El Coronel Von Ryan (Von Ryan´s Express)

El Coronel Von Ryan (1965)

El protagonista de esta película es un oficial norteamericano, el coronel de aviación Joseph Ryan, (interpretado por Frank Sinatra) quien tras ser derribado su avión es destinado a un campo de prisioneros aliados en Italia, donde los soldados viven en condiciones de hacinamiento e insalubres y a la merced del corrupto comandante italiano que gobierna el campo. Como el coronel Ryan desea ante todo mejorar las condiciones de vida del campo y se opone a los planes de fuga mediante un tunel que están realizando los prisioneros bajo el mando del oficial británico de mayor rango del campo, pronto recibe el irónico mote de Von Ryan. Pocas semanas después se produce la rendición italiana y los prisioneros aprovechan la confusión para huir del campo, si bien vuelven a ser capturados, cayendo en manos alemanas. Entonces, durante el traslado en tren de los prisioneros Ryan comienza a planear un arriesgado plan de fuga que consiste en secuestrar el tren y escapar en el hacia la frontera suiza, suplantando a los captores alemanes.

A la hora de comentar "El Coronel Von Ryan" lo primero que llama la atención es la evidencia de que esta película resulta notablemente deudora de la exitosa “La Gran Evasión” (estrenada solo dos años antes), respecto a la cual se aprecian notables paralelismos. Aunque, a diferencia de aquella, este film presenta un mayor realismo a la hora de reflejar las deficientes condiciones de reclusión en el campo de prisioneros (nada que ver con el “semiparaiso” del Stalag de LGE) y tratar el tema de la rivalidad anglo-norteamericana, algo poco apuntado hasta entonces en el cine bélico. La historia de la fuga resulta bastante espectacular pero poco creible, y naturalmente tiene un final bastante acorde con el tono “peliculero” de la escapada del tren de prisioneros.

Por lo demás esta película no ofrece aspectos demasiado memorables. La interpretación estelar de Sinatra como el Coronel Ryan no pasa de discreta, y en vista de papeles como este no es de extrañar que el cantante pasara buena parte de la década de los 60 tratando de relanzar su decaida carrera cinematográfica.

En resumen, “El Coronel Von Ryan” resulta un titulo medianamente entretenido pero pertenece a la categoría de películas fácilmente olvidables.

Calificación: 4/10

De Aquí a la Eternidad (From Here to Eternity)

De Aquí a la Eternidad

La acción nos sitúa en una base del ejército americano en Hawaii en los meses previos al ataque contra Pearl Harbor. El soldado Prewitt es trasladado del cuerpo de cornetas a infantería por negarse a boxear tras dejar ciego a un contrincante. Sin embargo su nuevo oficial, el Capitán Holmes, sabe que es un buen boxeador y quiere obligarlo a combatir. Pese a ello, Prewitt se niega, por lo que comienza a recibir el “tratamiento”, es decir, una serie de medidas de presión para amedrentarlo. Simultáneamente, el suboficial a cargo de la compañía, el sargento Milt Warden (Burt Lancaster) comienza un romance con Karen Holmes, la atormentada esposa del capitán Holmes (Deborah Kerr), que vive muy infeliz debido a la inmoralidad de su esposo; mientras Prewitt se enamora perdidamente de una prostituta, Alma. Las historias de estos cuatro personajes se entrelazaran justo en el crítico momento en el que los japoneses lanzan su ataque sorpresa contra Hawai.

A la hora de alabar la calidad cinematográfica de “De aquí a la eternidad” hay que comenzar diciendo que gran parte del mérito es del texto original de la novela del mismo título que la inspira, una de las mejores novelas ambientadas en el ejército que se haya escrito. El libro, del escritor norteamericano James Jones (quien se inspiró en su experiencia personal como soldado para escribir la novela, y autor de la también llevada al cine "La Delgada Linea Roja") es para mi gusto uno de los mejores del S. XX. La compleja estructura de la novela, la profundidad sicológica de sus personajes y su riqueza en detalles fue sintetizada a la perfección en un magnífico guión que supo condensar el argumento sin que se perdiera el espíritu del texto literario.

Aparte de lo dicho, el otro gran activo de esta película es la efectividad de un reparto en estado de gracia. Nadie mejor que Burt Lancaster para interpretar al duro sargento Warden, y es difícil imaginar a alguien distinto de Montgomery Cliff interpretando al atormentado Prewitt. También están magníficos el elenco de secundarios, especialmente Deborah Kerr como la desdichada mujer de Holmes, e incluso Frank Sinatra (seguramente en su papel cinematográfico más logrado) como Maggio, el mejor amigo de Prewitt.

El que la película conserve hoy gran parte de su frescura, se debe, precisamente a que respetó en gran medida el trasfondo de la obra de Jones, una historia sincera, directa, y absolutamente creíble. Ahora bien, no debe olvidarse que la época en la que se rodó el film (principios de los 50) no permitía según que cosas. Una de las partes mas esenciales de la novela, los maltratos que sufre Prewitt en la prisión militar, no aparece en la película, y sobre todo, el final que en el libro es absolutamente desolador, es un poco cambiado en el filme para no resulte tan truculento como en la novela.

En cualquier caso, “De aquí a la eternidad” es uno de esas películas atemporales, y uno de los clásicos del Séptimo Arte.

Infierno en el Pacífico (Hell in The Pacific)

Infierno en el Pacífico (1968)

Un soldado japonés que ha naufragado en una isla desierta del Pacífico contempla un dia como llega a la misma otro naufrágo, esta vez un oficial norteamericano. Tras descubrirse mutuamente, ambos hombres comenzaran un arduo enfrentamiento personal tratando de eliminarse el uno al otro, para luego caer prisioneros (de forma sucesiva) del adversario y sufrir el maltrato de este. Sin embargo, la soledad de la isla acaba imponiendo una relación de colaboración entre ambos, con el fin de construir una balsa que les permita volver a la civilización. A partir de ese momento, el antagonismo de los dos hombres se irá convirtiendo en camaradería, y finalmente en amistad.

