cinematográficos de los estudios de Hollywood en el género bélico. El film abarca de una manera bastante amplia, aunque esquemática, las circunstancias que condujeron a la victoria de Montgomery contra las fuerzas del eje en la famosa Batalla de El Alamein, la derrota que selló de manera casi definitiva (faltaba aun el epílogo de la campaña de Tunez) la suerte de las fuerzas del Eje en el Norte de África.

De esta película, me gustó especialmente la escena en la que Montgomery llega al Cuartel General británico para relevar a Auchinleck y este le advierte que “el enemigo ya está derrotado” y solo queda rematar esa victoria. También aparece Rommel, y su actuación en los momentos claves de la batalla, si bien su figura está demasiado idealizada, pues se le retrata como un antinazi convencido, cosa que no es exacta. Naturalmente, el film se centra en mostrar el heroísmo de los soldados de la Folgore, cosa que, al menos en esta ocasión, es históricamente exacta, ya que dicha división, que contaban al principio de la batalla con 6.000 soldados, quedó reducida a unos 800 al final de la misma, llegando a rechazar en el curso de la ofensiva hasta tres ataques sucesivos de fuerzas británicas bastante superiores en número, y ganándose el respeto de sus adversarios. También aparecen otros hechos históricos como la famosa orden de Hitler a Rommel prohibiendo la retirada, o el sacrificio de las fuerzas italianas, que tuvieron que ser dejadas atrás para cubrir la retirada del grueso de las fuerzas alemanas.

Las escenas de acción no están del todo mal para la época, y en general resultan creibles. Por otra parte, aunque los tanques y vehículos blindados no son originales de la II GM, el resto del atrezzo militar sí que está bien cuidado y resulta apropiado. En cuanto a los actores, en general cumplen en sus respectivos papeles, si bien el esquematismo de los personajes tampoco permite un excesivo lucimiento individual. También me gustó la intención de la película de ofrecer una visión general de la batalla, si bien esto solo lo consigue en parte, mostrando algunas breves escenas de los jefes de los respectivos ejércitos (Montgomery y Rommel) en los momentos clave de la batalla.

En definitiva, “La Batalla de El Alamein” es una película que ofrece una visión no demasiado pormenorizada, pero al menos razonablemente verídica, de la famosa batalla que supuso el principio de fin para las fuerzas de Rommel. Un título modesto en sus pretensiones, pero que se deja ver y resulta medianamente entretenido para el espectador aficionado a la Historia Militar.

Calificación: 5/10

Reseñas relacionadas: "El Alamein: La linea de Fuoco"

De Dunkerke a la Victoria (Contro 4 Bandiere)

De Dunkerke a la Victoria (1979)

París, agosto de 1939. Un grupo de 6 amigos se fotografía tras pasar una agradable tarde en un café al lado del Sena y prometen volver allí cada año en la misma fecha. Naturalmente, el estallido de la guerra hará que sus destinos se separen y no puedan cumplir su promesa. El norteamericano Brett (George Peppard) vuelve a su país y comienza a trabajar para la inteligencia militar. Maurice (George Hamilton) tras ser evacuado de Dunkerke, ingresa en el ejército británico; el alemán Jurgen se alista en la Werhmacht; mientras que la mujer del grupo Fabienne (Anne Duperey) es captada por la resistencia. Finalmente, Rick se une a la RAF y Ray se hace corresponsal de guerra. Las historias de estos 6 personajes se irán entrecruzando hasta la liberación de París en 1944.