El director John Boorman abordó con “Infierno en el Pacífico” un arriesgado proyecto, como el que suponía realizar este largometraje con solo dos personajes y sin apenas diálogos. Pese a ello, hay que reconocer que la película consigue mantener el tipo, apoyada en las buenas interpretaciones de los grandes actores Toshiro Mifune y Lee Marvin (dos clásicos de las películas bélicas) así como por la plasticidad de la excelente fotográfia y los escenarios naturales de la isla.

También resulta acertado como la película va mostrando el proceso del progresivo acercamiento del japonés y el americano, que hace que la historia, pese a su poca viveza narrativa, no aburra, lo cual es un gran logro teniendo en cuenta las limitaciones arguméntales de la misma. Quizás lo que no termina de cuadrar en el conjunto del film es el final, que me pareció algo forzado y con un punto efectista.

Por lo demás, “Infierno en el Pacífico” es una película algo lenta pero digna de verse, sobre todo por la reflexión implícita sobre la naturaleza humana que contiene, aunque eso sí, tampoco puede considerarse una de las mejores películas del género.

Calificación: 6/10

La Lista de Schlinder (Schlinder´s List)

La Lista de Schindler (1993)

La película nos narra la historia real de Oskar Schindler, un ambicioso empresario alemán, que se hace miembro del Partido Nazi como medio para conseguir suculentos contratos para su empresa de manufacturas, para la cual consigue hacerse con mano de obra judia gracias a sus influencias. Pese a ser un hombre práctico, Schindler irá pasando de su utilitarismo inicial al horror ante las atrocidades nazis contra los judios, por lo que decide usar su fábrica como via de escape para cientos de judios del infierno del ghetto de Cracovia y del monstruoso comandante nazi Amon Goeth, responsable del campo de concentración de Plaszow.

La Lista de Schlinder es, claramente, otro de los proyectos personales de Spielberg, quien quiso mostrar toda la crudeza del holocausto a la vez que homenajear a una persona supo sacar lo mejor de sí mismo en tiempos de oscuridad. Usando una fotografía en B/N que acentua el tono hiperealista y casi documental de la cinta que nos muestra las dos caras indisolubles del alma humana: la maldad y la bondad, ambas en sus formas más extremas.

La película contiene escenas que estremecen por su impacto visual, como la entrada al campo de concentración, la lluvia de cenizas sobre los hombros de Schindler, o las angustiosas escenas de las duchas de gas, además de la famosa escena del la niña del abrigo rojo, cargada de simbolismo. Respecto a los actores, destaca el trio protagonista Liam Neeson (Schindler) el contable judio (Ben Kingsley) y el sádico comandante Goeth, interpretado por Ralph Fiennes. De los tres, destacararía especialmente a Fiennes, quien logra una interpretación magistral del sanguinario oficial de la SS a cargo del campo. Neeson está bien en su papel de Schindler, aunque quizás no acaba de darle una dimensión más amplia a su personaje.

En definitiva, “La lista de Schindler” es una de esas películas imprescindibles, más por lo que cuenta, por como lo cuenta; y como recordatorio de unos hechos que la humanidad debe tener siempre presentes para evitar que se repitan.

Calificación: 8/10

El Pianista (The Pianist)

El Pianista (2002)

Polonia, año 1939. Wladyslaw Szpilman, un brillante pianista polaco de origen judío, ve como su prometedora carrera musical y su vida resulta truncada por la invasión alemana y el consiguiente confinamiento de los judios en las inhumanas condiciones del Ghetto de Varsovia. Tras ocultarse para escapar a la deportación, tendrá que sobrevivir prácticamente solo entre las ruinas de la capital polaca, hasta que con la ayuda de un oficial alemán que comparte su afición por la música podrá salir adelante.

Roman Polanski, director de origen polaco con una larga carrera en EEUU y algunas películas brillantes en su haber (como “El Baile de los Vampiros” o “Chinatown"), quiso abordar uno de sus dramas personales (sus padres murieron en campos de concentración) acercándose con este relato biográfico al personaje de Szpilman. Quizás por causa de esa implicación emocional del director, la película trata de mostrar de manera objetiva la historia real de los judios polacos y de la población de Varsovia de una manera un tanto fría y desapasionada. La película retrata los hechos tal cual, sin adornos ni juicios de valor, lo cual tiene su parte positiva; por ejemplo al humanizar a los alemanes a través del personaje que ayuda a Szpilman, también redunda en un cierto distanciamiento del espectador respecto a lo que contempla en pantalla. Eso se traduce en una acusada ralentización del ritmo de la película en varias partes del metraje que podrían haberse acortado sin afectar sustancialmente la integridad del film.

Entre los aspectos positivos, cabe destacar la sobria y realista interpretación de Adrian Brody, que encarna a la perfección la soledad y el hastío del Szpilman aislado del mundo y luchando únicamente por sobrevivir. También es digna de reseñar la cuidada ambientación de los escenarios de Varsovia, perfectamente recreados para reflejar las condiciones de la ciudad ocupada por los alemanes.

En conclusión se puede decir que “El Pianista” es una película bien filmada pero a la que le falta “alma” para llegar a conmover, en un tema ya bastante trillado en el cine como es el del holocausto nazi. Personalmente la encontré un punto por debajo de “La Lista de Schindler”.

Calificación: 6,5/10

La Batalla del Rio de la Plata (The Battle of the River Plate)

La Batalla del Rio de la Plata (1956)

Año 1939, la II GM acaba de estallar y mientras en tierra se desarrollan las primeras batallas, en el mar, el Acorazado de Bolsillo alemán Admiral Graf Von Spee del capitán Langsdorff recorre los oceanos en misión de corsario, hundiendo miles de toneladas de mercantes aliados. Para proteger las rutas navales, el almirantazgo británico destaca a una flotilla de cruceros, el Ajax, el Exeter y el Aquiles, bajo el mando del comodoro Harwood con la misión de localizar y dar caza al Graf Spee.

Como su propio título indica, La Batalla del Rio de la Plata viene a recrear uno de los episodios navales más notables de la II GM, y uno de los escasos enfrentamiento entre buques de superficie alemanes y barcos de la Royal Navy. En este caso, la película recrea la singladura del acorazado de bolsillo alemán Admiral Graf Spee y su posterior hundimiento frente a la costa uruguaya. Tras zarpar de Alemania en Agosto de 1939, el Graf Spee había hundido varios buques mercantes británicos actuando como corsario, de modo que el Almirantazgo decidió darle caza destacando una flotilla de cruceros al efecto, que finalmente, en Diciembre de 1939, lograron hundir el buque alemán.

Esta producción, al viejo estilo de las antiguas películas bélicas, más que un reflejo de los hechos bélicos se centra en el duelo personal entre los protagonistas, el comandante alemán y el británico, que se comportan de una forma elegante y caballerosa, y combaten por sus altos ideales patrióticos, pero con correción y casi deportividad, un poco al estilo de “Duelo en el Atlántico”. No cabe duda que esta película está rodada con una buena factura en cuanto a fotografía y ambientación, aunque la narración resulta algo desapasionada y falta de chispa.

Si bien las limitaciones en cuanto a efectos especiales de la época imponen que los combates navales no resulten especialmente espectaculares, los hechos son presentados con estricto rigor histórico y la figura del capitán Langsdorff (un marino tradicional y caballeroso, que por ejemplo, se negaba a hacer el saludo nazi) es tratada con bastante respeto, sin caer en el maniqueísmo fácil de presentarlo como un fanático. Las interpretaciones de los actores protagonistas resultan igualmente bastante correctas, aunque sin destacar especialmente ninguna de ellas.

En resumen, se trata de una película correcta y entretenida, especialmente recomendada para los aficionados a la historia naval y los barcos.

Calificación: 6/10

Hermanos de Sangre (X): Puntos

Hermanos de Sangre (X): Puntos

La acción nos situa en abril de 1945. La compañía Easy se encuentra en los Alpes con la tarea de capturar el refugio alpino de Hitler, el Nido del Águila, el cual encuentran desocupado y lleno de botín. Poco después la guerra termina en Europa con la rendición alemana y la compañía es acantonada en Austria como tropas de ocupación. La falta de acción dará lugar a algunos altercados y sobre todo al decaimiento de la moral de los soldados, muchos de los cuales no han reunido los suficientes puntos de combate para terminar su servicio en el ejército, pero desean volver a su hogares. Mientras, se rumorea que la Easy puede ser trasladada al Pacífico donde la guerra contra los japoneses aun continúa.

Este décimo episodio pone el broche final a esta magnífica seria de una forma bastante digna. Y lo hace tratando un tema poco visto en el cine bélico, pero realmente interesante: el de la desmovilización del combatiente, y el díficil retorno (sobre todo psicológico) del soldado a los tiempos de paz. Este episodio refleja de manera bastante realista los sentimientos encontrados de los hombres que tras sobrevivir a la guerra se encuentran por un lado deseosos de volver a sus vidas anteriores, pero por otro, desanimados por el anti climax de la vida en tiempos de paz.

El episodio termina con una fugaz aparición, quizás un tanto forzada, del malhadado Capitán Sobel (aun bastante resentido con Winters y su antigua compañia), y con un emotivo discurso de un general alemán despidiendo a sus tropas. Finalmente unos rótulos nos informan acerca del destino de los principales integrantes de la Easy después de la guerra. En definitiva, Puntos, es un más que digno punto y final de esta magnífica serie.

Ser o no Ser (To be or not To be)

Ser o no Ser (1942)

Polonia, año 1939. Una compañía de teatro ensaya para estrenar “GESTAPO” una obra antinazi, pero las presiones políticas para no provocar al gobierno alemán obligarán a suspender la representación a que finalmente se lleve a escena Hamlet. Tras la invasión alemana, el teatro es cerrado por los alemanes, pero los actores principales de la compañía, el matrimonio formado por Joseph y Maria Tura, se verán envueltos en una trama de la resistencia cuando un espía nazi consigue sus nombres a través del amante de Maria Tura, un piloto polaco exiliado en Inglaterra. A partir de ese momento, la compañía deberá montar una nueva función, esta vez para escapar de Polonia haciendose pasar por… miembros del séquito de Hitler.

Esta obra maestra de Ernst Lubitsch (quien se exilió de Alemania huyendo de los nazis) está considerada justamente una de las mejores comedias de la historia del cine. Al trásfondo de corrosiva sátira antinazi, la película ofrece momentos de absoluta inspiración, en forma de brillantes e ingeniosos diálogos y algunos gags muy conseguidos, marca Lubitsch. Especialmente memorables son las escenas del coronel Erhard llamando a su ayudante Schultz para culparlo de todo lo que sale mal; el gag inicial, mostrando el paseo del falso “Hitler” por las calles de Varsovia; y, como no, el brillante final (Primero fue Hess… y ahora él).

También destacan las magistrales interpretaciones del duo protagonistas Jack Benny y Carole Lombard y un elenco de actores entre los que figura un joven y seductor Robert Stack (Stanislav Sobinski). En 1983, Alan Johnson dirigió un remake producido e interpretado por Mel Brooks, que rinde homenaje a esta película, aunque naturalmente el resultado fue bastante inferior al original.

Sin duda, “Ser o no ser” es una de las mejores comedias de la historia del cine.

Calificacion: 9/10

La Vida es Bella (La Vita é Bella)

La Vida es Bella (1998)

La acción nos sitúa en Italia, en 1939. Guido Orefice, un joven judío con inclinaciones literarias y su amigo, el poeta Ferrucio, se encuentran de viaje por la Toscana, en el curso del cual Guido se enamorará de Dora, una profesora local que está prometida con un malcarado jefe fascista local. Después de algunas peripecias, Guido se casa con Dora y ambos tienen un hijo, Giosué, pero su feliz existencia se verá truncada cuando padre e hijo son enviados a un campo de concentración alemán, acompañados de Dora, que decide seguirlos voluntariamente. Ya en el campo, Guido hará todo lo posible por ocultarle la crudísima realidad del campo a su hijo, disfrazando los hechos que les ocurren como un juego en el que el vencedor ganará un carro blindado.