Entre los años 60 y 70, los estudios italianos, al igual que hicieron en otros géneros (como el Peplum o el Western) trataron de imitar los grandes éxitos hollywodienses dentro del cine bélico. Este film se enmarca dentro de esta corriente, confirmada por la presencia de actores norteamericanos (como por ejemplo un George Peppard ya en la cuesta abajo de su carrera) para atraer al público internacional. En cualquier caso el resultado es bastante irregular y –en general- mediocre. La historia arranca con una pequeña presentación de los personajes, para ir siguiendolos a lo largo del curso de la guerra, con las típicas subtramas melodramáticas incluidas (el amor imposible entre el alemán Jurgen y la resistente Fabienne; las difíciles relaciones de Brett con su hijo…etc), que llenan minutos pero, la verdad, no aportan gran cosa al conjunto de la historia. Por otro lado, la naturaleza episódica del argumento le confiere cierta sensación de poca coherencia al conjunto. Todo queda demasiado deslavazado y el argumento, más que avanzar, transcurre a trompicones.

Pese a ello, la película tiene algunas secuencias destacables, especialmente las del ataque de los aviones alemanes (los cuales, por cierto, que me parecieron “Kates” japoneses) contra las playas de Dunkerke, con cientos de extras, y alguna secuencia aerea sobre Londres muy resultona. Eso, y unas actuaciones correctas, (especialmente por el oficio de Peppard) salvan al film de la quema total. Un aspecto que me gustó de la trama abarca bastantes escenarios: París, la Batalla de Inglaterra, una incursión de comandos en St. Nazaire... etc, aunque en general estas partes están resueltas de forma bastante esquemática, al igual que ocurre con el conjunto de la trama.

En definitiva, “De Dunkerke a la Victoria” es el típico título recomendable para una tarde de laxitud dominical, no es una gran película pero se deja ver.

Calificación 3,5/10

Situacion Desesperada (Halls of Montezuma)

Situación Desesperada (1950)

La acción nos sitúa en algún momento de 1942. Tras desembarcar en una isla del Pacífico y avanzar hacia el interior, la compañía de marines del Teniente Anderson (Richard Widmark) recibe un duro castigo cuando los japonese comienzan a bombardear las tropas américanas con cohetes desde un punto oculto dentro de la isla. Anderson recibe el encargo de formar una patrulla que se adentre en las líneas japonesas y descubra el emplazamiento de la base de lanzamiento de los cohetes japoneses.

Tras maravillar con la estupenda “Sin novedad en el frente” y aburrir a las ovejas con la plomiza “Un paseo bajo el Sol”, el director Lewis Milestone hizo una nueva incursión en el cine bélico, esta vez con una historia ambientada en el Frente del Pacífico. Con la excusa de rendir tributo al cuerpo de marines de los EEUU (“Halls of Montezuma” es el título de la letra de su famosa marcha militar), Milestone se mantiene fiel a sus postulados anteriores, ofreciéndonos una historia con unos claros tintes antibelicistas. La historia gira en torno a la situación del protanogista, el teniente Anderson, un antiguo profesor de universidad aquejado de fuertes migrañas por las presiones del combate, a la vez que nos muestra el comportamiento de una serie de personajes como el ayudante médico Jones (Karl Malden), un asustado soldado, antiguo alumno de Anderson, el cabo Conroy (Richard Hylton), o el soldado Lane (Jack Palance), el típico ejemplo de combatiente aguerrido y con un punto de fanatismo.

La historia arranca con cierta lentitud, narrando mediante tres flashbacks la historia Anderson, Conroy y Jones, que van recordando mientras se preparan para desembarcar. Sin embargo, va remotando el vuelo gracias a las escenas de acción, que si bien no son demasiado extensas, están bastante bien filmadas, destacando el virtuosimo de Milestone para ofrecer imágenes espectaculares mediante el uso del “travelling” lateral de las cámaras. También hay que destacar las sólidas interpretaciones de los actores principales, especialmente de Richad Widmark.

El principal problema que, a mi modo de ver ofrece el film, es la falta de continuidad y la pesadez de ciertos pasajes de la historia. La película ofrece momentos de brillantez, (como por ejemplo las secuencias de la guardia nocturna frente a las posiciones japonesas), pero falta el pulso narrativo necesario para mantener la tensión a lo largo del film, que en conjunto resulta algo irregular. En definitiva, Milestone vuelve a recrear la guerra como un escenario cruel, si bien no alcanza las cotas narrativas de "Sin novedad en el frente". Con todo, “Situación Desesperada” es uno de esos films que pese al paso del tiempo, conservan cierto interés.