Roberto Benigni consiguió con “La vida es bella” algo que parecía imposible. No solo se atrevió a tratar en clave de comedia un tema tan espinoso como el de los campos de concentración y el exterminio judio, sino que además lo hizo con una sensibilidad exquisita, evitando caer tanto en la sensiblería fácil como en el maniqueísmo de la denuncia evidente. Benigni está ademas perfecto en su interpretación llena de matices de Guido, un papel que se le ajusta como un guante, sin olvidar las estupendas actuaciones de Nicoletta Braschi (Dora) y el niño Giorgio Cantarini (Giosué).

La narración que va alternando humor, ternura y amor, evita caer en todo momento en la dulzoneria fácil y creo que precisamente por eso la historia resultan tan profundamente humana y conmovedora, de esas que llegan realmente al interior del alma. La película contiene escenas memorables, como Benigni explicando el por qué de la “raza superior” a los niños en la escuela; o cuando “traduce” las secas explicaciones de un guardia del campo a los prisioneros cambiando por completo el sentido de las mismas. Pero por encima de todo, el mayor mérito de “La vida es bella” es su mensaje de esperanza; mostrando que los seres humanos, por difíciles que sean las circunstancias, pueden sobreponerse y encontrar la felicidad incluso en los lugares más desoladores del mundo.

Para mi, una de las diez mejores películas de todos los tiempos.

Calificación: 9,5/10

¿Donde está el Frente? (Which way to the Front?)

¿Dónde está el frente? (1970).

El millonario Brendan Byers III (Jerry Lewis), dueño de un gran grupo de empresas, decide, tras ser rechazado por el ejército, formar y financiar su propio comando de operaciones especiales para ayudar al esfuerzo de la causa aliada. Tras reclutar a un equipo de hombres, parte con ellos hacia Italia, donde el avance aliado lleva meses estancando, y donde Byers espera realizar una arriesgada misión: ir a Italia y raptar al comandante supremo alemán, el Mariscal Kesselring y sustituirlo por el propio Byers para sabotear las operaciones alemanas desde el mismo cuartel general del mariscal.

Rodada en 1970, cuando el popular cómico Jerry Lewis, después de un absoluto esplendor en la década de los 50, estaba ya en franca decadencia; ¿Dónde está el frente? resulta una comedia fallida. Las causas de esto van desde una realización poco cuidada (por cierto, que Lewis además de protagonizarla era director de la película) hasta un guión poco elaborado que no acaba de cuajar en ningún momento, y unas actuaciones, pese a los excesos histrionicos de Lewis, francamente mediocres.

Con todo, hay que reconocer que contiene algúnas escenas medianamente hilarantes: el curso de alemán en gramófono que el protagonista intenta seguir en el barco rumbo a Italia; también cuando Byers, suplantando a Kesselring condecora con bastante mala saña a los paracaidistas alemanes; o el encuentro de Hitler con Kesselring en el búnker. Pero, quitando esos gags aislados, en general, la película es bastante flojita y marca casi un punto final en la carrera de Lewis; quien no volvería a aparecer en el cine hasta diez años después.

El Gran Dictador (The Great Dictator)

El Gran Dictador (1940)
La película comienza en la Primera Guerra Mundial, cuando un soldado de Tomania salva la vida de un oficial llamado Schultz que lleva unos importantes documentos que pueden cambiar el curso de la guerra, pero que llegan demasiado tarde porque el avión que lo transporta se estrella. La guerra termina y después de un tiempo en el hospital el soldado de origen judio vuelve a su barbería en el guetto. Sin embargo, Tomaína ha caido en manos de un cruel dictador Astolfo Hínkel, quien ha empredido una despiadada campaña contra los judios apoyado en sus ministros Herring (trasunto de Goering) y Garbitshc (trasunto de Goebbels). Pese a ello el barbero es protegido por Schultz, ahora un importante cargo, y puede seguir su vida y su romance con una judía llamada Hannah, hasta que una serie de peripecias y su parecido con Hynkel le harán verse envuelto en los planes de conquista del dictador y su aliado Napoloni (alter ego de Mussolini).

Es dificil contar algo nuevo de una de las películas míticas del cine como es el “El Gran Dictador”. Esta feroz y lucida crítica del totalitarismo (fascista en ese caso, pero aplicable a cualquier dictadura) ha perdurado justamente por la absoluta vigencia del mensaje que nos transmite, aun hoy, casi setenta años después de su estreno. Sin ser la mejor película de Chaplin (ese mérito se le suele atribuir a “Tiempos Modernos”) lo cierto es que el genial Charlot compuso uno de los alegatos mas contundentes que el septimo arte haya contemplado en favor de la libertad del ser humano. Y este film cobra un valor añadido si tenemos en cuenta que apunta con asombrosa clarividencia todos los horrores del régimen nazi que en la fecha de su estreno (1940) apenas podían vislumbrarse.

Si de enumerar escenas se tratara, apenas tendría espacio, pero por resaltar algunas me quedaría con las siguientes:

- El histérico discurso inicial de Astolfo Hinkel, toda una denuncia del histrionismo de Hitler y de la vaciedad de la parafernalia nazi.

- Las escenas de Hínkel con Napoloni, absolutamente magistrales en su finalidad paródica. Destacaria de entre estas escenas cuando contemplan el desfile de tropas (“Esos son mis aviones” dice Hinkel; y cuando uno se estrella, Napoloni añade, “Sí, son los suyos); o la hilarante escena de las sillas hidraulicas que ambos dictadores accionan para quedar por encima del otro.

- Por supuesto, la escena de Hinkel jugando embelesado con el globo del mundo. Auténtico icono de la historia del cine.

- El profundo, desgarrador y emotivo discurso final del barbero suplantando a Hynkel, imposible de ver sin que se te haga un nudo en la garganta.

Por ello, podemos considerar “El Gran Dictador” como una de esas raras películas inmortales que podemos ver una y otra vez sin cansarnos de ellas.

La Calle del Adios (Hanover Street)

La Calle del Adios (1979)

La acción nos sitúa en Inglaterra. Un piloto de bombarderos norteamericano, el carismático pero díscolo Teniente Halloran (interpretado por Harrison Ford), conoce a Margaret, una bella enfermera británica casada, con la que empieza un romance. El Marido de Margaret, Paul Selliger (Christopher Plummer) es un inteligente pero anodino miembro de la inteligencia británica que nunca ha visto la acción de cerca. Impulsado por el distanciamiento de su esposa, y deseoso de realizar un acto heroico, Paul decide ofrecerse voluntario para una peligrosa misión en la Francia ocupada con el objetivo de sustraer unos importantes documentos alemanes. Sin que el lo sepa, el piloto encargado de llevarlo no será otro que el amante de su mujer, Halloran. Cuando el avión de este resulta derribado, ambos hombres habrán de cooperar para culminar la misión.

“La Calle del Adios” resulta un flojo melodrama bélico que, siguiendo el estilo de los títulos de los años 40, se centra en las difíciles historias de amor que surgen en tiempos de guerra. La historia está contada de una forma correcta, pero sin brio ni emoción, sobre todo en lo que a la historia del triángulo sentimental se refiere. Afortunadamente, la parte de acción, en el tercio final de la película, consigue levantar un poco el vuelo y captar en mayor medida el interés del espectador. Las escenas que comparten los dos personajes protagonistas y el contraste entre sus caracteres opuestos (el aventurero impulsivo personaje de Halloran frente al convencional pero reflexivo de Paul) son lo mejor que ofrece el film, principalmente porque hay cierta quimica entre un joven Harrison Ford (que comenzaba a despuntar) y el veterano Plummer. El desenlace, (como no podía ser de otro modo) se acerca bastante al típico y emotivo final feliz que se ve venir desde antes que acabe la película.

En resumen, “La Calle del Adios” puede considerarse un título menor dentro del cine ambientado en la II GM, si bien con algunas cualidades que evitan que caiga del todo en el olvido.

La Batalla de Midway (Midway)

La batalla de Midway (1976)

Frente del Pacífico, Junio de 1942. Tras la indecisa Batalla del Mar de Coral, los japoneses se preparan para descargar su próximo golpe contra la flota americana. Gracias a los esfuerzos del servicio de inteligencia naval, que identifican la clave de la armada nipona, los americanos descubren que los japoneses se preparan para atacar un objetivo denominado en clave “AF” que resulta ser la estratégica isla de Midway. El comandante del Pacífico, almirante Nimitz prepara la defensa de la isla procurando atraer a los japoneses a una emboscada tendida por los portaaviones de los almirantes Spruance y Fletcher. Esto dará lugar a la batalla más decisiva del teatro del Pacífico.

Siguiendo la estela de grandes producciones bélicas como Tora! Tora! Tora!, la Batalla de Midway es una película que nos narra con gran lujo de detalles unas de las grandes batallas de la II GM. Desde el punto de vista histórico, la película es bastante fiel a los hechos reales, los cuales son descritos con bastante realismo: el éxito de la inteligencia americana, las deficiencias del reconocimiento japonés, la indecisión de Nagumo a la hora de armar sus aviones con torpedos o bombas…etc. El reparto, como solía ser habitual en estas producciones, es estelar, incluyendo a actores como Charlton Heston, Henry Fonda, James Coburn y el inevitable Toshiro Mifune como el gran almirante japonés, Yamamoto. De todos ellos yo destacaría a Henry Fonda, que logra una muy buena interpretación en el papel de Nimitz.

Como digo, el rigor histórico y el reparto son los mayores activos de esta película. En cuanto a sus puntos flacos, yo señalaría varios. En primer lugar, la recurrente inclusión de escenas de combates reales sacadas de documentales entre las escenas filmadas “chirria” en más de una ocasión (especialmente en una escena en la que vemos un avion Corsair que no estaba en servicio en esa época). En segundo lugar, se intercala una historia de amor entre el hijo del personaje que interpreta Charlton Heston con una japonesa de origen americano internada en Hawai que no conduce a ningún sitio. Por último considero que la parte culminante del film, el combate sobre Midway, está pobremente resuelto en lo que a las escenas de acción se refiere. Los efectos especiales en dichas secuencias dejan mucho que desear y no resultan nada espectaculares, pese a que los medios de la época hubieran permitido un poco más de realismo.

Pese a ello, para los amantes de la historia militar, seguramente merecerá la pena el visionado de “La batalla de Midway”, una película más que correcta pero sin excesivos alardes.

Para otra reseña de esta película, podeis ver la Crítica de Reisman sobre la misma.

Los que saben morir (The Mckenzie Break)

Los que saben morir (1970)

La acción nos situa en un campo de reclusión para prisioneros alemanes en Escocia. Al mando de los prisioneros se encuentra un conflictivo ex capitán de submarinos, el capitán Willi Schulter (Helmuth Grien), quien tiene a sus hombres en constante rebeldía frente a sus captores británicos. Ante la sospecha de que algo se trama los servicios de inteligencia británicos envían a un díscolo pero inteligente oficial, el Capitán Jack Connor (Brian Keith), para que descubra que se esconde detrás de los movimientos de Schulter. Mientras tanto, este prepara un plan para organizar la fuga de 28 prisioneros altamente cualificados, con el objetivo de escapar hacia la costa para embarcarse en un submarino que ha de recogerlos para llevarlos de vuelta a Alemania.