Calificacion: 6,5/10

El ataque duró siete dias (The Thin Red Line)

Isla de Guadalcanal, 1942. Varios de los integrantes de la compañía “C”, de un batallón del ejército, se disponen a participar en los duros combates por la isla, y cada uno lo afronta de distinta manera. El soldado Doll (Keir Dullea), solo piensa en regresar junto a su joven esposa, con la que solo pudo convivir una semana. El Sargento Welsh (Jack Warden) pretende que sus hombres se conviertan en duros combatientes, mientras que el jefe de la compañía, el Capitán Stone, trata ante todo de preservar las vidas de sus hombres. Sin embargo, el jefe del Batallón, el Coronel Tall solo piensa en lograr sus objetivos, sin preocuparse por el coste en vidas que ello suponga.

Tres décadas antes de que Terrence Mallik llevara a la gran pantalla su propia versión cinematográfica de “La Delgada Linea Roja”, la nóvela homónima de James Jones ya había sido adaptada al cine por el director Andrew Morton. Comparando ambas versiones, creo que esta primera adaptación es en general superior a la de Mallick a la hora de captar el espítitu de la novela de Jones. Escenas como las del Sargento Welsh consolando a Doll cuando este mata a su primer enemigo (“Es solo un pedazo de carne”) o como se retratan las relaciones entre los rangos superiores (Coronel Tall) con los oficiales del frente, son bastante fieles a lo que cuenta original literario.

Sin embargo, la película dista de ser redonda por muchos motivos. En primer lugar, seguramente debido a la cortedad presupuestaria, algunas escenas de acción resultan bastante inverosímiles (especialmente las secuencias finales del asalto al peñón defendido por los japoneses, que me resultaron casi ridículas), y no demasiado espectaculares. Por otra parte, si la versión de 1998 pecaba de demasiado filosófica y de recrearse en exceso en el lirismo visual de las imágenes, esta película adolece de lo contrario, ya que se centra demasiado en el apartado bélico y descuida el aspecto discursivo, que es bastante importante en el libro de Jones. Asimismo, la versión de Mallick es claramente superior a esta en el apartado visual, ya que capta mucho mejor los ambientes tropicales de la isla y la belleza de los paisajes que contrasta con el horror de los combates. También he detectado algún fallo que otro de ambientación, especialmente por el hecho de que se vea, en varias escenas distintas a soldados americanos y japoneses disparando ¡un subfusil MP-40 alemán!, que naturalmente no se usó en el Pacífico. Por último, hay que decir que, aunque la película contiene una alta proporción de escenas de acción, el ritmo que pretende transmitir no es todo lo sostenido que hubiera sido de desear, quizás porque la acción, a fuerza de reiterada, se vuelve un tanto monótona.

En el apartado interpretativo, los actores que aparecen en los papeles principales están correctos en sus interpretaciones y logran hacer creibles sus personajes, especialmente el protagonista, Keir Dullea. A modo de conclusión, se puede decir que “El ataque que duró siete días” logra condensar bien el espíritu de la novela que la inspira, pero se echa de menos algo más de profundidad en la historia, precisamente aquello en lo que la versión de Mallick fallaba por exceso. A pesar de ello, merece la pena verse, aunque sea solo por comparar las virtudes y defectos de ambas versiones de una de las grandes novelas bélicas del S. XX.

Calificacion: 5,5/10

La Crítica de Reisman

Mas allá de las lagrimas (Battle Cry)

Mas allas de las lágrimas (1955)

La accion comienza en 1942, cuando un grupo de jóvenes norteamericanos salen de una estación de tren para enrolarse en los Marines. A través de las vidas de varios de estos marines, enrolados en el 2º Batallon del coronel Huxley (llamados “Los esclavos de Huxley”), asistiremos a su entrenamiento, sus romances, sus problemas personales, y los combates en varias islas del Pacífico .