Los que saben morir es una curiosa producción británica en la que se invierten los papeles del tradicional argumento de las películas de campos de prisioneros, ya que en este caso son los alemanes los que se encuentran en situación de cautiverio. Como indica el comentario de Toño, la película se basa parcialmente en hechos reales, narrados en la novela titulada The Bowmanville Break, la cual relata el intento de fuga del as de los U-Boote alemanes, Otto Kretschmer del campo de prisioneros de Bowmanville, en Canadá. La operación de fuga, denomidada en clave Kiebitz, debía ejecutarse en Septiembre de 1943, y contemplaba que el submarino U-536 recogiera a Kretschmer en la costa canadiense una vez que este se hubiera evadido. Sin embargo, los canadienses conocian las intenciones de los alemanes, al haber interceptado sus comunicaciones, y el plan de fuga fracasó al derrumbarse el tunel por el que iban a escapar los prisioneros. La Marina Real Canadiense, alertada por el servicio secreto de la presencia del U-536 en sus aguas territoriales, trató de darle caza, pero finalmente el submarino pudo escapar, terminando de este modo en fracaso el plan alemán de rescate.

Sobre esta base real, la película construye una narración con los elementos típicos del cine carcelario y sobre prisioneros de guerra, y presenta más de elemento argumental en común, aunque desde una perspectiva más realista, con el clásico de John Sturges, “La gran evasión”. En este caso, la asistimos al típico enfrentamiento entre la inteligencia de dos personajes de fuerte personalidad, el capitán alemán Schulter, decidido a poner en práctica su plan de fuga a cualquier precio, frente al avispado capitán Connor, que trata de ganarle la partida al alemán adelantándose a sus movimientos.

En cuanto a la valoración he de decir que “Los que saben morir” ofrece poca cosa que resulte original. El hilo argumental de la fuga mantiene más o menos el interés, pero recuerda en muchos momentos a “La gran evasión”. Por otra parte, el guión va más allá de los hechos reales, y ofrece en cambio un giro totalmente ficticio, mostrando el éxito de la fuga de los prisioneros alemanes, mientras Connor lo permite con el objetivo de seguirlos y capturar al submarino. Por otra parte, las escenas del enfrentamiento personal entre ambos oficiales tienen un toque pretencioso pero realmente no resultan demasiado intensas ni especialmente memorables, exceptuando quizás la escena final, cuando un atribulado capitán Connor dice “Menuda nos ha caido a los dos”. Al menos sí que cabe destacar el trabajo de los dos actores protagonistas, muy bien en sus papeles, y una correcta ambientación y fotografia.

En resumen “Los que saben morir” es una película con un punto de partida relativamente original, pero muy plana en cuanto al desarrollo argumental. Personalmente la encontré solo medianamente entretenida aunque de correcta factura.

Calificación: 5,5/10

Hermanos de Sangre (IX): Por qué combatimos

Hermanos de Sangre (IX): Por qué combatimos

Marzo de 1945. La Easy se encuentra en Alemania, donde los combates casi han cesado y la vida en el frente se hace un poco más tranquila, pese a los rumores de un posible salto sobre Berlin. El Capitán Nixon cae en una depresion y se da a la bebida tras estar a punto de morir en un salto de entrenamiento. Poco después de recibir la noticia de la muerte del Presidente Roosevelt, una patrulla de la compañia descubre los horrores de un campo de concentración cerca de Landsberg. En represalia, ordenan a los ciudadanos alemanes del pueblo cercano que acudan al campo para enterrar los cadáveres de las victimas. Poco después la Easy se pone nuevamente en marcha, esta vez rumbo a Baviera, donde deben ocupar el reducto alpino de Hitler, en Bechtesgarden.

Este 9º episodio de la serie es para mi gusto el más flojo de la misma. Pese a que al principio, en la típica introducción del capítulo con los testimonios de los veteranos, estos parecen ofrecer una visión humanizadora del enemigo, al final el episodio gira casi exclusivamente en torno a las atrocidades cometidas por los alemanes. Quizás una perspectiva un poco más general de la sociedad alemana habría sido de agradecer. Por lo demás, no acabé de entender muy bien la súbita tendencia alcohólica de Nixon, que por otro lado se queda en un hilo argumental inacabado. Las secuencias del campo de concentración resultan muy realistas en cuanto a su recreación, pero demasiado directas al exponer lo evidente. Opino que una escenificación más elíptica de dichas escenas habría conseguido resultados más conmovedores sin menoscabo de mostrar la crudeza del campo de concentración. A todo ello hay que unir la total ausencia de acción en este episodio, de ahí que resulte un poco desangelado en comparación con los precedentes.

En resumen, como comentaba, este episodio me resultó el menos entretenido y más “plano” (por sí decirlo), de esta magnifica serie.

El Imperio del Sol (Empire of the Sun)

El Imperio del Sol (1987)

La acción nos sitúa en Shangai, China, en el año 1941. James Graham (Christian Bale) es un niño británico hijo de un alto cargo diplomático que vive fascinado por los aviones, y cuya cómoda existencia se ve bruscamente truncada por la invasión del ejército japonés en diciembre de 1941. En una desesperada huida de la ciudad en medio de la multitud, James queda separado de sus padres y tras vagar sin rumbo un tiempo, es acogido por Basie (John Malkovich) un buscavidas norteamericanos que sobrevive junto a otro compatriota realizando robos. Tras intentar congraciarse con sus nuevos compañeros ofreciendoles los objetos de valor de su antigua casa, James y los dos pillos acabarán yendo a parar al campo de internamiento japonés para ciudadanos occidentales de Soo Chow. Alli tendrán que luchar por su supervivencia en unas difíciles condiciones, aunque para James tiene la ventaja de que está situado justo al lado de un campo de aviación nipón lo cual le permitirá disfrutar de la contemplación de los aviones japoneses.

Steven Spielberg ha declarado en alguna ocasión que unas veces hace películas pensando con el corazón y otras pensando con el bolsillo. Claramente “El Imperio del Sol” pertenece a la primera categoría, pues con ella Spielberg abordó la adaptación de la novela autobiográfica del escritor J.G. Ballard, publicada en 1984, y en la que el autor rememoraba las experiencias de su niñez, cuando en medio de la evacuación de Shangai quedó separado de sus padres y fue a parar a un campo de prisioneros japonés. Se trataba, por tanto, de un relato de tintes nostálgicos y evocadores de una época, la niñez, y del paso de esta a la madurez adulta, una historia de evidente calado humano que sedujo al realizador norteamericano.