Tras haber dirigido una decada antes la estupenda "Objetivo Birmania", el realizador Raoul Walsh hizo otra incursión en el cine bélico ambientado en la II GM con este film, basado en una novela del escritor Leon Uris. Sí películas como “Playa Roja” o “Los Diablos del Pacífico” habían roto moldes a la hora de presentar la realidad del frente con un realismo fuera de lo común en su época, “Mas allá de las lágrimas” hace lo propio al presentar la vida de retaguardia y en el campo de entrenamiento. La película se centra en explorar a los hombres que hay bajo el uniforme, y los retrata de una manera bastante insólita para lo que era el cine de los años 50, abordando temas como el adulterio, la promiscuidad de los soldados, el alcoholismo, la añoranza de la familia…etc.

A la hora de valorar la película, se puede decir que es un film que ha resistido mal el paso del tiempo. Sin duda, en su época, era todo un avance mostrar según que comportamientos, por reales que estos fueran, y en ese aspecto la película muestra un grado de realismo desacostumbrado. El principal problema, es el de la falta de ritmo. Tras una primera hora de metraje, plagada de interludios románticos de los distintos personajes, que resulta hoy en dia bastante ñoña y soporífera, el film remonta vuelo solo al final, con las escenas de acción que llegán (al fin) en los últimos veinte minutos. Creo que esta exagerada desproporción entre la parte de drama romántico y la puramente bélica es el mayor defecto del film, cuyos 140 minutos de metraje se hacen excesivamente largos.

Hay que reconocer que el esfuerzo que hace el film por mostrar con franqueza la parte humana de los soldados, así como las complejas realidades personales que se esconden detrás de cada guerra, pero en general a la película le faltan intensidad y pulso narrativo para lograr mantener el interés del espectador. Un título pasable, pero no especialmente memorable.

Calificación: 4/10

Los Diablos del Pacífico (Between Heaven and Hell)

Los diablos del Pacífico (1956)

La historia nos sitúa en una isla indeterminada del Pacífico en 1945. El sargento Sam Gifford (Robert Wagner), tras ser degradado al rango de soldado raso por agredir a un teniente, es enviado a una posición avanzada a modo de oportunidad para rehabilitarse. La posición, mandada por el cruel Capitan que se apoda a sí mismo “Waco” (Broderick Crawford), es una de las más peligrosas de la isla por estar muy cerca de las líneas japonesas, y expuesta a continuos ataques. Mientras Gifford cumple con sus deberes militares, irá recordando sus tiempos en la vida civil como rico dueño de plantaciones de algodón, a la vez que va descubriendo como la vida militar le ha hecho arrepentirse del mal trato que dispensó a sus aparceros.

Si de “Playa Roja” puede afirmarse que fue una película rompedora en muchos sentidos, por salirse de los cánones típicos del cine bélico de su época, otro tanto puede decirse de “Los Diablos del Pacífico”, traducción poco fiel al título original, que sería “Entre el Cielo y el Infierno" y que hacia referencia al purgatorio. La película se basa en la novela de Francis Gwaltney The Day the Century Ended ("El día que terminó el siglo"), cuyos derechos fueron adquiridos por la 20th Century Fox.

En cuanto a la valoración del film, hay que reseñar que pese a tratarse de una producción realizada en plena época de patriotismo cinematográfico como fueron los años 50, la película abordó el relato de la guerra en el Pacífico desde una perspectiva que puede considerarse transgresora para la época. Nos muestra, por ejemplo, a un oficial cobarde y rayano en la sicosis (Waco, quien insiste una y otra vez en que no le llamen “Señor”), asi como los temblores nerviosos de Guifford cada vez que entra en combate (una temprana muestra de lo que se conoce como Fatiga de Guerra); o incluso los problemas sociales de la sociedad norteamericana. En esos aspectos, la película sorprende por su inusitado grado de veracidad dada la época. Este realismo se aprecia tambien en las escenas de acción, que por lo general son breves pero están muy bien filmadas, especialmente las secuencias del desembarco en la playa.

Otro de los aspectos destacables del film son las sólidas actuaciones de los actores principales, entre los que no aparece ningún rostro famoso, pero que consiguen unas actuaciones bastante creíbles. Sin embargo, el film adolece de una serie de defectos que estropean el conjunto. Para empezar, claramente el prolongado flashback que nos muestra el pasado de Guifford como acaudalado plantador rompe mucho el ritmo narrativo y se extiende demasiado para lo que aporta a la historia. Por otra parte, encontré que la película tiene varias escenas destacables, pero, a la vez, falta una mayor continuidad a la hora de hilvanarlas de una manera más atractiva, por lo que se echa de menos una mayor continuidad en el ritmo narrativo. Tampoco me terminó de convencer el peaje en forma de "happy ending" final, que en mi opinión le resta contundencia al mensaje del film, pero al fin y al cabo, eran las exigencias de los años 50.

En cualquier caso “Los diablos del Pacífico” es una película tremendamente meritoria teniendo en cuenta su contexto temporal, y que, al igual que “Playa Roja” se adelantó a su época a la hora de sentar unas nuevas bases dentro del cine bélico. Una película muy recomendable y que merece al menos un visionado por parte de cualquier buen aficionado al cine.

Calificación: 6/10

Playa Roja (Beach Red)

Playa Roja (1967)
La acción nos sitúa en una isla del Pacífico en algún momento de 1943. La compañía de marines del Capitán MacDonald (Cornel Wilde) es una de las unidades que se dispone a asaltar la isla, defendida por miles de fanáticos soldados japoneses, dispuestos a defenderla hasta la muerte. Conforme van entrando en combate, los hombres irán mostrando sus miedos y sentimientos ante el horror que los rodea.

A finales de la decada de los 60, la secuelas morales que la Guerra de Vietnam estaba provocando en la sociedad norteamericana comenzaron a dejarse sentir en el cine de la época. En ese sentido, “Playa Roja” supone un ejemplo de película rompedora e impactante (sobre todo en la época de su filmación). Si hasta entonces la mayor parte de las películas bélicas habían presentado la guerra como un escenario de heroísmo, sacrificio glorioso, y hazañas épicas, “Playa Roja” traslada al espectador a una guerra mucho menos romántica. Los primeros veinte minutos condensan lo mejor del film. En esa parte se nos muestra a los soldados preparandose para desembarcar, y como muchos de ellos muestran (mediante monólogos interiores narrados en “off”) su miedo y angustia ante lo que se les avecina. El desembarco en la playa resulta igualmente estremecedor. Los marines se ven cogidos en medio de una tormenta de fuego, y muchos soldados mueren, o resultan mutilados por las explosiones de artilleria, siendo impactantes las secuencias que muestran a un soldado que ha perdido un brazo. Hasta entonces, ninguna película bélica se había atrevido a mostrar con tanta crudeza la cara real de la guerra.

Otro aspecto destacado del film estriba en el retrato realista que se hace de los personajes, ofreciendo un pequeño mosaico humano de los soldados implicados en la batalla. Soldados profesionales, como el Sargento Honeywell (Rip Torn) solo desean cumplir con su misión, eliminando a tantos japoneses como puedan; otros como el soldado Egan, que solo desea salir de alli para volver a sus andanzas con las mujeres, y también algunos como el soldado Colombo, que es consciente de su cobardía y cuya única prioridad es sobrevivir a cualquier precio. Finalmente, otra cuestión felizmente novedosa es el retrato que se hace del enemigo. Los japoneses, en vez de ser demonizados, aparecen retratados como hombres corrientes, que recuerdan con nostalgia sus casas y familias, al igual que los norteamericanos, lo cual era prácticamente una novedad absoluta en una producción bélica norteamericana.