Entrando a valorar la película, hay que señalar en primer lugar que esta -como es habitual en el cine de Spielberg- resulta impecable en el apartado técnico, especialmente en lo tocante a la ambientación, sonido y fotografía, aspectos que están cuidados hasta el mínimo detalle. Sin embargo, es la típica historia sentimental que en algunos casos logra seducir al espectador y gustar mucho, mientras que en otros casos lo hace más bien poco.

Personalmente, la historia del niño rico enfrentado de bruces a la vida no me terminó de enganchar, aunque es justo reconocer que el protagonista, un por aquel entonces adolescente Cristian Bale ("American Psycho"; “Batman”), compone un buen papel, como también lo hace John Malkovich encarnando al cínico buscavidas que acoge a James. También es cierto que la película contiene escenas de muy bella factura visual, pero, en conjunto, la historia destila un tono por momentos excesivamente pasteloso, que impide que los momentos dramáticos transmitan toda su intensidad al espectador. Y las peripecias de los protagonistas en el campo de prisioneros me dejaron más bien frio, supongo que debido a que se aprecia claramente la intención de conmover; cosa que también ocurre con el desenlace de la historia, principalmente porque se recrea en un Happy End bastante prolongado.

En conclusión, lo más memorable de El Imperio del Sol son varias escenas de gran belleza plástica, especialmente las del niño saludando militarmente a un grupo de pilotos kamikazes japoneses que se disponen para salir en su última misión, y el vuelo de los aviones con el sol poniente de fondo. Peor dichas secuencias y la excelente factura del film en el apartado técnico no sirven para la historia termine de funcional en la pantalla. Un título que fue uno de los raros fracasos comerciales que ha cosechado Spielberg a lo largo de su carrera cinematográfica, bajo mi punto de vista de manera justa en este caso, porque se trata de una historia que, de haberse contado en un tono menos sensiblero, habria dado más de sí.

Calificación: 5,5/10

La Gran Evasión (The Great Scape)

La Gran Evasión (1962)

Alemania, año 1942. En un campo de prisioneros para aviadores aliados de la Luftwaffe dotado de la máximas medidas de seguridad el mando alemán reune a los prisioneros más problemáticos por su historial de intentos de fuga, con el fin de tenerlos controlados. Naturalmente, los prisioneros comenzarán a planificar su fuga inmediatamente después de llegar al campo. A este fin se organizan distintos equipos cada uno con una misión: documentanción falsa, túneles, información… etc, con la particularidad de que en esta ocasión tratarán de organizar una fuga a gran escala, sacando a 250 prisioneros del campo, en una “gran evasión”.

La gran Evasión es una película de difícil clasificación pues tiene elementos de comedia, de acción, de cine de prisiones… y aunque tal mescolanza de géneros raras vece funciona en pantalla, en este caso sí que lo hizo. A ello contribuye la vigorosa dirección de John Sturges, que sabe administrar a la perfección el tempo narrativo de la historia, empezando con un tono de comedia para ir luego aumentando la tensión en las escenas de la preparación de la fuga y finalmente llega al climax con las escenas de acción durante la huida de los fugados.

También contribuyen bastante los actores, un reparto coral que incluye a Charles Bronson, James Garner y sobre todo, un Steve McQueen en estado de gracia que logra una de las mejores interpretaciones de su carrera, (geniales sus continuos encarcelamientos en la “nevera”). Si a ello le unimos la famosa y pegadiza banda sonora, una excelente fotografia y algunas escenas míticas, especialmente la de McQueen huyendo en moto con medio ejército alemán pisándole los talones, tenemos los elementos que hacen de “La Gran Evasión” una gran película.

Quizás el único apartado que se puede cuestionar de esta película es el del escaso control que se ejerce sobre los prisioneros en el campo, quienes prácticamente deambulan a su antojo, roban mercancías alemanas, e incluso se burlan de los mismos guardias alemanes, que aparecen retratados como un poco lelos. Quitando esa concesión argumental poco realista, el resto de la película es magnífico. Apuntar como curiosidad que esta película dió lugar a una miniserie de TV de 1988, titulada “La gran Evasión II: la historia jamás contada” con Christopher Reeve, el actor de Superman, como protagonista de un relato bastante más fiel que la película a los hechos reales que la inspiraron; y más recientemente, a la película de animación “Evasión en la Granja” con gallinas en el papel de prisioneros aliado.

Calificación: 7,5/10

Las Ratas del Desierto (The Desert Rats)

Las Ratas del Desierto (1953)

Norte de África, año 1941. El Afrika Korps de Rommel amenaza con penetrar en Egipto y tomar Alejandría y el Canal de Suez. Sin embargo, antes debe capturar la aislada fortaleza portuaria de Tobruk, defendida por la 9ª división australiana. Al mando de una de las compañias que defienden el frente se encuentra un oficial inglés, el capitán MacRoberts (interpretado por Richard Burton), quien destaca por su valor rechazando el primer asalto de los panzer alemanes contra el perímetro de Tobruk. Ascendido a Teniente Coronel, MacRoberts propone dirigir un comando que destruya el depósito de municiones de la artilleria de sitio alemana, misión que cumple con éxito si bien es capturado en la acción. Tras un encuentro casual con el mismo Rommel, MacRoberts, junto con uno de sus soldados, logra evadirse y, de vuelta a Tobruk vuelve a ocuparse de una zona clave para la defensa del frente antes del ataque final de Rommel.

En general "Las Ratas del Desierto" resulta una pelicula bastante irregular. El arranque de la misma no está nada mal, pues una voz en off nos describe la situación de mediados de 1941, mostrando en un mapa como Tobruk se interpone en la ruta de Rommel hacia Egipto. Después se muestra con bastante realismo como los australianos preparan la defensa para rechazar a los panzers, mediante una ingeniosa táctica consistente en dejarlos penetrar hasta una pantalla de cañones antitanque, para luego cerrar las brechas abiertas tras los carros con el fin de separarlos de la infanteria, tal y como explica el comandante de la 9ª division sobre un mapa. La escena del asalto alemán, en medio de una tormenta de arena, también está bien resuelta (exceptuando la destrucción de un panzer por un cañon de un blindado ligero) y resulta bastante ajustada a lo que ocurrió realmente en el primer ataque contra Tobruk.