Hasta ahí se pueden enumerar los aspectos positivos de este film. En cuanto a los negativos, también hay que señalar varios. En primer lugar, hay que decir que tras el brillante arranque de la película, el ritmo decae bastante después de las escenas de lucha en la playa, momento a partir del cual el film se vuelve más plano y previsible. Las escenas de acción que siguen tampoco están especialmente bien filmadas, y los combates se reducen a un par de ametralladoras japonesas disparando contra decenas de marines que atacan. Además, la película comienza a abusar del recurso de los “flashbacks” nebulosos que nos muestran los pensamientos y recuerdos de los protagonistas, a veces mediante el uso de imágenes fijas, que quedan bastante oníricas pero no acaban de encajar bien para mi gusto. En todo caso, aunque es evidente que la historia pierde fuelle conforme avanza el metraje, ello queda compensado en parte por una buena ambientación (la película se rodó en escenarios naturales de Filipinas) y una excelente fotografía en color que capta muy bien los matices cromáticos de la isla tropical.

Los actores, aunque poco conocidos, cumplen bien en sus papeles con unas interpretaciones que transmiten naturalidad, y el que no haya un “heroe” protagonista redunda en una mayor veracidad del film. En definitiva, “Playa Roja” puede considerarse un hito dentro del cine bélico, no tanto por su calidad cinematográfica (estimable, pero no sobresaliente), sino por haberse adelantado bastantes años al mostrar el cámino que iba a seguir el cine bélico moderno. Ciertamente, películas como “La Delgada Linea Roja”; “Salvar al Soldado Ryan” o “Cartas desde Iwo Jima” les deben más de un fotograma a “Playa Roja”. "

Calificación: 7/10

La Crítica de Reisman

La Colina (The Hill)

La Colina (1965)

En un campo disciplinario del ejército británico, situado en una inhóspita zona del desierto norteafricano, un grupo de prisioneros ingleses se encuentra encarcelado en un campo militar del norte de África llegan 5 nuevos reclusos acusados de diversos casos de indisciplina. Allí sufrirán la brutal disciplina del Sargento Mayor Wilson, y en especial de su cruel subordinado, el sádico sargento Williams, cuyo mayor entretenimiento consiste en hacerles subir y bajar, cargados con todo el equipo, un terraplen artificial de arena conocido como “La Colina”. Pese al duro trato que recibe, uno de los prisioneros, el Sargento Roberts (Sean Connery) no dudará en enfrentarse a sus captores para defender su dignidad y la del resto de prisioneros.

Manejando las claves típicas del subgénero carcelario, el director Sidney Lumet construye una historia con un marcado acento antimilitarista, donde se muestra hasta que punto puede llegar a atentarse contra la dignidad humana. “La Colina”, supone una reflexión sobre temas como el abuso de las atribuciones del mando, el racismo, la doble moral, o la deshumanización a la que conduce la disciplina militar llevada al extremo.

Personalmente he encontrado esta película algo irregular. En el plano visual, Lumet muestra su virtuosismo en la dirección, mediante un ágil manejo de los planos, que van alternando la perspectiva según las distintas situaciones que se van produciendo. Pero lo cierto es que a la película le cuesta arrancar, y se hace bastante lenta en la primera mitad del metraje, hasta que comienza a levantar el vuelo, tras una escena –en mi opinión la más lograda del film- en la que el Sargento Wilson logra imponer sus argumentos para sofocar un amago de motín entre los reclusos. Sin embargo, creo que la película adolece en determinados momentos de caer en situaciones un tanto sobreactuadas, y de cierta tendencia al efectismo, lo cual le resta brillantez al conjunto.

En el aspecto interpretativo, hay que decir que los actores en general logran buenos papeles. Destaca la presencia de un joven Sean Connery, quien logra una sólida interpretación en el papel del rebelde e inconformista Sargento Roberts, asi como Harry Andrews, muy convincente en el complejo papel del Sargento Mayor Wilson.

En resumen, “La Colina” me ha parecido una película estimable, pero algo falta de gancho para seducir al espectador y mantener el interés a lo largo del metraje. Más interesante por lo que cuenta que por como lo cuenta.

Calificación: 5/10

El Gran Rescate (The Great Raid)

El Gran Rescate (2005)

La acción se sitúa en Filipinas, a comienzos de 1945. Tras los desembarcos de las fuerzas de Mac Arthur en Luzón, la inteligencia americana tiene conocimiento que los japoneses están empezando a masacrar a los prisioneros de guerra para evitar su liberación. A fin de impedir una nueva matanza, el teniente coronel Henry Mucci del 6º batallón de Rangers recibe el encargo de infiltrarse con una compañía, al mando del Capitán Prince, en la retaguardia enemiga con la misión de liberar el cercano Campo de Cabanatuan, donde aun se encuentran 500 prisioneros de guerra supervivientes de la Marcha de la Muerte de Batáan. Simultáneamente, una enfermera que colabora con la resistencia filipina en Manila, Margaret Utinsky, intentará salvar la vida de su antiguo amor, un oficial recluido en Cabanatuan y enfermo de malaria.

El irregular (y en mi opinión mediocre) director John Dahl nos ofrece una película bélica basada en los hechos reales de la liberación del campo de Cabanatuan y el rescate de los 511 prisioneros de guerra que se encontraban allí recluidos desde 1942. El arranque de la película es bastante bueno, con una presentación en forma de imágenes de archivo en blanco y negro que nos describen brevemente la situación desde la captura de miles de soldados americanos tras la capitulación de Bataán hasta los desembarcos de Mac Arthur en Filipinas. El interés se mantiene hasta la presentación del plan de rescate, es decir, durante los primeros diez minutos del metraje. A partir de ahí, el ritmo narrativo decae en picado y la película se vuelve extremadamente lenta. Ello se debe en gran parte a que las otras dos subtramas que se introducen, en concreto las actividades de la enfermera Margaret con la resistencia filipina para hacer llegar medicinas a su amado, y la situación de los prisioneros en el campo, extienden demasiado el metraje sin aportar gran cosa, y además ralentizan mucho el desarrollo del argumento principal, la misión de rescate.

Tampoco me terminó de convencer el tono general que destila la historia, rindiendo un claro tributo al heroísmo americano y centrándose bastante en la parte épica de la misión de los Rangers, un poco al estilo de las producciones de los años 60. Bajo mi punto de vista, además, todo el film resulta demasiado plano y previsible. La infiltración de los marines por la jungla parece una excursión campestre, y la dificultad de la misión no se aprecia por ningún lado. Además, la construcción de los personajes se antoja demasiado simple. En pocas palabras, hay “buenos” (los americanos) y “malos” (los japoneses), aunque, al menos el film tiene el detalle de destacar la importante participación de la guerrilla filipina en la liberación de su país y el valor de su colaboración con las tropas norteamericanas.

En cuanto a la acción, esta se reduce al asalto final al campamento, secuencias que no resultan especialmente espectaculares, solo correctas en el mejor de los casos, y deslucidas por una fotografía nocturna que apenas permite discenir lo que ocurre en pantalla. Por lo que respecta al reparto, este me pareció igual de plano que el guión. No hay ningún papel sobresaliente, y los personajes en general me parecieron bastante inexpresivos. La verdad es que los actores tampoco es que den mucho de sí en sus respectivas interpretaciones, el más conocido, Joseph Fiennes, hace de oficial enfermo de malaria, limitándose a poner cara de moribundo todo el rato, y con eso está todo dicho.