Sin embargo, a partir de esa primera hora, la historia va perdiendo solidez. Primero, porque se entretiene en mostrarnos algunas parrafadas de MacRoberts con un antiguo profesor suyo que sirve como soldado en su misma unidad (casualidades de la vida). Segundo, porque la misión de comando contra el depósito de municiones del DAK y la conversación de MacRoberts con Rommel resultan un poco inverosímiles; y finalmente porque el final adquiere unos tintes de hazaña épica que terminan por restarle puntos al conjunto del film. Además, la película tiene varios errores de contexto un poco gruesos, el primero en imágenes, pues se usan algunos "parches" de imagenes reales y vemos por ejemplo ¡Un carro M3 Grant! (que no llegó a Africa hasta 1942); y lo que es mas grave, en las escenas que sale Rommel los alemanes le llaman repetidamente "Herr Feldmarshall" craso error porque Rommel no fue ascendido a Mariscal de Campo hasta 1942, precisamente por capturar Tobruk, pero un año después del periodo que se nos narra, cuando ostentaba la graduación de General.

Por último, destacar la aparición de James Mason interpretando a un creible Rommel, repitiendo el papel que había interpretado poco antes en "Rommel, el Zorro del Desierto", la película biográfica sobre el general alemán.

Calificación: 5,5/10

La Crítica de Piru

Operacion Crossbow (Operation Crossbow)

Operacion Crossbow (1965)

Año 1943. Mientras los alemanes aceleran su plan de fabricación de las bombas V-1 y V-2, los servicios secretos británicos comienzan a recibir evidencias del desarrollo de esas nuevas y peligrosas armas alemanas en la zona de Peennemunde, en la costa Báltica. Para evitar su fabricación masiva el servicio secreto británico recluta a un equipo de agentes formado por militares con elevados conocimientos científicos, para infiltrarlos en el mismo corazón de las instalaciones alemanas con la misión de sabotearlas e impedir el lanzamiento de las Bombas V.

Operación Crossbow es una curiosa coproducción anglo-italiana que presenta el interés de abordar un tema curiosamente poco explorado en el cine bélico, el de las armas secretas alemanas. Naturalmente, como la época exigía, el transfondo bélico se ve complementado por los toques de thriller de espionaje, y, como no, por el inevitable romance en tiempos de guerra, esta vez con la famosisima Sofia Loren como coprotagonista, si bien en un papel relativamente secundario.

En la estructura de la película hay dos partes bien diferenciadas. En su primera mitad, la película nos muestra con bastante realismo el desarrollo de las bombas volantes por parte alemana, desde los problemas tecnológicos iniciales hasta que la intrepida piloto de pruebas alemana Hanna Reitsch logra hacer volar el prototipo; y como los ingleses tratan de contrarrestar la amenaza. En esa parte de la película destaca la ambientación, especialmente de la famosa base de pruebas de Peennemunde, que está muy lograda. Los efectos especiales, pese a las limitaciones que imponía la tecnología de la época, resultan de notable factura, especialmente en las secuencias que nos muestran el vuelo de prueba de la Reitsch a bordo de la V-1.

En la segunda parte del film la cosa decae un poco, ya que el realismo histórico desaparece para dejar paso a la trama de espionaje y a los avatares románticos del duo de estrellas (George Peppard y Sofia Loren). Pese a ello, y a pesar también de un final que podriamos calificar como bastante inverosímil por “películero” hay que reconocer que Operación Crossbow mantiene un buen tono general que la hace ser una película bélica aun apreciable hoy dia.

Hermanos de Sangre (VIII): La Última Patrulla

Hermanos de Sangre (VIII): La Ultima Patrulla

Febrero de 1945. La Easy se encuentra en una ciudad francesa a orillas del Rin, Hagenau. Aunque el frente está relativamente en calma, la moral de las tropas es baja debido a las penalidades del invierno y al estancamiento. El soldado Webster, un veterano del Dia D ausente de la Easy desde que fuera herido en Holanda regresa a su puesto para descubrir que muchos de sus camaradas le desprecian por haber estado ausente varios meses. Junto a él, llega un oficial novato, el Teniente Jones que quiere adquirir experiencia en el frente.

La Easy recibe el encargo de enviar una patrulla al otro lado del Rin para capturar prisioneros y destruir un puesto de observación elmán, misión que es asumida con desagrado por unos fatigados soldados. Finalmente se eligen a 15 hombres, incluyendo a Webster y el Teniente Jones, para realizar la incursión que es culminada con éxito, si bien Winters se niega a realizar otra nueva incursión de ese tipo, justo antes de que la Easy abandone Haguenau.

Este episodio, centrado en los nuevos personajes de Webster y Jones nos ofrece un punto de vista distinto, al ofrecernos una mirada a los miembros de la Easy vistos desde fuera. Pero sobre todo, el episodio es una vívida descripción de la cara menos atractiva de la guerra: la desmoralización, la muerte traicionera por accidentes o proyectiles perdidos, las penalidades de la vida en el frente… todo ello se nos muestra de una forma bastante convincente. Aunque este episodio no muestra demasiadas escenas de acción, sí que sale una batalla nocturna bastante bien filmada, cuando la patrulla se enfrenta a los alemanes al otro lado del Rin.

El único “pero” que le pondría es que quizás el ritmo de este episodio resulta demasiado pausado, aunque en cierto modo es consonante con el fondo de la historia que nos narra, centrado en los momentos muertos de la guerra y como estos afectan a la moral de los soldados que combaten en el frente.

En resumen, “La Última Patrulla” es un interesante episodio que cuenta bien lo que se propone, aunque también uno de los que menos acción bélica contiene.