En definitiva, “El Gran Rescate” es un nuevo título rodado a mayor gloria del heroísmo norteamericano, y aunque se deja ver, es una película muy falta de ritmo y de originalidad. Decepcionante en muchos aspectos.

Calificación: 4,5/10

Feliz Navidad Mr. Lawrence (Merry Chistmas Mr. Lawrence)

Feliz Navidad Mr. Lawrence (1983)

La acción comienza en el año 1942, en un campo japonés para prisioneros británicos situado en Java. El campo es dirigido con mano de hierro por el Capitán Yonoi (Ryiuchi Sakamoto), un oficial convencido de la superioridad moral de los valores japoneses, con la ayuda del brutal sargento Hara (Takeshi Kitano) que maltrata frecuentemente a los reclusos. Uno de los prisioneros británicos, el coronel John Lawrence (Tom Conti), es el oficial de enlace entre japoneses y prisioneros, y, gracias a su dominio del idioma japonés y conocimiento de la cultura japonesa, intenta actuar como puente entre unos y otros. La llegada al campo de un nuevo prisionero, el comandante Jack Celliers (David Bowie), al que los japoneses desean sacar información sobre las actividades de la guerrilla local, desatará una fuerte tensión en el campamento, situación que se complicará aun más cuando el propio capitán Yonoi comieza a sentirse atraido por Celliers.

El director japonés Nagisa Oshima, (que años atrás se habia hecho célebre escandalizando a la sociedad de su tiempo con la carnalidad explícita de “El Imperio de los Sentidos”) dió el salto al mercado occidental, con esta coproducción entre Japón y Gran Bretaña, que suponía la adaptación cinematográfica de la novela "La Semilla y el Sembrador", del escritor Lawrence Van Der Post. La película, al igual que el original literario, explora las complejas relaciones humanas que se producen entre carceleros y encarcelados, en el contexto de la brutalidad inherente a toda guerra y con el tema del choque entre culturas de fondo. Sin embargo, el eje central de la historia, es el poner de relieve como, pese al aparente conflicto de culturas y más allá de las barreras idiomáticas o raciales, al final todos los seres humanos somos afines. Personalmente encuentro que ese trasfondo filosófico que la película trata de transmitir está muy logrado, y realzado además por una excelente banda sonora de acordes nostálgicos, que acompaña perfectamente las escenas cruciales del film.

En cuanto a lo que no me gustó del film, creo que pueden señalarse varios aspectos. En primer lugar, creo que el ritmo narrativo se hace excesivamente lento en más de una parte, especialmente al recrearse en algunos simbolismos orientales que no resultan digeribles por el espectador occidental y que bien podrían haberse acortado o suprimido. Por otra parte, creo que la trama se desvía innecesariamente de su eje central cuando, en un prolongado flashback, se nos muestra la atormentada historia del hermano pequeño de Cellier. Pero, quitando estos fallos, hay que decir que la película resulta bastante atractiva en el plano visual, con una fotografía de tonos cenicientos que realza la crudeza de los acontecimientos que se narran.

En el apartado interpretativo, hay que decir que los actores están en general bastante bien. El músico David Bowie logra una buena interpretación como Celliers, y Tom Conti está sobresaliente en su papel de Lawrence. Por la parte japonesa, destaca especialmente Takeshi Kitano, como el brutal Hara, y el otro músico del reparto, Sakamoto, (quien además es el autor de la banda sonora), que compone un sólido personaje como capitán Yonoi.

En resumen, “Feliz Navidad Mr. Lawrence” me parece una película no redonda, pero sí que bastante destacable en varios aspectos. La profundidad del argumento, hace que la historia transcienda el típico drama carcelario de prisioneros de guerra, a una película con unos interesantes tintes filosóficos, y algunas escenas muy logradas. Especialmente memorables son las secuencias finales, que construyen un magistral desenlace del film. Una película algo irregular, pero muy recomendable.

Calificación: 7,5/10